Manet — Opere scelte

Il Ragazzo con la Brocca (La Régalade)

Édouard Manet — 1862

Le radiografie a raggi X hanno rivelato che questo dipinto è un frammento di Les Gitanos, un grande ritratto di una famiglia itinerante che Édouard Manet espose nel 1863 e 1867. Apparentemente insoddisfatto della composizione, Manet tagliò il dipinto in sezioni, le quali ripensò come opere d'arte individuali. Due di queste sezioni, Bohémien e Natura morta con borsa e aglio, si trovano nella collezione del Louvre Abu Dhabi; l'ultima sezione, Bohémienne, è perduta. Per rendere questa parte un'opera indipendente, Manet dipinse sopra la testa della donna, che originariamente si trovava sotto la spalla del ragazzo, e sostituì il cielo azzurro con uno sfondo scuro. Successivamente ribatezzò il dipinto La Régalade, che significa versare un liquido da una bottiglia giù per la gola senza toccare le labbra. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Natura morta con pesci

Édouard Manet — 1864

Sebbene gli ensemble di natura morta fossero un elemento importante in molti dei dipinti di rilievo dell'artista d'avanguardia Édouard Manet, il suo interesse più duraturo per il genere stesso risale al periodo tra il 1864 e il 1865, quando dipinse Pesci. L'attenzione di Manet per le nature morte coincise con la graduale riaccettazione del genere durante il XIX secolo, dovuta in parte alla crescita della classe media, i cui gusti si orientavano verso opere intime e di prezzo moderato. Questo dipinto, come molte composizioni di natura morta di Manet, richiama modelli olandesi del XVII secolo. Tuttavia, la direttezza dell'esecuzione, il pennellare audace e l'immediatezza della visione presenti sulla tela suggeriscono il motivo per cui il pubblico trovava l'opera di Manet così non ortodossa e provocatoria. Sebbene Pesci sia effettivamente un'immagine di "natura morta" (natura morte in francese significa natura morta), non c'è nulla di immobile nell'opera: il pescato sembra fresco e la tecnica pittorica è vigorosa. A vivacizzare ulteriormente la composizione è la disposizione della carpa, che controbilancia la forte diagonale degli altri elementi. Manet non sottopose mai le sue nature morte al Salon ufficiale francese, preferendo venderle attraverso la crescente rete di gallerie d'arte a Parigi e donarle agli amici. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Vista di mare, tempo calmo

Édouard Manet — 1864

Sebbene pennellati in modo audace e quasi calligrafico, i vascelli in questa composizione rimangono identificabili come specifici tipi. A destra del centro, un piroscafo a pale laterali solca il Canale della Manica, lasciando barche a vela più lente nel suo scia. Questa è una delle prime rappresentazioni del mare di Édouard Manet, un soggetto a cui tornò ripetutamente. Lo dipinse a Parigi insieme ad altre due o tre opere basate su schizzi realizzati durante una vacanza con la sua famiglia nel porto settentrionale francese di Boulogne-sur-Mer. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Gesù deriso dai soldati

Édouard Manet — 1865

Nel corso della sua carriera, Édouard Manet riuscì a sorprendere e sconcertare il pubblico con la sua tecnica audace e l'approccio non ortodosso ai soggetti. La caratteristica più sorprendente di questo dipinto è che Manet si sia cimentato in un tema religioso. Dopo l'avvento del movimento Realista, che radicava l'arte nel presente, gli artisti d'avanguardia in Francia non perseguivano temi religiosi. Sebbene Manet fosse principalmente un pittore di soggetti secolari, era anche interessato alla storia dell'arte, il che lo portò almeno in due occasioni a rappresentare le narrazioni bibliche che avevano affascinato gli artisti per molti secoli. Questo lavoro potrebbe essere stato anche ispirato dalla popolare biografia del 1863 'Vie de Jésus' (Vita di Gesù) del filosofo e storico francese Joseph-Ernest Renan, un'opera controversa che enfatizzava l'umanità di Cristo. Qui, Manet raffigura Gesù alla fine della sua vita, percosso e in attesa della crocifissione. I soldati romani lo costringono a indossare una corona di spine e a tenere un “scettro” di canna e un mantello di porpora, tutto inteso a deriderlo come “Re dei Giudei”, un titolo conferito ironicamente dai suoi aguzzini. Manet trasforma questo racconto sacro in un dramma crudo che sposa realismo e teatralità. Presenta Gesù frontalmente, enfatizzando la sua vulnerabilità e fisicità umana. Gesù appare esausto e privo di forze. Le pennellate visibili sulla tela e la palette cromatica creano un senso di materialità che evoca ulteriormente un Cristo palpabile e non idealizzato, in cui spicca l'assenza di un'aureola. È un essere santo che emana luce divina o un uomo reale sotto i riflettori di uno studio? Il dipinto suscitò scandalo al suo tempo proprio per questa ambiguità. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Il Filosofo (mendicante con il cappotto)

