Rembrandt — Opere scelte

Giovane uomo con catena

Rembrandt van Rijn — 1625

Questo dipinto è un esempio di tronie, una parola olandese che significa “testa” o “espressione facciale”. Le tronies non erano destinate a essere ritratti identificabili, ma piuttosto indagini artistiche sull'aspetto del volto e costumi fantasiosi. Soprattutto negli anni intorno al 1630, Rembrandt ha utilizzato questo formato popolare per esplorare diversi effetti di illuminazione ed espressioni facciali. Qui, il forte contrasto di luce e ombra modella i contorni del volto del giovane; accessori insoliti come la sciarpa a righe e il pendente scintillante su una catena tempestata di gioielli aggiungono un tocco esotico. Sebbene questo dipinto rechi il monogramma di Rembrandt, l'attribuzione non è certa. Alcuni studiosi l'hanno attribuito a Isaac de Joudreville (1613–1648), un allievo e collaboratore di Rembrandt che ha dipinto tronies comparabili in uno stile altrettanto fluido ed elegante.

Collezione: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Immagine originale ↗

Ritratto di una donna

Rembrandt van Rijn — 1630

All'età di 25 anni, Rembrandt si trasferì dalla sua città natale di Leida alla vivace città di Amsterdam. Nel giro di pochi anni divenne uno dei più affermati ritrattisti della città, creando ritratti straordinariamente vividi che sembravano esprimere la personalità e l'anima del soggetto. Qui, Rembrandt ha usato pennellate morbide e fluide per ricreare la texture delicata della pelle della donna. In contrasto, pennellate più spesse e strutturate mettono in risalto il ricco sfoggio del colletto di pizzo e dei gioielli d'oro, dettagli pensati per soddisfare un cliente facoltoso. La straordinaria domanda di ritratti da parte di Rembrandt in quel periodo significava che in molti casi (incluso, probabilmente, questo dipinto) coinvolgeva assistenti per aiutare a completare il lavoro.

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Vecchio con Catena d'Oro

Rembrandt van Rijn — 1631

Questa figura avvincente—fantasiosamente adornata con un gorgete d'acciaio (armatura che protegge la gola e il petto superiore), una catena d'oro e un berretto piumato—rappresenta una nuova merce nel mercato d'arte dell'Europa del Nord: una tronie, o studio di carattere. Mentre gli artisti avevano creato tali studi fin dal 1500, Rembrandt e il suo collega Jan Lievens trasformarono queste immagini in alternative più accessibili ai ritratti, aumentando il loro fascino introducendo elementi visivi audaci come l'illuminazione drammatica, i costumi stravaganti e le pose dinamiche. Rembrandt e i suoi colleghi dipinsero spesso questo modello; sebbene sia stato chiamato “il padre di Rembrandt”, ricerche recenti suggeriscono che il “Vecchio” potrebbe essere stato il custode di un ospizio a Leiden, nei Paesi Bassi. Sebbene le tronies fossero meno costose dei ritratti su commissione, Rembrandt vi dedicava la stessa abilità. L'attenzione riservata alle pieghe della carne sotto gli occhi, alla barba ispida e ben curata, e ai riflessi nel gorgete e nella catena d'oro rivela un pittore talentuoso che si dedica con passione alla pittura. La prominente catena d'oro appare in diverse opere dei periodi di Leiden e Amsterdam di Rembrandt: doveva averne una nel suo studio. Ma, a differenza dei suoi acclamati coetanei Peter Paul Rubens e Anthony van Dyck, Rembrandt non ne ricevette mai una in dono da un mecenate reale. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Jan Uytenbogaert, “Il pesarore di oro”

Rembrandt van Rijn — 1639

Questa stampa del esattore delle tasse Jan Uytenbogaert segna uno dei primi utilizzi dell'acquaforte di Rembrandt van Rijn, non come strumento correttivo ma come supplemento a un'incisione. Qui la tecnica accentua la qualità vellutata del ricco mantello in pelliccia del soggetto. Rembrandt presenta l'uomo come un professionista nobile e meticoloso, mentre allude contemporaneamente alla sua vera natura: Uytenbogaert, seduto nel mezzo di un ufficio impreziosito da un bel dipinto ad olio e un ricco drappo sul tavolo, si protende verso il sacchetto d'oro che gli è presentato, afferrandolo con la mano in modo quasi lascivo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Il monaco nel campo di grano

