Monet — Obras selecionadas

A Praia de Sainte-Adresse

Claude Monet — 1867

No verão de 1867, Claude Monet hospedou-se com sua tia em Sainte-Adresse, um próspero subúrbio da cidade portuária de Le Havre, no norte da França. O artista conhecia bem a paisagem, tendo crescido na região, mas a área mudou significativamente durante sua vida. A expansão da rede ferroviária do país transformou esta pequena vila de pescadores em um resort à beira-mar para turistas. Aqui, Monet insinuou essa transformação. O espectador é imediatamente atraído pelos aspectos visíveis da vida local—barcos de pesca com velas escuras flutuam na água, com grupos de pescadores, seus equipamentos e outras embarcações na costa. Os barcos encalhados emolduram duas figuras sentadas à beira-mar, destacadas por alguns traços de tinta vermelha e amarela: um homem de chapéu e terno escuros observa através de um telescópio, acompanhado por uma mulher usando um chapéu de palha com uma fita escarlate. A presença deste casal—sem dúvida turistas, dado o vestuário elegante—transforma o que poderia ter sido uma cena costeira tradicional em uma pintura da vida moderna, uma das primeiras explorações do turismo pelo artista. Monet começou esta pintura ao ar livre e a revisou posteriormente em seu estúdio. Pesquisas de conservação revelaram que ele mudou de ideia sobre a composição enquanto trabalhava: inicialmente, ele incluiu outras figuras de turistas e iates na cena, mas depois cobriu esses detalhes, voltando seu foco para os pescadores, o aspecto da vida em Sainte-Adresse que ele conhecia melhor. As marinhas de Monet deste verão são marcadamente diferentes das que pintou apenas alguns anos antes, e A Praia em Sainte-Adresse exemplifica sua técnica de pintura em evolução. Também antecipa algumas das qualidades que se tornaram características do movimento Impressionista, talvez por isso Monet tenha escolhido mostrá-la na segunda exposição Impressionista em 1876, quase dez anos após tê-la pintado. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

O Lenço Vermelho, retrato de Madame Monet

Claude Monet — 1868

Esta pintura retrata Camille, a primeira esposa de Monet, do lado de fora em um dia nevado, passando pelas portas francesas de sua casa em Argenteuil. Seu rosto é representado com uma técnica impressionista radicalmente ousada, usando apenas toques rápidos de tinta, assim como a neve e as árvores são definidas por amplas e quebradas pinceladas de branco puro e verde.

Acervo: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Imagem original ↗

À Beira da Água, Bennecourt

Claude Monet — 1868

Aqui, a futura esposa de Claude Monet, Camille Doncieux, está sentada em uma ilha no rio Sena, olhando em direção à aldeia de Gloton, próxima à cidade de Bennecourt, de onde ela e Monet presumivelmente chegaram de barco. Esta é a única pintura que sobreviveu do breve período que o casal passou em Gloton, uma área rural econômica recomendada a Monet pelo romancista Émile Zola, e que era facilmente acessível de Paris. Pentimentos (traços visíveis de uma pintura anterior sob uma camada ou camadas de tinta) sugerem que, em uma fase inicial da pintura, Camille segurava uma criança com um boné, presumivelmente o bebê do casal, Jean. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

A Casa do Artista em Argenteuil

Claude Monet — 1873

Claude Monet e sua família viveram em Argenteuil, nos arredores de Paris, de 1871 a 1878. Neste quadro, ele retratou seu filho de cinco ou seis anos, Jean, brincando com um aro, e sua esposa, Camille, parada na entrada de sua casa coberta de videiras. O clima agradável e o jardim bem cuidado, um precursor do famoso jardim do artista em Giverny, trazem uma sensação de tranquilidade e bem-estar a esta pintura. Este foi um período de segurança financeira para Monet, graças às vendas recentes de suas obras para o marchand de arte parisiense Paul Durand-Ruel. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

Chegada do Trem da Normandia, Gare Saint-Lazare

Claude Monet — 1877

Um dos aspectos mais vanguardistas dos Impressionistas era a escolha de seus temas, que frequentemente incluíam cenas da Paris moderna e industrial, como pontes de ferro, pavilhões de exposições e galpões ferroviários. A estação de trem de Saint-Lazare seria uma visão familiar e significativa para Claude Monet na década de 1870. O terminal conectava Paris à Normandia, onde o artista desenvolveu sua técnica de pintura ao ar livre nos anos 1860. Também era o ponto de partida para as cidades e vilas a oeste e norte de Paris que os Impressionistas frequentemente visitavam. Monet completou oito de suas doze conhecidas pinturas da Gare Saint-Lazare a tempo para a terceira exposição impressionista, em 1877, provavelmente exibindo-as na mesma galeria. Monet escolheu focar sua atenção aqui no galpão de vidro e ferro do trem, onde ele encontrou uma combinação atraente de efeitos artificiais e naturais — o vapor ascendente das locomotivas presos dentro da estrutura e a luz do dia penetrando pelas grandes seções envidraçadas do teto, por exemplo. As representações da estação por Monet inauguraram o que se tornaria um padrão estabelecido para ele, de pintar repetidamente um motivo específico para capturar mudanças atmosféricas sutis e temporais, como em sua famosa série de feixes de trigo. Porém, as pinturas de Saint-Lazare também representaram sua última tentativa de capturar a vida urbana: a partir deste ponto em sua carreira, Monet dedicou-se em grande parte às paisagens. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

