Monet — Œuvres choisies

La Plage de Sainte-Adresse

Claude Monet — 1867

L'été 1867, Claude Monet séjourne chez sa tante à Sainte-Adresse, un quartier aisé de la ville portuaire du Havre, dans le nord de la France. L'artiste connaît bien le paysage, ayant grandi dans la région, mais celle-ci a considérablement changé au cours de sa vie. L'expansion du réseau ferroviaire du pays a transformé ce petit village de pêcheurs rural en une station balnéaire pour touristes. Ici, Monet laisse entrevoir cette transformation. Le regard se porte immédiatement sur les aspects visibles de la vie locale : des bateaux de pêche à voiles sombres dérivent sur l'eau, avec des groupes de pêcheurs, leur équipement et d'autres embarcations sur le rivage. Les bateaux échoués encadrent deux figures assises sur le rivage, mises en valeur par quelques touches de peinture rouge et jaune : un homme portant un chapeau noir et un costume scrute à travers une longue-vue, accompagné d'une femme coiffée d'un chapeau de paille à ruban écarlate. La présence de ce couple—indubitablement des vacanciers, au vu de leur tenue à la mode—transforme ce qui aurait pu être une scène côtière traditionnelle en une peinture de la vie moderne, l'une des premières explorations de Monet du tourisme. Monet a commencé cette peinture en plein air et l'a révisée plus tard dans son atelier. Les recherches de conservation ont révélé qu'il avait changé d'avis sur la composition alors qu'il travaillait : il avait initialement inclus d'autres personnages touristiques et yachts dans la scène, mais a par la suite peint par-dessus ces détails, se concentrant sur les pêcheurs, l'aspect de la vie à Sainte-Adresse qu'il connaissait le mieux. Les marines de Monet de cet été-là sont sensiblement différentes de celles peintes quelques années plus tôt, et La Plage de Sainte-Adresse illustre son évolution technique. Elle préfigure également certaines des qualités qui deviendront caractéristiques du mouvement impressionniste, ce qui explique peut-être pourquoi Monet choisit de la présenter à la deuxième exposition impressionniste en 1876, près de dix ans après l'avoir peinte. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La Capeline rouge, portrait de Madame Monet

Claude Monet — 1868

Ce tableau représente Camille, la première épouse de Monet, à l'extérieur par une journée enneigée, passant devant les portes-fenêtres de leur maison à Argenteuil. Son visage est rendu dans une technique impressionniste radicalement audacieuse, avec de simples touches de peinture appliquées rapidement, tout comme la neige et les arbres sont définis par de larges coups de pinceau brisés de blanc pur et de vert.

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Au bord de l'eau, Bennecourt

Claude Monet — 1868

Ici, Camille Doncieux, la future épouse de Claude Monet, est assise sur une île de la Seine, regardant vers le hameau de Gloton, à proximité de la ville de Bennecourt, d'où ils ont vraisemblablement ramé avec Monet. Ceci est la seule peinture à survivre de la brève période que le couple a passé à Gloton, que le romancier Émile Zola avait recommandé à Monet comme une retraite rurale bon marché facilement accessible depuis Paris. Des pentimenti (traces visibles d'une peinture antérieure sous une ou plusieurs couches de peinture) suggèrent qu'à un stade précoce du tableau, Camille tenait un enfant avec un bonnet, probablement le bébé du couple, Jean. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La Maison de l'artiste à Argenteuil

Claude Monet — 1873

Claude Monet et sa famille ont vécu à Argenteuil, en périphérie de Paris, de 1871 à 1878. Ici, il a représenté son fils Jean, âgé de cinq ou six ans, jouant avec un cerceau, et son épouse Camille, se tenant dans l’embrasure de la porte de leur maison couverte de vignes. Le temps agréable et le jardin bien entretenu, précurseur du célèbre jardin de l'artiste à Giverny, confèrent à cette peinture un sentiment de tranquillité et de bien-être. Cette période de sécurité financière pour Monet est due à la vente récente de ses œuvres au marchand d'art parisien Paul Durand-Ruel. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Arrivée du train de Normandie, gare Saint-Lazare

