モネ — 名品選

サント・アドレスの海岸

クロード・モネ — 1867

1867年の夏、クロード・モネはフランス北部、ル・アーヴルの港町の郊外にある裕福な地域、サント＝アドレスにある叔母の家で過ごしました。モネはこの地で育ったため、風景には馴染みがありましたが、彼の生活の中で地域は大きく変化しました。鉄道網の拡張により、小さな漁村は観光客用の海辺のリゾート地へと変貌を遂げました。この作品にはその変化が暗示されています。画面には地元の生活の様子が映し出されており、暗い帆の漁船が水上を漂い、岸には漁師のグループやその道具、他の船舶が並んでいます。岸辺に座る2人の人物は、赤と黄色の絵の具でわずかに強調されており、一人は暗い帽子とスーツを着て望遠鏡を覗く男性、またもう一人は赤いリボンの付いた麦わら帽子をかぶった女性です。このカップルの存在によって、伝統的な海岸の風景が現代的な生活の絵画に変わり、観光というテーマへの初期の探求が見られます。モネはこの絵を屋外で描き始め、後にアトリエで手直ししました。保存研究によると、作業中に構図の考えを変えていたことが判明しました。初めは他の観光客やヨットを含めていましたが、これらを後で描き直し、漁師に焦点を当て直しました。モネにとって最も馴染み深かったサント＝アドレスの生活の一面でした。この夏のモネの海景画は、それより数年前に描かれた作品とは明らかに異なり、「サント＝アドレスの海岸」は彼の進化する絵画技法を示しています。また、印象派運動の特徴となるいくつかの要素を予感させ、彼が1876年の第2回印象派展にこの作品を展示した理由を示しています。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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赤い帽子をかぶったモネ夫人の肖像

クロード・モネ — 1868

この絵画は、モネの最初の妻カミーユが雪の日にアルジャントゥイユの自宅フレンチドアを通り過ぎる様子を描いています。彼女の顔は、素早く塗られたほんのわずかな絵の具のタッチによる大胆な印象派の技法で描かれており、雪と木々も純白と緑の広い、一部が壊れたストロークで定義されています。

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ベンヌクールの水辺にて

クロード・モネ — 1868

ここに描かれているのは、クロード・モネの未来の妻、カミーユ・ドンシューがセーヌ川にある島で、小さな村グルトンを見つめている様子です。このグルトンは、ベネクールという町の隣に位置し、彼女とモネがボートを漕いで辿り着いたと考えられています。作家エミール・ゾラがモネに勧めた、パリから手軽に訪れることができる安価な田園地として、この村で過ごした短い期間のうちに描かれた絵画の中で、この作品だけが現存しています。ペンティメント（塗られた絵具の層の下に残る過去の絵の痕跡）により、この絵の初期段階では、カミーユがボネットをかぶった子供、恐らく二人の赤ん坊のジャンを抱いていたことが示唆されています。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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アルジャントゥイユの画家の家

クロード・モネ — 1873

クロード・モネとその家族は1871年から1878年までパリ郊外のアルジャントゥイユに住んでいました。ここで彼は5歳か6歳の息子ジャンがフープで遊んでいる姿と、ブドウのつるに覆われた家の玄関に立つ妻カミーユを描きました。快適な天気と手入れの行き届いた庭は、彼の有名なジヴェルニーの庭の先駆けとして、この絵画に安らぎと幸福感を与えています。この時期、モネはパリの美術商ポール・デュラン＝リュエルへの作品の販売により、経済的に安定していました。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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サン＝ラザール駅、ノルマンディーからの列車の到着

クロード・モネ — 1877

印象派の最も前衛的な側面の一つは、彼らの主題選択であり、これはしばしば近代的で工業化されたパリに由来する風景を含んでいました。たとえば、鉄橋や展示ホール、列車の格納庫などです。サン＝ラザール駅は1870年代のクロード・モネにとって、馴染み深く意義ある光景でした。このターミナルは、パリとノルマンディーを結んでおり、モネが1860年代に野外での絵画技法を発展させた場所です。また、印象派の画家たちが頻繁に訪れたパリの西部および北部の町や村々への出発点でもありました。モネはサン＝ラザール駅を描いた12の既知の絵画のうち8点を、第3回印象派展（1877年）に間に合わせて完成させ、恐らく同じギャラリーで展示したと考えられます。モネはここで、ガラスと鉄の列車庫に注目し、人工と自然の効果の魅力的な組み合わせを見出しました。たとえば、構造内に閉じ込められた機関車の蒸気の上昇や、大きなガラス張りの屋根を通して差し込む日光などです。これにより、モネは特定のモチーフを繰り返し描くことで、微妙で瞬時の大気変化を捉えるという、後に彼の確立されたパターンとなる手法を開始しました。彼の有名な『積みわら』のシリーズのように。しかし、サン＝ラザールを描いた絵画は、都市生活を捉える彼の最後の試みも意味しました。ここから先、モネは主に風景画に専念することになりました。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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リンゴとブドウ

