Monet — Opere scelte

La Spiaggia di Sainte-Adresse

Claude Monet — 1867

Nell'estate del 1867, Claude Monet soggiornò presso la zia a Sainte-Adresse, un sobborgo benestante della città portuale di Le Havre, nel nord della Francia. L’artista conosceva bene il paesaggio, essendo cresciuto in quella zona, ma la regione subì notevoli cambiamenti durante la sua vita. L’espansione della rete ferroviaria del paese trasformò questo piccolo villaggio di pescatori in una località balneare per turisti. Qui, Monet suggerisce questa trasformazione. Lo spettatore è immediatamente attratto dagli aspetti visibili della vita locale: barche da pesca con vele scure si lasciano trasportare dall’acqua, con gruppi di pescatori, il loro equipaggiamento e altre imbarcazioni sulla riva. Le barche arenate incorniciano due figure sedute sulla linea di costa, messe in evidenza da pochi tocchi di vernice rossa e gialla: un uomo con un cappello scuro e un abito osserva attraverso un cannocchiale, accompagnato da una donna che indossa un cappello di paglia con un nastro scarlatto. La presenza di questa coppia — indubbiamente villeggianti, dato il loro abbigliamento alla moda — trasforma quella che potrebbe essere stata una tradizionale scena costiera in un dipinto della vita moderna, una delle prime esplorazioni dell’artista sul turismo. Monet iniziò questo dipinto all'aperto e lo rivisitò successivamente nel suo studio. La ricerca conservativa ha rivelato che cambiò idea sulla composizione mentre lavorava: inizialmente incluse altre figure di turisti e yacht nella scena, ma in seguito dipinse sopra questi dettagli, concentrandosi sui pescatori, l’aspetto della vita di Sainte-Adresse che conosceva meglio. I paesaggi marini di Monet di quell'estate sono notevolmente diversi da quelli dipinti solo pochi anni prima, e La spiaggia di Sainte-Adresse esemplifica la sua tecnica pittorica in evoluzione. Prefigura anche alcune delle qualità che sarebbero diventate caratteristiche del movimento impressionista, ed è forse per questo che Monet scelse di esporlo alla seconda mostra impressionista nel 1876, quasi dieci anni dopo averlo dipinto. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La gestante rossa, ritratto di Madame Monet

Claude Monet — 1868

Questo dipinto raffigura Camille, la prima moglie di Monet, all'aperto in una giornata nevosa mentre passa davanti alle porte-finestre della loro casa ad Argenteuil. Il suo viso è realizzato con una tecnica impressionista radicalmente audace, con rapidi tocchi di colore, proprio come la neve e gli alberi sono definiti da ampie e spezzate pennellate di bianco puro e verde.

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Sulle rive della Senna, Bennecourt

Claude Monet — 1868

Qui la futura moglie di Claude Monet, Camille Doncieux, siede su un'isola nel fiume Senna, guardando verso l'hameau di Gloton, accanto al villaggio di Bennecourt, da cui lei e Monet presumibilmente hanno remato. Questo è l'unico dipinto sopravvissuto del breve periodo che la coppia trascorse a Gloton, che il romanziere Émile Zola raccomandò a Monet come un economico rifugio rurale facilmente accessibile da Parigi. I pentimenti (tracce visibili di pittura precedente sotto uno strato o strati di vernice) suggeriscono che in una fase iniziale del dipinto, Camille tenesse un bambino con il cappellino, presumibilmente il figlio della coppia, Jean. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La Casa dell'artista ad Argenteuil

Claude Monet — 1873

Claude Monet e la sua famiglia vissero ad Argenteuil, nei dintorni di Parigi, dal 1871 al 1878. Qui ha raffigurato il suo figlio di cinque o sei anni, Jean, mentre gioca con un cerchio e sua moglie, Camille, che si trova sulla soglia della loro casa coperta di vite. Il clima piacevole e il giardino ben curato, precursore del celebre giardino di Giverny dell'artista, trasmettono un senso di tranquillità e benessere a questo dipinto. Questo fu un periodo di sicurezza finanziaria per Monet grazie alle recenti vendite delle sue opere al mercante d'arte parigino Paul Durand-Ruel. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Arrivo del treno della Normandia, Gare Saint-Lazare