Maçãs e Uvas

Claude Monet — 1880

Claude Monet provavelmente pintou esta e outras naturezas-mortas em 1879–80, sabendo que elas seriam mais facilmente comercializáveis do que suas paisagens. Em Maçãs e Uvas, no entanto, ele utilizou a complexidade de cor, luz e textura encontradas em suas paisagens mais impressionistas. Isso é particularmente evidente na extensa superfície de tecido — o jogo de luz sobre as pinceladas horizontais (indicando as dobras na toalha de mesa) remete a telas anteriores nas quais Monet usou horizontais curtos e variados de cores para sugerir a água ondulando ao sol. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

Passeio no Penhasco em Pourville

Claude Monet — 1882

Em fevereiro de 1882, Claude Monet foi à Normandia para pintar, uma das muitas expedições que realizou na década de 1880. Esta também foi uma fuga das pressões pessoais e profissionais. Sua esposa, Camille, havia falecido três anos antes, e Monet entrara em um arranjo doméstico com Alice Hoschedé (com quem se casaria em 1892, após a morte do marido dela). A França estava no meio de uma longa recessão econômica que afetou as vendas de Monet. Além disso, o artista estava desanimado com a próxima sétima exposição impressionista — divisões dentro do grupo haviam se tornado pronunciadas naquela época — e ele delegou a responsabilidade de sua contribuição ao seu marchand, Paul Durand-Ruel. Decepcionado com a área ao redor da cidade portuária de Dieppe, que considerou muito urbana, Monet se estabeleceu em Pourville e permaneceu nessa vila de pescadores até meados de abril. Ele ficou cada vez mais encantado com os arredores, escrevendo a Hoschedé e seus filhos: "Como a paisagem está se tornando linda, e que alegria seria para mim mostrar a vocês todos os seus encantadores recantos e recantos!" Ele pôde fazer isso em junho, quando eles se juntaram a ele em Pourville. As duas jovens passeando em Caminhada Sobre o Penhasco em Pourville provavelmente são Marthe e Blanche, as filhas mais velhas de Hoschedé. Nesta obra, Monet abordou o problema de inserir figuras em uma paisagem sem perturbar a unidade de sua superfície pictórica. Ele integrou esses elementos uns aos outros através da textura e cor. A grama — composta de pinceladas curtas, rápidas e curvadas — parece tremular ao vento, e versões sutilmente modificadas das mesmas pinceladas e tons sugerem os vestidos e xales das mulheres soprados pelo vento e a ondulação do mar. Radiografias mostram que Monet reduziu a saliência rochosa à extrema direita para equilibrar as proporções do mar e do céu. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

Bordighera

Claude Monet — 1884

No início de 1884, Claude Monet viajou para Bordighera, uma cidade na Riviera Italiana perto da fronteira entre a Itália e a França, para uma visita de trabalho que duraria três semanas, mas acabou se estendendo por quase três meses. Em uma carta ao escultor Auguste Rodin, descrevendo seus esforços para capturar a brilhante luz mediterrânea, Monet declarou que estava "lutando, esgrimando com o sol". Em outras cartas, ele se queixou da impossibilidade de encontrar um tema adequado em meio à vegetação abundante da região. Nesta composição banhada pelo sol, pintada de um ponto de vista no topo de uma colina, o mar é mal visível através dos troncos entrelaçados dos pinheiros locais. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

Monte de Feno (Fim de Verão)

Claude Monet — 1890

Os monumentais montes que Claude Monet retratou na sua série Montes de Feno erguiam-se de quinze a vinte pés e estavam situados logo ao lado da casa de fazenda do artista em Giverny. Ao longo de 1890 e 1891, ele trabalhou nesta série tanto no campo, pintando simultaneamente em vários cavaletes, quanto no estúdio, refinando as harmonias pictóricas. Em maio de 1891, Monet exibiu quinze destas telas lado a lado em uma pequena sala na Galerie Durand-Ruel em Paris. Um sucesso crítico e financeiro sem precedentes, a exposição marcou um avanço na carreira de Monet, assim como na história da arte francesa. Nesta visão, e em quase todas as visões de outono da série, os topos cônicos dos montes rompem o horizonte e se projetam no céu. Mas na maioria das visões de inverno, que constituem o núcleo da série, os montes parecem envoltos por faixas de colina e campo, como se estivessem acomodados para a estação. Para Monet, o monte era um símbolo ressonante de sustento e sobrevivência. Ele seguiu este grupo com outras séries que retratavam álamos, a fachada da Catedral de Rouen e, mais tarde, seu próprio jardim em Giverny. O Art Institute possui o maior grupo de Montes de Feno de Monet no mundo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