クロード・モネ — 1880

クロード・モネはおそらく、彼の風景画よりも市場で受け入れられやすいと考えて、1879年から1880年にかけてこの絵や他の静物画を描きました。しかしながら、「りんごとぶどう」では、彼の最も印象派的な風景画で見られる色、光、質感の複雑さを活かしています。特に広がる布の表面が顕著で、水平に引かれた筆使い（テーブルクロスの折り目を示す光の遊び）は、モネが太陽の光で水面のさざなみを表現するために使った色とりどりの短い水平線を思い起こさせます。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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プールヴィルの崖の遊歩道

クロード・モネ — 1882

1882年2月、クロード・モネはノルマンディーに赴き、1880年代に何度も行った絵画旅行のひとつを行いました。これは個人的、職業的圧力からの逃避でもありました。彼の妻カミーユが亡くなって3年が経ち、モネはアリス・オシュデとの家庭生活を送るようになっていました（彼女の夫の死後、1892年に結婚）。フランスは長期にわたる経済不況の真っただ中で、モネの販売にも影響が出ていました。さらに、画家は来るべき第7回印象派展に対して熱意を持てずにいました—この時までにグループ内の分裂が顕著になっていたため—彼は自己的な貢献の責任を彼のディーラー、ポール・デュラン＝リュエルに任せました。モネはディエップの港町周辺を都会的すぎると感じて不満を持ち、プールヴィルに落ち着き、この漁村に4月中旬まで滞在しました。彼は周囲の自然に次第に魅了され、オシュデとその子供たちに手紙を書きました。「田舎の美しさが増してきて、あなた方にその美しい隅々を見せることができたらどんなに喜びか」。彼は6月にそれを実現し、彼らがプールヴィルに合流しました。「プールヴィルの崖道」に歩いている二人の若い女性は、おそらくオシュデ家の長女マルトとブランシュでしょう。この作品では、モネは風景に人物を描き入れつつ、その絵画的な表面を乱さないようにする問題に取り組んでいます。彼はこれらの要素を質感と色彩によって互いに統合しました。短く活発なカーブを描く筆致で描かれた草は、そよ風に揺れるかのように見え、同じ筆致と色調を微妙に変化させたものが、風に舞う女性たちのドレスやショール、そして海のうねりを示唆しています。X線写真では、モネが海と空の比率を調節するために、右端の岩の露出を減らしたことがわかります。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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ボルディゲラ

クロード・モネ — 1884

1884年初頭、クロード・モネはイタリアとフランスの国境近くにあるイタリアのリヴィエラの町、ボルディゲーラに旅をし、3週間の予定がほぼ3ヶ月に及ぶ作業滞在となりました。地中海の鮮やかな光を捉えようと努力するモネは、彫刻家のオーギュスト・ロダンに宛てた手紙で「太陽と格闘、レスリングをしている」と述べました。他の手紙では、この地域の豊かな植生の中で適切な題材を見つけることの難しさを嘆いています。この日差しに溢れた作品は、丘の上からの視点で描かれており、地元の松の木の幹が絡み合う間から、海がかろうじて見える構図になっています。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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積み上げられた小麦 (夏の終わり)

クロード・モネ — 1890

クロード・モネが描いた「積みわら」シリーズに登場する巨大な積みわらは、アーティストのジヴェルニーの農家のすぐ外にある高さ15から20フィートのものでした。1890年と1891年、彼はこのシリーズを野外で数台のイーゼルを使って同時進行で描き、スタジオでその絵画の調和を洗練しました。1891年5月、モネはこれらのキャンバス15枚をパリのギャルリー・デュラン＝リュエルの小さな一室に並べて展示しました。これは批評的にも財政的にも前例のない成功を収め、モネのキャリアのみならずフランス美術の歴史においても画期的な出来事となりました。この光景とシリーズのほとんどの秋の景観においては、積みわらの円錐形の頂が地平線を超えて空にまで達しています。しかし、シリーズの中心を成す冬の景観の多くでは、積みわらは丘や畑の帯に包まれ、まるで季節に備えられているように見えます。モネにとって、積みわらは滋養と生存の響く象徴でした。彼はこのシリーズの後、ポプラやルーアン大聖堂の正面、そして後にはジヴェルニーの自らの庭を描いたさらなるシリーズに取り組みました。シカゴ美術館は、世界最大のモネの「積みわら」コレクションを所蔵しています。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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ケシの畑 (ジヴェルニー)