Claude Monet — 1877

L'un des aspects les plus avant-gardistes des Impressionnistes était leur choix de sujet, qui incluait fréquemment des scènes dérivées du Paris moderne et industriel, des ponts en fer aux halls d'exposition en passant par les hangars de trains. La gare Saint-Lazare aurait été un spectacle familier et significatif pour Claude Monet dans les années 1870. Ce terminal reliait Paris à la Normandie, où l'artiste développa sa technique de peinture en plein air dans les années 1860. C'était aussi le point de départ vers les villes et villages à l'ouest et au nord de Paris que les Impressionnistes visitaient fréquemment. Monet réalisa huit de ses douze peintures connues de la gare Saint-Lazare à temps pour la troisième exposition impressionniste, en 1877, les exposant probablement dans la même galerie. Monet choisit de concentrer son attention ici sur le hangar ferroviaire en verre et en fer, où il trouva une combinaison séduisante d'effets artificiels et naturels—la vapeur montante des locomotives emprisonnée dans la structure et la lumière du jour pénétrant de grandes sections vitrées du toit, par exemple. Les représentations de la gare par Monet inaugurèrent ce qui allait devenir pour lui une méthode établie de peindre un motif spécifique de manière répétée pour capturer des changements atmosphériques subtils et temporels, comme dans ses célèbres séries de meules de foin. Mais les peintures de la gare Saint-Lazare représentaient également sa dernière tentative de capturer la vie urbaine: à partir de ce moment dans sa carrière, Monet se consacra principalement aux paysages. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Pommes et raisins

Claude Monet — 1880

Claude Monet a probablement peint cette nature morte et d'autres en 1879-1880, sachant qu'elles seraient plus facilement commercialisables que ses paysages. Dans Pommes et Raisins, cependant, il a utilisé la complexité de la couleur, de la lumière et de la texture que l'on retrouve dans ses paysages les plus impressionnistes. Cela est particulièrement évident dans la vaste surface de tissu : le jeu de lumière sur les coups de pinceau horizontaux (indiquant les plis de la nappe) rappelle des toiles antérieures où Monet utilisait de similaires horizontales courtes de couleurs variées pour suggérer l'eau ondoyant au soleil. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Promenade sur la falaise, Pourville

Claude Monet — 1882

En février 1882, Claude Monet se rend en Normandie pour peindre, l'un des nombreux voyages qu'il fit dans les années 1880. Ce séjour fut aussi une échappatoire aux pressions personnelles et professionnelles. Sa femme, Camille, était décédée trois ans auparavant, et Monet avait noué une relation domestique avec Alice Hoschedé (qu'il épousera en 1892, après la mort de son mari). La France traversait alors une longue récession économique qui affectait les ventes de Monet. Par ailleurs, l'artiste n'était pas enthousiaste à l'idée de la septième exposition impressionniste à venir—les divisions au sein du groupe s'étant accentuées à cette époque—et il délégua la responsabilité de sa contribution à son marchand, Paul Durand-Ruel. Déçu par la région autour de la ville portuaire de Dieppe, qu'il jugeait trop urbaine, Monet s'installa à Pourville et resta dans ce village de pêcheurs jusqu'à la mi-avril. Il tomba de plus en plus amoureux de ses environs, écrivant à Hoschedé et à ses enfants : "Comme la campagne devient belle, et quelle joie ce serait pour moi de vous montrer tous ses recoins charmants !" Il put le faire en juin, lorsqu'ils le rejoignirent à Pourville. Les deux jeunes femmes se promenant dans "La Promenade de la falaise à Pourville" sont probablement Marthe et Blanche, les aînées des filles Hoschedé. Dans cette œuvre, Monet s'attaqua au problème d'insérer des figures dans un paysage sans perturber l'unité de sa surface picturale. Il intégra ces éléments entre eux par la texture et la couleur. L'herbe—composée de coups de pinceau courts, énergiques et courbes—semble frémir dans la brise, et des versions subtilement modifiées des mêmes traits et teintes suggèrent les robes et châles des femmes tourbillonnés par le vent ainsi que l'ondulation de la mer. Les radiographies montrent que Monet réduisit l'éperon rocheux à l'extrême droite pour équilibrer les proportions de la mer et du ciel. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Bordighera