Rembrandt van Rijn — 1641

Rembrandt non era mai timido nel rappresentare corpi nudi o soggetti erotici in modo realistico. Negli anni '40 del Seicento creò diverse scene di coppie corteggianti all'aperto, e Il monaco nel campo di grano è una delle stampe più cariche di tensione sessuale di questa serie. Nonostante le piccole dimensioni della stampa, la rappresentazione grafica di un monaco impudico e una lattaia entusiasta che si accoppiano furtivamente crea un potente gruppo scultoreo. L'incisione che suggerisce un contadino con una falce sullo sfondo rafforza la natura temporanea del loro rifugio nel campo di grano e sottolinea il voyeurismo dell'osservatore. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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I Tre Alberi

Rembrandt van Rijn — 1643

I Tre Alberi, capolavoro di Rembrandt, è la più grande stampa paesaggistica dell'artista, un'intonata creazione a incisione e puntasecca che rappresenta il dramma in continuo cambiamento della natura all'aperto. Di fronte alla natura, l'elemento umano è ridotto a un gruppo di figure minuscole, tra cui un pescatore e la sua disinteressata compagna a sinistra, vari mandriani, e due figure distanti sulle colline oltre. Una coppia elegantemente vestita si abbraccia teneramente in un angolo appartato in basso a destra, cercando compagnia così come rifugio contro l'imminente tempesta. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Castello di Kostverloren in Decadenza

Rembrandt van Rijn — 1647

Rembrandt e i suoi contemporanei condividevano una fascinazione per la tenuta di Kostverloren, in parte a causa delle successive disavventure che sembravano colpire i suoi proprietari. Già ai tempi di Rembrandt era noto con il nome che si traduce come "spese perse" o, più colloquialmente, "pozzo senza fondo". Il sito ha subito un ulteriore contraccolpo quando gran parte del castello è stata distrutta da un incendio. Dopo questi danni—e prima della sua eventuale riparazione—Rembrandt ha visitato i terreni del castello per documentare il suo stato di declino. Il suo accento sulla decadenza è evidente dall'albero abbattuto in primo piano; la sua orizzontalità decisa mette in risalto la maestà sbiadita delle strutture un tempo grandiose del castello. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La Conchiglia

Rembrandt van Rijn — 1650

Nel XVII secolo, le conchiglie divennero oggetti da collezione molto popolari perché considerate rare ed esotiche. Divennero anche soggetti comuni per nature morte conosciute come Vanitas, che rappresentano simbolicamente la transitorietà della vita. Le incisioni di Wenceslaus Hollar e Rembrandt van Rijn potrebbero rappresentare la bellezza e la fragilità simultanee dell'esistenza. Sebbene le nature morte in generale siano estremamente rare nell'opera di Rembrandt, l'incisione di Hollar (1996.609) fa parte di una serie di conchiglie, composta da 38 tavole. La conchiglia di Rembrandt potrebbe essere stata ispirata dal lavoro di Hollar, sebbene la decisione di Rembrandt di rendere la conchiglia in uno spazio tridimensionale rappresenti una differenza marcata tra le due incisioni. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Paesaggio con Tre Capanne con il Tetto a Spiovente Vicino a una Strada

Rembrandt van Rijn — 1650

Forse il più prolifico incisore della storia, Rembrandt van Rijn creò quasi 300 acqueforti. La maggior parte delle sue acqueforti paesaggistiche furono realizzate negli anni 1640, con alcune, come questa, eseguite all'inizio degli anni 1650. Rembrandt utilizzò le sue linee sperimentali incise e a puntasecca per creare effetti tonali. Il modo in cui gli alberi sembrano ombreggiare la strada e le capanne aggiunge una luminosità rasserenante all'immagine. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Paesaggio con una Torre Quadrata

Rembrandt van Rijn — 1650

Durante la sua lunga carriera, Rembrandt gestiva con cura la distribuzione delle sue stampe per creare un mercato redditizio. I generi popolari dell'epoca influenzarono le sue scelte nella realizzazione delle stampe, e produsse numerosi paesaggi delle sue zone circostanti ad Amsterdam e oltre. L'artista probabilmente creò Paesaggio con una Torre Quadrata basandosi su schizzi dal vero, incidendo e completando l'opera con tocchi più morbidi di puntasecca in studio. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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San Francesco in ginocchio in preghiera sotto un albero