Édouard Manet — 1865

Questo dipinto e Mendicante con Ostriche furono concepiti come opere complementari. Édouard Manet li espose insieme nel 1872, accanto a dipinti di un bevitore d'assenzio e di un cenciaiolo (un collezionista e rivenditore di stoffe e altri rifiuti) sotto il titolo collettivo I Filosofi. Quando Manet realizzò questi dipinti, questi "mendicanti", come venivano allora chiamati, venivano spinti ai margini fisici e sociali di Parigi, mentre la città si sviluppava rapidamente per fare spazio a quartieri più borghesi. Nonostante fosse nato in una famiglia dell'alta borghesia, Manet era un outsider nei circoli artistici francesi affermati e probabilmente si identificava con questi soggetti alienati. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Corrida di tori

Édouard Manet — 1865

Nell'autunno del 1865, Édouard Manet viaggiò in Spagna per circa dieci giorni. Questo breve viaggio ebbe un profondo impatto sulla sua arte di quel periodo. In una lettera al poeta Charles Baudelaire, descrisse una corrida a cui aveva assistito a Madrid come “uno degli spettacoli più belli, curiosi e terrificanti da vedere”. I rapidi schizzi che realizzò mentre assisteva agli incontri ispirarono diverse tele successive, tra cui questa. Qui, Manet ha sottolineato la tensione del momento: la folla sullo sfondo si fonde in un indistinto movimento, mentre il torero e il toro si stagliano in primo piano con più nitidezza. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Il filosofo (mendicante con ostriche)

Édouard Manet — 1865

Insieme a Mendicante con un cappotto a sacco, Mendicante con ostriche faceva parte di una serie di quattro dipinti collettivamente chiamati I filosofi. Il titolo si riferisce alle rappresentazioni tradizionali degli antichi filosofi stoici, la cui povertà era associata alla saggezza. Gli uomini anonimi in questi dipinti sarebbero stati riconoscibili al pubblico contemporaneo di Édouard Manet come tipi urbani—emarginati sociali che popolavano le strade di Parigi. Raffigurarli a una scala così grande e contro sfondi vuoti e scuri, Manet sovvertiva le aspettative della pittura dell'epoca, conferendo ai suoi soggetti una presenza da ritratto, persino eroica, solitamente riservata a soggetti nobili, storici o religiosi. Attraverso il suo formato e il titolo della serie, l'artista incoraggiava gli spettatori a vedere queste persone spesso dimenticate come possessori di un raro intuito. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Le Corse

Édouard Manet — 1865

Le corse a Longchamp è basato sul dipinto di Manet intitolato "Le corse a Longchamp". Tuttavia, la litografia trasmette l'emozione delle gare di cavalli ancora più del dipinto. L'energia e il movimento sono suggeriti da linee audaci e rapidamente tracciate e da rapide sfumature curve. L'uso spontaneo e senza restrizioni del pastello litografico prefigura l'espressività della stampa del XX secolo.

Collezione: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Immagine originale ↗

Le Corse a Longchamp

Édouard Manet — 1866

Questo dipinto eseguito con grande libertà cattura l'emozionante conclusione di una corsa di cavalli a Longchamp, situata nel Bois de Boulogne al limite occidentale di Parigi. Qui, Édouard Manet si discosta radicalmente dalle rappresentazioni convenzionali dello sport, in cui le gare erano mostrate di lato con i cavalli di profilo. Invece, i concorrenti galoppano fragorosamente verso lo spettatore, sollevando una nuvola di zolle, il loro ritmo sottolineato dalle diagonali impetuose delle recinzioni del tracciato. In Francia, le corse di cavalli divennero una forma importante di intrattenimento popolare durante il XIX secolo. Importato dall'Inghilterra, l'ippodromo - con la sua velocità, spettacolo e lusso - era uno spazio essenzialmente moderno. Nel dipinto di Manet, una folla di uomini e donne elegantemente vestiti si accalca contro le recinzioni per assistere all'evento - un uomo, in alto a sinistra, usa un binocolo per osservare meglio la gara. A differenza del suo amico Edgar Degas, per il quale l'ippodromo era una costante fonte di ispirazione, Manet realizzò solo due dipinti sul tema. Originariamente una composizione molto più grande, questa tela fu ridotta alle sue attuali dimensioni dall'artista. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Ritratto di donna con fichu nero