Claude Monet — 1877

Uno degli aspetti più all'avanguardia degli Impressionisti era la loro scelta del soggetto, che spesso includeva scene tratte dalla Parigi moderna e industriale, da ponti di ferro a padiglioni espositivi fino a capannoni ferroviari. La stazione ferroviaria di Saint-Lazare sarebbe stata una vista familiare e significativa per Claude Monet negli anni 1870. Il terminal collegava Parigi alla Normandia, dove l'artista sviluppò la sua tecnica di pittura all'aperto negli anni 1860. Era anche il punto di partenza per le città e i villaggi a ovest e a nord di Parigi che gli impressionisti visitavano frequentemente. Monet completò otto dei suoi dodici dipinti conosciuti della Gare Saint-Lazare in tempo per la terza mostra impressionista, nel 1877, probabilmente esponendoli nella stessa galleria. Monet scelse di concentrare la sua attenzione qui sul capannone di vetro e ferro della stazione, dove trovò una combinazione attraente di effetti artificiali e naturali—ad esempio, il vapore in salita delle locomotive intrappolato nella struttura e la luce del giorno che penetrava attraverso le ampie sezioni vetrate del tetto. Le raffigurazioni di Monet della stazione inaugurarono quello che sarebbe diventato per lui un modello consolidato di dipingere ripetutamente un motivo specifico per catturare le sottili e temporali variazioni atmosferiche, come nella sua famosa serie delle Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Mele e uva

Claude Monet — 1880

Claude Monet probabilmente dipinse questa e altre nature morte nel 1879-80, sapendo che sarebbero state più facilmente vendibili rispetto ai suoi paesaggi. In "Mele e uva", tuttavia, impiegò la complessità di colore, luce e texture presente nei suoi paesaggi più impressionisti. Questo è particolarmente evidente nella vasta superficie del tessuto: il gioco di luce sui tratti orizzontali del pennello (indicanti le pieghe della tovaglia) richiama tele precedenti in cui Monet utilizzava simili brevi orizzontali di colori variegati per suggerire l'acqua increspata alla luce del sole. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Passeggiata sulla scogliera, Pourville

Claude Monet — 1882

Nel febbraio del 1882, Claude Monet si recò in Normandia per dipingere, una delle molte spedizioni che intraprese negli anni '80 del XIX secolo. Fu anche un rifugio dalle pressioni personali e professionali. Sua moglie, Camille, era morta tre anni prima, e Monet aveva intrapreso una convivenza domestica con Alice Hoschedé (che avrebbe sposato nel 1892, dopo la morte del marito di lei). La Francia era nel mezzo di una lunga recessione economica che influì sulle vendite di Monet. Inoltre, l'artista era poco entusiasta della prossima settima esposizione impressionista—le divisioni all'interno del gruppo erano diventate marcate in quel periodo—e delegò la responsabilità del suo contributo al suo mercante, Paul Durand-Ruel. Deluso dall'area intorno alla città portuale di Dieppe, che trovava troppo urbana, Monet si stabilì a Pourville e rimase in questo villaggio di pescatori fino a metà aprile. Divenne sempre più affascinato dai suoi dintorni, scrivendo a Hoschedé e ai suoi figli: "Com'è bella la campagna e che gioia sarebbe per me mostrarvi tutti i suoi incantevoli angoli nascosti!" Poterono visitarlo a giugno, quando si unirono a lui a Pourville. Le due giovani donne che passeggiano in "Passeggiata sulla scogliera a Pourville" sono probabilmente Marthe e Blanche, le figlie maggiori di Hoschedé. In quest'opera, Monet affrontò il problema di inserire figure in un paesaggio senza interrompere l'unità della sua superficie pittorica. Integrò questi elementi fra loro attraverso texture e colori. L'erba—composta da pennellate corte, vibranti e curve—sembra tremolare al vento, e versioni sottilmente modificate delle stesse pennellate e tonalità suggeriscono i vestiti e gli scialli delle donne mossi dal vento e l'ondulazione del mare. Le radiografie mostrano che Monet ridusse lo sperone roccioso all'estrema destra per equilibrare le proporzioni di mare e cielo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Bordighera

