マネ — 名品選

水差しを持つ少年（ラ・レガラード）

エドゥアール・マネ — 1862

X線撮影によって、この絵画が『ジターノス』の断片であることが判明しました。『ジターノス』は、エドゥアール・マネが1863年と1867年に発表した、旅をする家族の大きな肖像画です。構図に満足しなかったマネは、絵画をいくつかのセクションに切り分け、それぞれを独立した芸術作品として再解釈しました。これらの断片のうち、『ボヘミアン』と『袋とニンニクの静物画』はルーヴル・アブダビのコレクションに収蔵されています。最後のセクション『ボヘミエンヌ』は失われています。この部分を独立した作品にするために、マネは少年の肩の下にもともと描かれていた女性の頭部を塗り潰し、青空を暗い背景に変更しました。それからマネはこの作品を『ラ・レガラード』と改名しました。このタイトルは、唇に触れずに瓶から喉に液体を注ぎ込むことを意味します。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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魚の静物画

エドゥアール・マネ — 1864

多くの前衛芸術家エドゥアール・マネの大作において、静物のアンサンブルは重要な要素でしたが、彼がこのジャンルに最も関心を持ったのは1864年から1865年にかけてのことであり、その時期に描かれたのが『魚』です。マネが静物画に着手した背景には、19世紀の中産階級の台頭と、それに伴う親しみやすく手頃な価格の作品への関心がありました。この作品は、マネの多くの静物画のように、17世紀のオランダのモデルを思い起こさせます。しかし、キャンバスに表現された率直な描写と大胆な筆使い、そして直接的な視点は、なぜ彼の作品が当時の大衆にとって型破りで挑戦的と捉えられたのかを示しています。『魚』は確かに「静物」（フランス語で静物画は nature morte という）のイメージでありながら、作品には静けさは感じられません。果物や野菜が新鮮に見え、絵具の扱いは力強いものです。構図をさらに活気づけているのは、他の要素の強い対角線を和らげるように配置されたコイの存在です。マネはその静物画を公式なフランス・サロンに出品することはなく、むしろパリで急成長していた画廊のネットワークを通じて販売したり、友人に贈与したりしました。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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海景、穏やかな天気 (Vue de mer, temps calme)

エドゥアール・マネ — 1864

大胆な筆遣いと書道的な形を持ちながらも、この絵の中の船は特定の種類として識別可能です。中央の右側には、側舵のパケット汽船がイギリス海峡を進んでおり、その後ろに遅い帆船が続いています。これは、エドゥアール・マネが最初期に描いた海の絵画の一つであり、彼が何度も取り上げたテーマです。パリで描かれたこの作品は、家族と共に訪れたフランス北部の港町ブローニュ＝シュル＝メールでの休暇中に描いたスケッチをもとに、他の二、三作品と一緒に制作されました。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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兵士に愚弄されたイエス

エドゥアール・マネ — 1865

エドゥアール・マネはそのキャリアを通じて、大胆な技法と常識を破るテーマへのアプローチで、公衆を驚かせ、混乱させました。この絵画の最も驚くべき特徴は、彼がこれを描いたという事実そのものです。現実主義運動の台頭により、芸術は現実に根ざすようになり、フランスのアヴァンギャルドなアーティストたちは宗教的なテーマを探求しなくなりました。マネは主に世俗的な題材を描いていましたが、同時に美術史にも興味を持っており、それが少なくとも二度、彼を芸術家たちが何世紀にもわたり惹きつけられた聖書の物語を描くように導きました。この作品はまた、フランスの哲学者および歴史家ジョゼフ＝エルネスト・ルナンによる物議を醸した1863年の伝記『イエスの生涯（Vie de Jésus）』、特にキリストの人間性を強調した著作から着想を得た可能性もあります。ここでマネは、人生の最後の瞬間、打ちのめされて磔になるのを待っているイエスを描いています。ローマの兵士たちは彼に茨の冠をかぶせ、葦の「笏」と紫の衣を渡し、「ユダヤ人の王」としてあざけるための象徴を添えています。マネはこの神聖な物語を、リアリズムと演劇性を組み合わせた生々しいドラマへと変えました。彼はイエスを正面から描き、その脆弱さと人間的な肉体性を強調しています。イエスは疲れ果て、だらりとしているように見えます。キャンバスの明瞭な筆致とカラーパレットは、物質性を感じさせ、理想化されていないキリスト、特に光輪のないキリストをさらに引き立てます。彼は神聖な光を放つ聖なる存在なのでしょうか、それともスタジオのスポットライトの下に立つただの人間なのでしょうか。この曖昧さこそが、当時この絵画がスキャンダルを巻き起こした理由です。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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哲学者（ダッフルコートを着た乞食）