Édouard Manet — 1873

Con poche pennellate, Manet riuscì a esprimere pienamente la personalità gioviale di questa modella non identificata. Il suo mezzo sorriso divertito indica forse uno scambio piacevole tra artista e modella. Questo dipinto offre preziose intuizioni sul processo di lavoro di Manet. Inizialmente delineò la figura con linee scure dipinte, per poi passare a brevi e precise pennellate nel costume e nel volto. Infine, applicò un lavaggio di verde diluito, probabilmente il primo step verso un fondale decorato, lasciato incompleto. L'acconciatura della donna, una massa di capelli blu-neri con frangette ricce, aiuta a datare quest'opera alla fine degli anni 1870. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Al Caffè

Édouard Manet — 1874

Questa stampa di Édouard Manet raffigura il Café Guerbois, un luogo di ritrovo per gli artisti impressionisti nella Parigi del XIX secolo. Sebbene sia noto soprattutto per i suoi dipinti, l'artista fu un appassionato incisore per tutta la sua carriera. Qui, sperimentò con il gillotage —una tecnica nuova all'epoca—per suggerire le linee veloci e schizzate del disegno, rendendo l'immagine come se fosse stata creata rapidamente e spontaneamente.

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Ritratto di Berthe Morisot con un Ventaglio

Édouard Manet — 1874

Édouard Manet rappresentò la sua amica intima e artista Berthe Morisot dodici volte tra il 1868 e il 1874 attraverso incisioni, litografie, pittura a olio e acquerello. In questo acquerello Manet utilizzò una tavolozza limitata e una combinazione di tecniche per ritrarre Morisot contro uno sfondo blu-verde. Lavorò bagnato su bagnato per l'abito, applicando pigmento umido su una superficie già umida prima che si asciugasse, permettendo così alle tracce di sanguinare e fondersi tra loro. Successivamente, Manet impiegò una tecnica di pennello asciutto per enfatizzare la consistenza del tessuto del suo vestito e del nastro nei suoi capelli. Entrambe queste texture contrastano con la relativa piattezza dello sfondo attenuato, facendo risaltare la figura. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Appollaiato su un Busto di Pallade

Édouard Manet — 1875

Édouard Manet creò questa litografia per il suo amico Stéphane Mallarmé, che nel 1875 tradusse in francese il celebre poema dell'autore americano Edgar Allan Poe, “Il Corvo” (1845), che racconta di un uomo che piange la sua amata defunta e riceve la visita di un corvo che ripete incessantemente “Mai più”. L'edizione di Mallarmé è considerata uno dei primi moderni livres d’artistes — libri creati appositamente come opere d’arte visiva. Manet realizzò quattro illustrazioni a pagina intera, incluso lo scenario in cui il corvo fissa il narratore dalla sommità del busto della dea Atena, e un disegno della testa del corvo utilizzato per la copertina del libro e per il poster pubblicitario.

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Claire Campbell

Édouard Manet — 1876

Alla fine degli anni 1870, Édouard Manet iniziò a soffrire di problemi di salute che rendevano difficile lavorare con la pittura ad olio. Invece, cominciò a disegnare utilizzando il pastello, un medium polveroso che gli permetteva di rappresentare la linea e il colore con ogni tratto. Quest'opera è uno dei numerosi ritratti che Manet creò in questo periodo con questo medium. Raffigura Claire Campbell, una giovane ed elegante britannica il cui padre pubblicava The Daily Telegraph, un giornale britannico. Manet utilizzò la texture vellutata del pastello per rappresentare la pelle e i capelli del soggetto, limitando la sua tavolozza principalmente a toni neutri come il bianco, il grigio e il nero.

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La Lettrice

Édouard Manet — 1880

Alla fine del XIX secolo, i caffè parigini erano punti di ritrovo per artisti e scrittori, luoghi ideali per osservare la scena urbana. Molti dipinti impressionisti raffigurano il Café Nouvelle-Athènes in rue Pigalle, dove due tavoli erano riservati a Édouard Manet e al suo circolo, un gruppo che includeva i pittori Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro e Pierre-Auguste Renoir, e gli scrittori Charles Baudelaire ed Émile Zola. A prima vista, questa giovane donna alla moda sembra essere stata ritratta mentre è seduta al suo caffè preferito: il piano del tavolo in marmo, il boccale di birra e la rivista attaccata a un'asta di legno suggeriscono una tale ambientazione, e il suo abbigliamento pesante e i guanti in kid indicano che si trova a un tavolo all'aperto e che il tempo è fresco. Tuttavia, lo sfondo floreale è in realtà uno dei dipinti di Manet e il caffè una ricreazione nel suo studio. "Donna che legge" è una delle immagini più impressioniste di Manet; i pennellate rapide e libere e i colori leggeri sono caratteristici della sua tecnica negli ultimi anni della sua carriera. Dipinto solo pochi anni prima della sua morte, quest'opera coglie mirabilmente un momento fugace, il senso della vita moderna che Manet e i suoi contemporanei cercavano di rappresentare. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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