Claude Monet — 1884

Début 1884, Claude Monet se rend à Bordighera, une ville de la Riviera italienne près de la frontière entre l'Italie et la France, pour ce qui devait être une visite de travail de trois semaines mais qui se prolongea en presque trois mois. Dans une lettre au sculpteur Auguste Rodin décrivant ses efforts pour capturer la lumière éclatante de la Méditerranée, Monet déclara qu'il était "en train de faire de l'escrime et de lutter avec le soleil." Dans d'autres lettres, il se plaignait de l'impossibilité de trouver un sujet approprié au milieu de la végétation abondante de la région. Dans cette composition baignée de soleil, peinte depuis un point de vue sur une colline, la mer est à peine visible à travers les troncs entrelacés des pins locaux. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Meules, fin de l'été

Claude Monet — 1890

Les meules monumentales que Claude Monet a dépeintes dans sa série Les Meules mesuraient entre quinze et vingt pieds de hauteur et se dressaient juste à l'extérieur de la ferme de l'artiste à Giverny. En 1890 et 1891, il a travaillé sur cette série à la fois sur le terrain, peignant simultanément sur plusieurs chevalets, et en studio, affinant les harmonies picturales. En mai 1891, Monet a accroché quinze de ces toiles les unes à côté des autres dans une petite salle de la Galerie Durand-Ruel à Paris. Succès critique et financier sans précédent, l'exposition a marqué une étape décisive dans la carrière de Monet, ainsi que dans l'histoire de l'art français. Dans cette vue, comme dans presque toutes les vues d'automne de la série, les sommets coniques des meules atteignent l'horizon et se profilent dans le ciel. Mais dans la plupart des vues d'hiver, qui constituent le cœur de la série, les meules semblent enveloppées par des bandes de collines et de champs, comme si elles étaient prêtes à hiverner. Pour Monet, la meule était un symbole résonant de subsistance et de survie. Il a poursuivi ce groupe avec d'autres séries représentant des peupliers, la façade de la cathédrale de Rouen, et, plus tard, son propre jardin à Giverny. L'Art Institute possède le plus grand ensemble de Meules de Monet au monde. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Champ de coquelicots (Giverny)

Claude Monet — 1890

En juillet 1890, Claude Monet a commencé quatre toiles de dimensions presque identiques représentant des champs de coquelicots près de sa maison à Giverny. Bien qu'il ne considérait pas ces œuvres comme une série, à l'inverse des 25 tableaux de meules de blé qu'il a commencés peu après les moissons de ce même été, elles témoignent certainement de son intérêt croissant pour le développement de plusieurs toiles simultanément. Elles illustrent également une touche beaucoup plus homogène que les paysages aux coups de pinceau libres de sa carrière antérieure, avec des surfaces ayant une matérialité semblable à une tapisserie. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Bras de Seine près de Giverny, brouillard

Claude Monet — 1897

Ce paysage paisible est le résultat d'un processus de création énergique. Pendant des mois, Claude Monet se levait avant l'aube pour se rendre en barque à la même place sur la Seine, où il peignait simultanément 14 toiles, les retravaillant au fur et à mesure que la lumière changeait. Bien que cette peinture paraisse floue et vague, Monet a pris des décisions techniques délibérées—par exemple, estomper une ligne d'horizon autrefois distincte avec des coups de pinceau vigoureusement fondus qui deviennent plus lâches à mesure qu'ils s'étendent vers l'extérieur. Monet a commandé sur mesure la toile presque carrée, une forme inhabituelle qui contribue à la nature déroutante de la scène, dont la moitié représente un reflet sur l'eau. En diffusant le paysage à travers ces techniques, Monet a cherché à capturer l'éphémérité de la lumière et de la brume, un thème qu'il a poursuivi tout au long de sa carrière. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Le Bassin aux nymphéas