Claude Monet — 1884

All'inizio del 1884 Claude Monet andò a Bordighera, una città sulla Riviera italiana vicino al confine tra Italia e Francia, per una visita di lavoro di tre settimane che si trasformò in quasi tre mesi. In una lettera indirizzata allo scultore Auguste Rodin, descrivendo i suoi sforzi per catturare la brillante luce mediterranea, Monet dichiarò che stava “duellando, combattendo, con il sole.” In altre lettere si lamentava dell'impossibilità di trovare un soggetto adatto tra l'abbondante vegetazione della regione. In questa composizione inondata di sole, dipinta da un punto panoramico in cima a una collina, il mare è appena visibile attraverso i tronchi intrecciati dei pini locali. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Covoni (Fine dell'estate)

Claude Monet — 1890

I monumentali covoni che Claude Monet raffigurò nella sua serie Covoni si ergevano a quindici-venti piedi d'altezza e si trovavano appena fuori dalla fattoria dell'artista a Giverny. Tra il 1890 e il 1891, lavorò a questa serie sia sul campo, dipingendo contemporaneamente a diversi cavalletti, sia in studio, perfezionando le armonie pittoriche. Nel maggio 1891, Monet espose quindici di queste tele una accanto all'altra in una piccola stanza della Galerie Durand-Ruel a Parigi. Un successo critico e finanziario senza precedenti, la mostra segnò una svolta nella carriera di Monet e nella storia dell'arte francese. In questa veduta, e in quasi tutte le vedute autunnali della serie, le cime coniche dei covoni spezzano l'orizzonte e si spingono nel cielo. Ma nella maggior parte delle vedute invernali, che costituiscono il nucleo della serie, i covoni sembrano avvolti da fasce di colline e campi, come se fossero a riposo per la stagione. Per Monet, il covone era un simbolo risonante di sostentamento e sopravvivenza. Seguì questo gruppo con ulteriori serie che raffiguravano pioppi, la facciata della Cattedrale di Rouen e, successivamente, il suo giardino a Giverny. L'Art Institute possiede il gruppo più ampio di Covoni di Monet al mondo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Campo di papaveri (Giverny)

Claude Monet — 1890

Nel luglio 1890, Claude Monet iniziò quattro tele di dimensioni quasi identiche raffiguranti campi di papaveri nei pressi della sua casa a Giverny. Sebbene non considerasse queste opere come una serie, al contrario delle 25 tele dei covoni che iniziò subito dopo il raccolto quello stesso estate, esse mostrano chiaramente il suo crescente interesse nello sviluppare più tele contemporaneamente. Dimostrano anche un tocco decisamente più omogeneo rispetto ai paesaggi realizzati con pennellate più libere della sua carriera precedente, con superfici che possiedono una materialità simile a quella di un arazzo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Ramo della Senna vicino a Giverny (Nebbia)

Claude Monet — 1897

Questo paesaggio placido è il risultato di un processo creativo energico. Per mesi, Claude Monet si alzò prima dell'alba per viaggiare in barca a remi fino allo stesso punto sul fiume Senna, dove dipinse simultaneamente 14 tele, rielaborandole mentre la luce cambiava. Sebbene questo dipinto appaia nebuloso e vago, Monet fece scelte tecniche deliberate—ad esempio, sfocando una linea dell'orizzonte un tempo distinta con pennellate vigorosamente mescolate che diventano più sciolte mano a mano che si irradiano verso l'esterno. Monet ordinò appositamente la tela quasi quadrata, una forma insolita che contribuisce alla natura disorientante della scena, metà della quale rappresenta un riflesso sull'acqua. Diffondendo il paesaggio attraverso queste tecniche, Monet cercava di catturare la transitorietà della luce e della nebbia, un tema che perseguì per tutta la sua carriera. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Stagno di Ninfee