エドゥアール・マネ — 1865

この絵画と「オイスターを持つ乞食」は、お互いを補完する作品として構想されました。エドゥアール・マネは、1872年にこれらをアブサン酒飲みやクズ屋（廃布や他のゴミを集めて販売する者）の絵画と共に、「哲学者たち」という総称の下で展示しました。マネがこれらの絵を描いた時期、こうした「乞食たち」は、パリが急速に再開発されてブルジョワ階級のための地区が増えていく中で、物理的及び社会的に都市の境界へと追いやられていました。裕福な家庭に生まれたマネですが、彼はフランスの既存の美術サークルとは距離を置いており、こうした疎外された主題に共感を抱いていた可能性が高いです。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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闘牛

エドゥアール・マネ — 1865

1865年の秋にエドゥアール・マネは約10日間スペインを訪れました。この短い旅行は彼の当時の芸術に多大な影響を与えました。詩人シャルル・ボードレールへの手紙の中で、マネはマドリードで観た闘牛を「最も素晴らしく、最も興味深く、最も恐ろしい光景の一つだ」と表現しました。彼は闘牛を観ながら急いでスケッチを描き、それが後のいくつかのキャンバス作品に反映されています。この作品では、その瞬間の緊張を際立たせています。背景の観客はぼやけて一体となる一方で、闘牛士と牛は鮮明に描かれています。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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哲学者（牡蠣を持つ乞食）

エドゥアール・マネ — 1865

『コートを着た乞食』と共に『牡蠣を持つ乞食』は、「哲学者たち」と総称される4枚の絵画シリーズの一部を形成しています。このタイトルは、貧困が智慧と結びつけられた古代ストア派の哲学者の伝統的な表現を指しています。これらの絵画に描かれた匿名の男たちは、エドゥアール・マネの同時代の観客から見て、パリの街路を埋め尽くす社会のアウトキャストとして認識されていたでしょう。マネは、これらの人物を非常に大きなスケールで描き、空虚で暗い背景を設定することにより、当時の絵画の期待を覆し、貴族的、歴史的、または宗教的な主題に通常与えられる肖像画的、さらには英雄的な存在感を彼らに与えました。この形式とシリーズのタイトルを通じて、芸術家はしばしば無視されるこれらの人々を稀有な洞察を持つ者として見ることを観客に奨励しました。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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レース

エドゥアール・マネ — 1865

「競馬」は、マネの絵画「ロンシャンの競馬」に基づいています。しかし、このリトグラフは絵画以上に競馬の興奮を伝えています。大胆で素早く描かれた線と急カーブのぼかしが、エネルギーと動きを示唆しています。この自由奔放で自発的なリトグラフ・クレヨンの使用法は、20世紀の版画制作の表現力を予感させます。

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ロンシャンの競馬

エドゥアール・マネ — 1866

この自由奔放に描かれた絵画は、パリの西端、ブローニュの森に位置するロングシャンでの競馬のスリリングな結末を捉えています。エドゥアール・マネは、競技が側面から見られ、馬が横向きに描かれる従来の表現を大胆に打破しました。代わりに、競技者たちは観客に向かって轟音を上げて疾走し、芝生の雲を巻き上げています。レーストラックのフェンスの流れるような対角線がその速さを強調しています。19世紀のフランスでは、競馬は大衆的な娯楽の重要な形態となりました。イギリスから輸入された競馬場は、そのスピード、スペクタクル、そして豪華さで、まさに現代的な場所として知られていました。マネの絵画では、ファッショナブルな服をまとった男女の群衆がフェンスに押し寄せ、このイベントを目の当たりにしています。左上の一人の男性は双眼鏡を使って競馬をよりよく観察しています。その友人であるエドガー・ドガスにとって競馬場は永遠のインスピレーションの源であったのに対し、マネはこのテーマでたった2枚の絵を制作しました。当初はもっと大きな構図でしたが、このキャンバスは現在のサイズにまでマネ自身の手で切り詰められました。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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黒いスカーフを巻いた女性の肖像