Claude Monet — 1900

En 1893, trois ans après avoir acquis sa propriété à Giverny, Claude Monet commença à transformer le terrain marécageux derrière sa maison en un étang, à l'extrémité duquel il construisit un pont en bois de style japonais. En ajoutant des plantations à la fois exotiques et domestiques, y compris ses célèbres nymphéas, l'artiste créa le jardin qui deviendrait l'un de ses sujets principaux pour le reste de sa vie. "Le Bassin aux nymphéas" fait partie des 18 versions similaires de ce motif qu'il réalisa entre 1899 et 1900 ; leur thème commun était le mélange des nymphéas avec les reflets d'autres végétations à la surface de l'eau. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Le Parlement, Londres

Claude Monet — 1900

Lors de ses campagnes londoniennes, Claude Monet a peint les Parlementaires dans l'après-midi tardive et au coucher du soleil depuis une terrasse à l'hôpital Saint Thomas. Ce point de vue était proche de celui de l'artiste anglais J. M. W. Turner dans ses peintures visionnaires de l'incendie qui avait détruit une grande partie de l'ancien complexe parlementaire en 1834. Dans sa réponse à la poésie du crépuscule et de la brume, Monet a été en réalité inspiré par le travail d'un peintre plus récent de la Tamise, l'Américain James McNeill Whistler. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Nymphéas

Claude Monet — 1906

Claude Monet ignorait sans doute que le jardin d'eau qu'il a créé trois ans après avoir acheté sa propriété à Giverny, en France, en 1890, deviendrait sa principale source d'inspiration au cours des deux décennies et demie suivantes. Ces peintures, au nombre d'environ 250, retracent le parcours artistique de Monet, passant de représentations plus simples de l'étang traversé par le pont japonais en bois à la série monumentale et presque abstraite sur le thème des nymphéas qu'il réalisa en préparation pour ses grands panneaux au Musée de l'Orangerie à Paris entre 1914 et 1926. "Nymphéas", l'une des œuvres réalisées sur ce sujet entre 1903 et 1908, se situe au milieu de l'évolution du style de Monet et de ses expérimentations spatiales. Le format presque carré souligne son passage de la peinture des zones conventionnelles de terre, ciel et eau à une mise en avant exclusive de la surface de l'eau. Des amas de nymphéas aux coins inférieur gauche et supérieur droit encadrent un chemin aquatique, tandis que la surface de l'eau reflète les arbres et les nuages. Bien que la qualité onirique des formes flottantes puisse sembler un développement naturel pour l'artiste, Monet considérait ces œuvres comme "une obsession", sentiment corroboré par les examens techniques réalisés sur la toile de l'Institut d'art, révélant de nombreux changements significatifs apportés à la peinture en cours de réalisation. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Nymphéas (Agapanthes)

Claude Monet — 1915

Horticulteur talentueux autant qu'artiste, Claude Monet a passé les 30 dernières années de sa vie à peindre le jardin privé qu'il avait conçu et aidé à cultiver dans sa demeure de Giverny, au nord de la France. Les toiles qui en résultèrent sont remarquables par la diversité de leurs motifs, formats et dimensions. Monumentale par son échelle, cette représentation de son bassin aux nymphéas met en lumière les effets éphémères du soleil alors qu'il pénètre et se reflète sur sa surface miroitante. En se concentrant sur l'eau et en omettant son horizon et ses rives environnantes, Monet suggère une étendue illimitée, perception amplifiée par le format horizontal vaste de la peinture qui emplit le champ de vision du spectateur.

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