Rembrandt van Rijn — 1657

Rembrandt ha saturato la foresta oscura e inchiostrata del suo quadro "San Francesco in ginocchio in preghiera sotto un albero" con un burr vellutato lungo le linee di puntasecca e un tono profondo pulito selettivamente in tutta la lastra. Invece della Chiesa Riformata Olandese, questa immagine riflette la visione della Chiesa Cattolica Romana nel suo enfasi sulle vite dei santi e quindi potrebbe essere stata una commissione privata. L'insolitamente anziano San Francesco guarda verso un grande crocifisso, che potrebbe essere reale o immaginato, nella radura della foresta e parla direttamente ad esso. Con la testa inclinata e la bocca aperta, Francesco non è affatto passivo nella preghiera, ma piuttosto un attivo sostenitore del Cristianesimo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Nudo Femminile Disteso

Rembrandt van Rijn — 1658

Gli studiosi hanno ampiamente dibattuto sulla scelta di Rembrandt di una modella dalla pelle chiara o scura per questa magnifica e ambigua incisione. Nel XVIII secolo, il titolo assegnato si trasformò in varianti di Negressa Distesa. Rembrandt rappresentò una modella africana intorno al 1630, ma non è chiaro se questa stampa, di molto successiva, ne rappresenti un'altra. Il netto contrasto tra l'oscurità cavernosa e le luminose lenzuola suggerisce il vivo interesse dell'artista nel rappresentare il gioco di luci sulla pelle. L'uso caratteristico di Rembrandt di un supporto di carta giapponese accentua ulteriormente il calore del corpo nudo, molto reale e molto caldo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Giove e Antiope: La grande lastra

Rembrandt van Rijn — 1659

Leggermente più tardi delle scene di corteggiamento all'aperto di Rembrandt degli anni 1640, quest’opera mitologica all’aperto raffigura una delle numerose conquiste mortali del dio Giove. Giove compare travestito da satiro cornuto e incoronato che trova la ninfa Antiope addormentata nuda in una radura boschiva. Antiope rimane addormentata mentre lui le solleva delicatamente il lenzuolo che la copre e ne esamina il corpo con apprezzamento. La relazione tra la prospettiva dell'osservatore e delle figure è stretta; sembra quasi di entrare nella radura, e nel letto di Antiope, insieme al dio intruso. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Nudo di donna seduta

Rembrandt van Rijn — 1660

Per Rembrandt van Rijn, la semplicità dell'onestà visiva e la sicurezza della linea erano molto più importanti della glorificazione classica del nudo. Egli si concentrò su questo soggetto solo durante certe fasi della sua carriera, e pochissimi degli studi risultanti, che utilizzò per preparare rappresentazioni bibliche o mitologiche, sono sopravvissuti fino a oggi. Questa forte forma è un'opera tarda, e una delle sole quattro disegni del nudo femminile attribuiti con certezza a Rembrandt. Diversamente dal realismo quasi scientifico dei suoi nudi precedenti, i suoi studi tardivi sono meno dettagliati e più pittorici. Raggiungeva un massimo di espressione con un minimo di mezzi. Resa con un trattamento veloce da pennello e con il grosso penne di canna preferito dall'artista nei suoi ultimi anni, questa figura ampia proietta una presenza forte. Il suo viso è generalizzato, e i suoi sentimenti sono suggeriti attraverso la sua posa contemplativa. La sua semplice forma e l'immobilità esteriore sembrano aumentare la percezione dello spettatore della sua vitalità interiore. Nel Nudo di donna seduta, i tratti di penna e pennello di Rembrandt sono integrati con la massima leggerezza e perfezione; la penna sottolinea le caratteristiche strutturali, mentre il pennello offre un tono atmosferico e trasparente che collega figura e spazio. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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L'Arca di Noè

Rembrandt van Rijn — 1660

Tra gli usi più espressivi della penna a canna, questo disegno è una rappresentazione completamente realizzata della famiglia di Noè che sale sull'arca prima del grande diluvio descritto nel Libro della Genesi dell'Antico Testamento. L'imbarcazione occupa l'intera larghezza del foglio e Rembrandt ha enfatizzato l'atto della partenza posizionando figure nell'angolo inferiore sinistro che gesticolano verso l'interno, come per indicare dove andranno presto. Rembrandt ha tracciato un contorno—seppure in modo un po' casuale—attorno al perimetro della sua composizione, indicando la sua soddisfazione per la sua interpretazione del noto soggetto biblico. Questo tipo di scena multifigure con una fonte letteraria ha fornito lo standard che molti dei suoi allievi miravano a eguagliare. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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