Campo de Papoulas (Giverny)

Claude Monet — 1890

Em julho de 1890, Claude Monet iniciou quatro telas quase idênticas em escala, retratando campos de papoulas perto de sua casa em Giverny. Embora ele não considerasse esses trabalhos como uma série, ao contrário das 25 pinturas de pilhas de feno que ele começou logo após a colheita naquele mesmo verão, as obras certamente mostram seu crescente interesse em desenvolver várias telas ao mesmo tempo. Elas também demonstram um toque muito mais homogêneo do que as paisagens livremente pinceladas de sua carreira anterior, com superfícies que possuem uma materialidade semelhante a uma tapeçaria. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

Ramo do Sena perto de Giverny (Nevoeiro)

Claude Monet — 1897

Esta paisagem plácida é o resultado de um processo criativo enérgico. Por meses, Claude Monet levantou-se antes do amanhecer para viajar de barco a remo até o mesmo local no rio Sena, onde pintou 14 telas simultaneamente, retrabalhando-as conforme a luz mudava. Embora esta pintura pareça nebulosa e vaga, Monet tomou decisões técnicas deliberadas — por exemplo, desfocando uma linha do horizonte antes distinta com pinceladas vigorosamente misturadas que se tornam mais soltas ao se irradiarem para fora. Monet encomendou sob medida a tela quase quadrada, uma forma incomum que contribui para a natureza desorientadora da cena, metade da qual representa um reflexo na água. Ao difundir a paisagem através destas técnicas, Monet tentou capturar a transitoriedade da luz e da névoa, um tema que ele perseguiu ao longo de sua carreira. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

O Lago de Ninfeias

Claude Monet — 1900

Em 1893, três anos após comprar uma propriedade em Giverny, Claude Monet começou a transformar o terreno pantanoso atrás de sua casa em um lago, na extremidade do qual ele construiu uma ponte de madeira em estilo japonês. Acrescentando plantas exóticas e domésticas, incluindo suas famosas ninféias, o artista criou o jardim que seria um de seus temas principais pelo resto de sua vida. O Lago das Ninféias foi uma das 18 versões semelhantes do motivo que ele realizou entre 1899 e 1900; o tema comum era a fusão das ninféias com os reflexos de outras vegetações na superfície da lagoa. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

O Parlamento, Londres

Claude Monet — 1900

Durante suas campanhas em Londres, Claude Monet pintou as Casas do Parlamento no final da tarde e ao pôr do sol a partir de um terraço no Hospital Saint Thomas. Este ponto de vista era próximo ao do artista inglês J. M. W. Turner em suas pinturas visionárias do incêndio que destruiu grande parte do antigo complexo do Parlamento em 1834. Na sua resposta à poesia do crepúsculo e da névoa, Monet foi, na verdade, inspirado pelo trabalho de um pintor mais recente do Tâmisa, o americano James McNeill Whistler. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

Ninfeias

Claude Monet — 1906

Mal sabia Claude Monet que o jardim aquático que ele criou três anos após comprar sua propriedade em Giverny, França, em 1890, se tornaria sua principal inspiração nas duas décadas e meia seguintes. Essas pinturas, que somam cerca de 250, marcam a jornada artística de Monet desde representações mais diretas do lago atravessado pela ponte japonesa de madeira até a série monumental e quase abstrata sobre o tema das nenúfares que ele fez em preparação para seus murais no Musée de l’Orangerie em Paris, entre 1914 e 1926. "Ninfeias", uma das pinturas sobre o tema feitas entre 1903 e 1908, situa-se no meio do caminho entre o estilo em desenvolvimento de Monet e suas experimentações espaciais. O formato quase quadrado enfatiza sua transição de pintar as zonas convencionais de terra, céu e água para focar exclusivamente na superfície aquosa. Aglomerados de nenúfares no canto inferior esquerdo e canto superior direito emolduram um caminho aquático, enquanto a superfície da água reflete árvores e nuvens. Embora a qualidade onírica das formas flutuantes possa parecer um desenvolvimento natural para o artista, ele considerava essas obras "uma obsessão", um sentimento confirmado por exames técnicos na tela do Art Institute, que revelam muitas alterações significativas feitas durante a execução da pintura. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Acervo: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagem original ↗

Ninfeias (Agapanto)

Claude Monet — 1915

Um habilidoso horticultor além de artista, Claude Monet passou os últimos 30 anos de sua vida pintando o jardim privativo que ele mesmo projetou e ajudou a cultivar em sua casa em Giverny, no norte da França. As telas resultantes são notáveis por seus variados motivos, formatos e tamanhos. Monumental em escala, esta representação de seu lago de ninféias foca nos efeitos momentâneos da luz solar enquanto ela penetra e reflete em sua superfície cintilante. Ao se concentrar na água e omitir o horizonte e as margens ao redor, Monet sugere uma vastidão ilimitada — uma percepção amplificada pelo formato horizontal da pintura que preenche o campo de visão do espectador.

Acervo: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Imagem original ↗