Claude Monet — 1900

Nel 1893, tre anni dopo aver acquistato la proprietà a Giverny, Claude Monet iniziò a trasformare il terreno paludoso dietro la sua casa in uno stagno, all'estremità del quale costruì un ponte in legno in stile giapponese. Aggiungendo piante sia esotiche che domestiche, comprese le sue famose ninfee, l'artista creò il giardino che sarebbe stato uno dei suoi soggetti principali per il resto della sua vita. "Lo stagno delle ninfee" è tra le 18 versioni similari del motivo che realizzò nel 1899-1900; il tema comune era l'intreccio delle ninfee con i riflessi della vegetazione circostante sulla superficie dello specchio d'acqua. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Il Parlamento, Londra

Claude Monet — 1900

Durante i suoi soggiorni a Londra, Claude Monet dipinse il Parlamento nelle ore del tardo pomeriggio e al tramonto da una terrazza presso il Saint Thomas’s Hospital. Questo punto di vista era vicino a quello dell'artista inglese J. M. W. Turner nelle sue pitture visionarie dell'incendio che aveva distrutto gran parte del vecchio complesso parlamentare nel 1834. Tuttavia, nella sua risposta alla poesia del crepuscolo e della nebbia, Monet fu in realtà ispirato dal lavoro di un pittore del Tamigi più recente, l'americano James McNeill Whistler. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Ninfee

Claude Monet — 1906

Claude Monet non sapeva che il giardino d'acqua che creò tre anni dopo aver acquistato la sua proprietà a Giverny, in Francia, nel 1890 sarebbe diventato la sua principale fonte d'ispirazione nei due decenni e mezzo successivi. Questi dipinti, circa 250 in totale, segnano il percorso artistico di Monet, dai ritratti più diretti dello stagno attraversato dal ponte giapponese in legno alla serie monumentale e quasi astratta sul tema delle ninfee che realizzò in preparazione per i suoi murali al Musée de l’Orangerie a Parigi tra il 1914 e il 1926. "Ninfee", uno dei gruppi di dipinti sul tema realizzati tra il 1903 e il 1908, si colloca a metà strada nello sviluppo dello stile di Monet e nelle sue sperimentazioni spaziali. Il formato quasi quadrato sottolinea il suo allontanamento dalla pittura delle convenzionali zone di terra, cielo e acqua per concentrarsi esclusivamente sulla superficie dell'acqua. Gruppi di ninfee in basso a sinistra e in alto a destra incorniciano un sentiero d'acqua, mentre la superficie dell'acqua riflette alberi e nuvole. Sebbene la qualità onirica delle forme galleggianti possa sembrare uno sviluppo naturale per l'artista, Monet considerava queste opere "un'ossessione", un sentimento confermato da esami tecnici sulla tela dell'Art Institute, che rivelano molti cambiamenti significativi apportati al dipinto durante la sua realizzazione. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Ninfee (Agapanthus)

Claude Monet — 1915

Abile orticoltore oltre che artista, Claude Monet trascorse gli ultimi 30 anni della sua vita dipingendo il giardino privato che aveva progettato e contribuì a coltivare nella sua casa di Giverny, nel nord della Francia. Le tele risultanti sono notevoli per i loro motivi, formati e dimensioni variati. Monumentale per scala, questa rappresentazione del suo stagno di ninfee si concentra sugli effetti momentanei della luce solare che penetra e si riflette sulla sua superficie scintillante. Concentrandosi sull'acqua e omettendo l'orizzonte e le rive circostanti, Monet suggerisce un'estensione illimitata — una percezione amplificata dal formato orizzontale vasto del dipinto che riempie il campo visivo dello spettatore.

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