Gauguin — Opere scelte

Testa di Tahitiana

Paul Gauguin — 1891

Questo disegno appartiene a un gruppo di ritratti di tahitiani altamente rifiniti realizzati da Paul Gauguin poco dopo il suo arrivo nei Mari del Sud. Mentre si abituava a questo nuovo luogo, Gauguin inizialmente evitava di dipingere, preferendo prima familiarizzare con il paesaggio e la gente attraverso l'osservazione e il disegno. La qualità meticolosa di questo studio a grafite suggerisce che sia stato realizzato dal vivo. Il volto nobile della donna e l'espressione enigmatica alludono alla spiritualità e alla malinconia che Gauguin cercava di evocare nelle sue opere polinesiane.

Collezione: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Immagine originale ↗

Te raau rahi (Il Grande Albero)

Paul Gauguin — 1891

Disgustato dal materialismo della società europea, Gauguin abbandonò la sua famiglia e la carriera di agente di borsa per partire alla volta di Tahiti nel 1891. Questa tela è tra le prime opere che completò sull'isola. I suoi colori ricchi e le figure stilizzate erano intesi ad essere sia simbolici che misteriosi, evocando pensieri ed emozioni intime. “Ottengo sinfonie,” scrisse, “armonie che non rappresentano nulla di reale nel senso assoluto della parola.”

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Arlesiane (Mistral)

Paul Gauguin — 1888

Durante l'inverno del 1888, Paul Gauguin trascorse due mesi difficili con Vincent van Gogh nella città francese meridionale di Arles. Dipinse l'enigmatico Arlésiennes (Mistral) durante questo soggiorno. Il tempo passato insieme dai pittori doveva essere l'inizio di una colonia di artisti, ma la loro relazione divenne sempre più tesa e la salute mentale di Van Gogh peggiorò. Ambientato direttamente di fronte alla casa che condividevano, il dipinto raffigura quattro donne che attraversano sommessamente un giardino pubblico. Lo spazio è inclinato radicalmente verso l'alto, e forme tridimensionali complesse sono ridotte a semplici forme piatte. Ad esempio, due coni arancioni-gialli—probabilmente coperture di fieno protettive per riparare le piante dal gelo—si ergono sulla destra come figure umane astratte. Avvolte in scialli scuri, le due donne più vicine coprono la bocca per proteggersi dall'aria gelida. I loro gesti sono ritirati e introspettivi, e il loro passaggio è apparentemente bloccato da una staccionata rossa brillante e da un grande cespuglio verde. Forse l'elemento più strano della composizione è l'apparizione di un volto all'interno del cespuglio. Questo volto—un'inclusione intenzionale dell'artista—aggiunge una presenza inquietante e vigile alla scena. Esemplifica l'esplorazione di Gauguin dei misteri che, secondo lui, permeano la vita quotidiana. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Nave Nave Fenua (Terra deliziosa)

Paul Gauguin — 1893

Nel 1891 Paul Gauguin si recò a Tahiti, in cerca di uno stile di creazione artistica più autentico rispetto al conservatorismo che aveva rifiutato nella cultura occidentale. Dopo essere tornato a Parigi nel 1893, iniziò a lavorare su Noa Noa, un libro illustrato che spiegava e illustrava le sue esperienze all'estero. Sebbene il progetto non sia mai stato completato, questa stampa è una delle sue illustrazioni. Gauguin raffigurò un paesaggio lussureggiante intagliando grossolanamente un blocco di legno, una tecnica pensata per suggerire la scultura a rilievo che aveva osservato a Tahiti.

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Nelle onde (Dans les Vagues)

Paul Gauguin — 1889

Dipinto a Pont-Aven, nel nord-ovest della Francia, questa rappresentazione di una figura nuda che si getta nel mare suggerisce una metafora di una donna europea moderna che rinuncia alla civiltà e si abbandona ai suoi istinti naturali e primitivi. Le linee semplificate e i colori esagerati, in particolare il contrasto tra il verde e l'arancio, sembrano inventati piuttosto che osservati dalla realtà. Esponendo il dipinto al Café Volpini di Parigi nel 1889, Gauguin si affermò come leader del movimento simbolista nell'arte.

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Donna di fronte a una natura morta di Cézanne

Paul Gauguin — 1890

La donna seduta qui rimane non identificata, ma la natura morta che domina lo sfondo è ben nota: la "Natura morta con fruttiera" di Paul Cezanne (1879–80; Museum of Modern Art, New York). La versione di Gauguin è quasi alla stessa scala dell'originale. In alcuni aspetti della composizione, Gauguin ha emulato lo stile di Cezanne, come nel modo in cui ha appiattito il piano dell'immagine, facendo apparire la donna inclinata in avanti dalla sua sedia. Prima di diventare un artista, Gauguin era un collezionista d'arte. La natura morta di Cezanne —una delle cinque o sei opere dell'artista nella collezione di Gauguin—fu un punto di riferimento nella sua formazione artistica. È possibile che Cezanne si sia riferito a questa opera quando ha accusato Gauguin di rubare il suo stile, che chiamava la sua "petite sensation". Questa è una delle trentacinque opere che compongono la Collezione Winterbotham. Clicca qui per saperne di più sulla collezione. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Te raau rahi (Il Grande Albero)

Paul Gauguin — 1891

“Tutto nel paesaggio mi accecava e abbagliava,” scrisse Paul Gauguin dei suoi primi mesi a Tahiti. Qui, mise in mostra la varietà di alberi da frutto lussureggianti dell'isola, tra cui un hotu dal tronco spesso e violetto a sinistra; manghi e alberi di cocco snelli; e tre piante di banano corte con foglie rigogliose e distese. In primo piano, un uomo usa un bastone per spaccare una noce di cocco e una famiglia si riposa sull'erba con un cane addormentato accanto. La tela grossolanamente tessuta del dipinto, fatta di una materia vegetale fibrosa (iuta), è visibile attraverso lo strato di vernice. Più economico e facilmente disponibile rispetto alla tela tradizionale, questo materiale di supporto conferisce all'opera una consistenza ruvida e organica. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Te burao (L'albero di ibisco)