エドゥアール・マネ — 1873

マネはわずか数筆でこの無名のモデルの陽気な性格を完全に表現しています。彼女の楽しげな半笑いは、画家とモデルの間の楽しい会話を示唆しているかもしれません。この絵は、マネの制作過程に貴重な洞察を提供しています。マネはまず、暗い絵の線で人物のアウトラインを描き、次に衣装や顔の細部を短く正確な筆致で描きました。最終的に、パターン化された背景を描き始めたと思われる薄い緑色の下絵を施しましたが、未完成のまま残されています。女性の髪型、青黒い髪を積み重ねたカールした前髪は、この作品が1870年代後半に制作されたことを示しています。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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カフェにて

エドゥアール・マネ — 1874

このエドゥアール・マネによる版画は、19世紀パリの印象派芸術家の集いの場であったカフェ・ゲルボワを描いています。画家として最もよく知られる彼ですが、キャリアを通じて熱心に版画制作にも取り組んでいました。ここでは、当時の新しい技法であるジロタージュを試み、素早くスケッチしたような線を提示し、即興で素早く創作されたかのような印象を与えています。

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扇を持つベルタ・モリゾの肖像

エドゥアール・マネ — 1874

エドゥアール・マネは、親しい友人でありアーティストでもあるベルト・モリゾを1868年から1874年にかけて12回、エッチング、リトグラフ、油絵、水彩で描いています。この水彩画では、マネは限られた色数と技法の組み合わせを用い、青緑の背景に対してモリゾを描き出しています。彼は彼女のドレスには湿った表面にさらに湿った絵具を塗るウェット・オン・ウェット技法を使い、これにより筆の跡がにじみ合って融合しています。そして、マネは乾いた筆で描く技法を用いてドレスの布地の質感や彼女の髪に飾ったリボンを強調しています。これらの質感は、相対的に平坦な静かな背景と対照を成し、モデルが際立って見えるようになっています。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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パラスの胸像に止まる

エドゥアール・マネ — 1875

エドゥアール・マネが制作したこのリトグラフは、アメリカの作家エドガー・アラン・ポーの1845年の名作詩「The Raven（大鴉）」をフランス語に翻訳した、友人ステファヌ・マラルメの1875年の版のためのものです。詩では、亡き恋人を悼む男のもとに何度も「ネヴァーモア」と叫ぶカラスが訪れる様子が描かれています。マラルメの版は、視覚芸術の作品として特別に制作された最初の近代的なリーヴル・ダルティストの一つとされています。マネは、アテナの女神の胸像の上から語り手を見つめるカラスの場面を含む、4つの全ページイラストを制作し、カバーや広告ポスターに使用されたカラスの頭のデザインも手掛けました。

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クレア・キャンベル

エドゥアール・マネ — 1876

1870年代後半、エドゥアール・マネは油絵での作業が困難になる健康上の問題を抱えるようになりました。代わりに、マネはパステルを使用して描画を始めました。パステルは、線と色を一度に描くことができる粉状の媒体です。この作品は、この時期にマネが作成した多くの肖像画の一つです。作品には、流行に敏感な若い英国女性クレア・キャンベルが描かれています。彼女の父親は英国の新聞『デイリー・テレグラフ』を出版していました。マネは、パステルの柔らかな質感を活かし、主に白、灰、黒といった中間色のパレットを用いて、被写体の肌と髪を表現しました。

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読書する女性

エドゥアール・マネ — 1880

19世紀後半、パリのカフェは芸術家や作家たちの集まる場所であり、都市の風景を観察するのに理想的な場所でした。多くの印象派の絵画はピガール通りにあるカフェ・ノーヴェル・アテネを描いており、そこにはエドゥアール・マネと彼の仲間たち、すなわち画家のエドガー・ドガ、クロード・モネ、カミーユ・ピサロ、ピエール＝オーギュスト・ルノワール、そして作家のシャルル・ボードレールやエミール・ゾラのために2つのテーブルが予約されていました。ぱっと見、このおしゃれに着飾った若い女性は、お気に入りのカフェに腰掛けているように見えます。大理石のテーブルトップ、ビアマグ、そして木製のバーに取り付けられた雑誌はそのような設定を示唆しており、重い服とキッドグローブは彼女が屋外のテーブルに座っていて、天気が涼しいことを示しています。しかし、背景の花柄は実際にはマネの絵画の一つであり、カフェは彼のスタジオでの再現です。『読書する女』はマネのイメージの中で最も印象派的な作品の一つで、速く自由な筆使いと明るい色彩が、彼の晩年の技法の特徴を示しています。この作品は彼の死の数年前に描かれ、マネと彼の同時代の作家たちが表現しようと求めた現代生活の一瞬の移ろいを見事に捉えています。 Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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