クロード・モネ — 1890

1890年7月、クロード・モネはジヴェルニーの自宅近くのポピー畑を描いた、ほぼ同じサイズのカンバス4枚に取りかかりました。彼はこれらを、同年夏の収穫直後に取り組んだ25枚の「積みわら」と同様にシリーズとして考えていたわけではありませんが、それらは確かに彼が複数のカンバスを同時に発展させることへの興味を示しています。また、彼の初期の自由な筆遣いで描かれた風景画とは異なり、表面にはタペストリーのような素材感があり、はるかに均一なタッチを示しています。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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ジヴェルニー近くのセーヌ川の支流（霧）

クロード・モネ — 1897

この穏やかな風景画は、エネルギッシュな創作過程の成果です。クロード・モネは、同じ場所での創作のために数ヶ月にわたり毎朝夜明け前に起き、手漕ぎボートでセーヌ川へ移動しました。彼は一度に14枚のキャンバスに絵を描き、光の変化に応じてそれらを再び手を加えていきました。この絵は曖昧でぼんやりとした印象を与えるかもしれませんが、モネははっきりとした技術的選択をしました。例えば、元はっきりとしていた地平線を激しく混ぜ合わせた筆使いでぼかし、外側に向かって大きくなるようにしていきました。モネは特注のほぼ正方形のキャンバスを使用しましたが、この異色の形状は光景の不安定さに寄与しており、その半分は水面に映る反射を表現しています。これらの技法によって風景をかすめることで、モネは光と霧の儚さを捉えようとしました。このテーマは彼のキャリアを通じて追求されました。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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睡蓮の池

クロード・モネ — 1900

1893年、クロード・モネがジヴェルニーで土地を購入してから3年後、自宅裏の湿地を池に変える作業を始めました。その池の一端には、日本風の木製の橋を架けました。モネは、彼の有名な睡蓮を含むエキゾチックでありながら家庭的な植物を加え、生涯にわたって取り組むことになる庭園を創り上げました。「睡蓮の池」は、1899年から1900年にかけて制作された18の類似作品の一つで、共通のテーマは池の表面に映り込む植物と睡蓮との融合でした。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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国会議事堂、ロンドン

クロード・モネ — 1900

クロード・モネはロンドンでの制作期間中、セント・トーマス病院のテラスから見た国会議事堂を、夕方から夕日が沈むまでの間に描きました。この視点は、1834年に旧議事堂の大部分を焼き尽くした火災を描いた、イギリスの画家J. M. W. ターナーの幻想的な絵画と似ています。しかし、夕暮れと霧の詩に対する彼の反応において、モネは実際には、近代のテムズ川を描いたアメリカの画家ジェームズ・マクニール・ホイッスラーの作品からインスピレーションを得ていました。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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睡蓮

クロード・モネ — 1906

クロード・モネは、1890年にジヴェルニー（フランス）の土地を購入してから3年後に彼が作った水の庭が、次の2、30年にわたって彼の主なインスピレーションになるとは思ってもみませんでした。約250点に及ぶこれらの絵画は、木製の日本橋を渡る池のより単純な描写から、1914年から1926年にかけてパリのオランジュリー美術館の壁画の準備として制作された、水面のテーマに基づく壮大でほとんど抽象的な連作へのモネの芸術的な旅を示しています。1903年から1908年の間に制作されたこの主題に関する絵画群の一つである『睡蓮』は、モネの発展するスタイルと空間の実験の中間点に位置しています。ほぼ正方形のフォーマットは、陸地、空、水という通常のゾーンを描くことから離れ、水面に焦点を当てるという彼の移行を強調しています。画面左下と右上の睡蓮の塊が水の道を形成し、水面は木々と雲を反映しています。浮遊する形の夢のような質感は、彼にとって自然な発展のように思えるかもしれませんが、彼はこれらの作品を「妄執」と考えていました。この感情は、絵の進行途中で多くの重要な変更を示す、アート・インスティテュートのキャンバスでの技術的な調査によって裏付けられています。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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睡蓮（アガパンサス）

クロード・モネ — 1915

クロード・モネは芸術家であると同時に優れた園芸家でもありました。彼はフランス北部ジヴェルニーの自宅で、設計し育て上げた自身のプライベートガーデンを人生の最後の30年間にわたって描き続けました。その結果生まれたキャンバス作品は、多様なモチーフ、形式、サイズで知られています。この大作の「睡蓮」は、きらめく水面に光がしみ込み反射する瞬間的な効果に着目しています。水面をクローズアップし、地平線や周囲の岸を省略することで、モネは無限の広がりを暗示します。そしてその広大な横長のフォーマットによって、鑑賞者の視界一杯を満たすような感覚が強調されています。

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