Paul Gauguin — 1892

Completato all'inizio del primo soggiorno tahitiano di Paul Gauguin, questo paesaggio mostra l'artista alle prese con la rappresentazione di un ambiente a lui sconosciuto. Piuttosto che documentare le specie botaniche in modo scientifico, Gauguin si concentrò sul potenziale artistico dei loro colori variegati, texture e forme. La figura umana in lontananza e il cane che si aggira tra i rami caduti animano il paesaggio e stabiliscono un senso di scala. Questo è uno dei trentacinque lavori che compongono la Collezione Winterbotham. Clicca qui per saperne di più sulla collezione. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Merahi metua no Tehamana (I molti genitori di Tehamana o Gli antenati di Tehamana)

Paul Gauguin — 1893

In questo ritratto, la ragazza tahitiana di 13 anni di nome Tehamana appare stoica, con le spalle dritte e lo sguardo fermo. Indossa un abito da missionaria e tiene in mano un ventaglio samoano mentre fiori bianchi le cadono dai capelli. Il mango maturo accanto a lei allude alla fertilità. Sullo sfondo, Gauguin ha combinato vari emblemi non europei—glifi derivati da una tavoletta dell'Isola di Pasqua e una divinità femminile ispirata a fonti polinesiane e indù—per costruire un senso generico di estraneità e mistero, trasformando Tehamana nell'incarnazione del suo stesso desiderio. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Mahana no atua (Il Giorno di Dio)

Paul Gauguin — 1894

In questo paradiso tropicale di invenzione dell’artista, una divinità presiede su figure che camminano e riposano su un argine. Disposte ritmicamente in gruppi di due e tre, le figure appaiono più come forme simboliche che come ritratti di individui. Pozzanghere d'acqua in zone astratte e interconnesse di colori acidi circondano i piedi di una bagnante, affiancata da due figure distese—o forse è la stessa persona vista da due angolazioni. A differenza dei suoi altri paesaggi ispirati a Tahiti, questo dipinto fu prodotto a Parigi subito dopo il primo viaggio di Paul Gauguin sull'isola. Tratta dalla fantasia e dalla memoria, la composizione psichedelica è una delle opere più astratte e all'avanguardia della carriera dell'artista. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La Donna con i fichi

Paul Gauguin — 1894

La donna con i fichi è una delle uniche due incisioni create da Gauguin ed è stata realizzata in collaborazione con il suo amico Armand Séguin, il cui indirizzo è inscritto nell'angolo superiore sinistro dell'opera. Poco esperto del mezzo dell'incisione, Gauguin probabilmente disegnò la composizione lui stesso, ma si affidò al suo amico per aiutarlo con gli aspetti tecnicamente più complessi del processo, come la stesura del fondo e l'incisione della lastra.

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No te aha oe riri (Perché sei arrabbiata?)

Paul Gauguin — 1896

In questa tela di grandi dimensioni, una delle numerose che Paul Gauguin inviò in Francia nel 1897, donne di età diverse sembrano svolgere la vita quotidiana all'interno di un ambiente esterno colorato e stilizzato. Come gran parte del lavoro dell'artista, questo dipinto combina dettagli osservati con fantasie artistiche per creare una scena onirica la cui narrazione resiste a un'interpretazione semplice. Il titolo volutamente provocatorio dell'opera ne amplifica l'effetto, lasciandoci in dubbio se il 'tu' si riferisca a qualcuno nel dipinto o al pubblico. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Donna polinesiana con bambini

Paul Gauguin — 1901

Le tre figure in quest'opera non sono mai state identificate. La loro posa familiare e altri dettagli, come l'anello d'oro della donna e il segno rosso sulla mano della ragazza, invitano a speculare sul loro rapporto reciproco e con l'artista. L'analisi tecnica ha rivelato che Paul Gauguin ha rielaborato la posizione delle mani della donna per allinearle diagonalmente con quelle della giovane ragazza dietro di lei. Insieme, formano un asse ascendente rafforzato dal gatto, anch'esso una successiva aggiunta. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La Chiamata

Paul Gauguin — 1902

Dipinto su un'isola remota della Polinesia un anno prima della morte dell'artista, La Chiamata appartiene a una serie di opere tardive che esplorano i misteri della vita e della morte. Due donne stanno a piedi nudi, come se fossero su un terreno sacro. Una donna fa un gesto verso qualcuno al di fuori del quadro, forse in risposta a una "chiamata" del destino. Gauguin realizzò la sua ambizione di dipingere dalla memoria e dall'immaginazione attraverso immagini così misteriose e oniriche.

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Noa Noa: Il Diavolo Parla (Mahna No Varua Ino) (recto)

Paul Gauguin — 1893

Nel 1893, Paul Gauguin tornò a Parigi dopo un periodo trascorso a Tahiti. Iniziò a concepire un libro che avrebbe descritto la sua vita fuori dall'Europa e fornito contesto per le opere d'avanguardia che aveva creato durante la sua assenza. Questa stampa è una delle dieci destinate ad illustrare questo libro, che Gauguin intitolò Noa Noa. Incise ogni immagine in modo approssimativo su un blocco di legno e le stampò lui stesso, conferendo alle stampe una qualità grezza che sperava avrebbe esaltato il soggetto. A causa di questo processo, combinato con la pratica dell'artista di variare inchiostri e carte durante il lavoro, stampe come questa sono praticamente uniche.

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