Manet — Œuvres choisies

La Régalade (L'Enfant au pichet)

Édouard Manet — 1862

Les radiographies ont révélé que cette peinture est un fragment de Les Gitanos, un grand portrait d'une famille itinérante qu'Édouard Manet a exposé en 1863 et 1867. Apparemment insatisfait de la composition, il a découpé la peinture en sections, qu'il a reconçues comme œuvres d'art individuelles. Deux de ces sections, Bohémien et Nature morte avec sac et ail, font partie de la collection du Louvre Abu Dhabi; la section finale, Bohémienne, est perdue. Pour faire de cette portion une œuvre autonome, Manet a peint par-dessus la tête de la femme, qui se trouvait initialement sous l'épaule du garçon, et a remplacé le ciel bleu par un fond sombre. Il a ensuite renommé la peinture La Régalade, qui signifie verser un liquide d'une bouteille dans la gorge sans toucher les lèvres. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Nature morte aux poissons

Édouard Manet — 1864

Bien que les ensembles de natures mortes aient constitué un élément important dans de nombreuses grandes œuvres du peintre d'avant-garde Édouard Manet, son intérêt le plus soutenu pour le genre lui-même se situe entre 1864 et 1865, période durant laquelle il a peint Poissons. L'intérêt de Manet pour les natures mortes coïncide avec la réacceptation progressive du genre au XIXe siècle, en partie grâce à la montée de la classe moyenne, dont les goûts s'orientaient vers des œuvres intimes et à prix modéré. Cette peinture, comme beaucoup de compositions en nature morte de Manet, rappelle les modèles néerlandais du XVIIe siècle. Cependant, la franchise de l'exécution, la touche audacieuse et l'immédiateté de la vision présentées sur la toile expliquent pourquoi le public percevait le travail de Manet comme non conventionnel et provocateur. Alors que Poissons est bien une image de « nature morte », il n'y a rien de statique dans cette œuvre : les produits paraissent frais et le traitement de la peinture est vigoureux. Enrichissant encore la composition, la disposition de la carpe contrebalance la forte diagonale des autres éléments. Manet n'a jamais soumis ses natures mortes au Salon officiel français, préférant les vendre par le biais du réseau naissant de galeries d'art à Paris et les offrir à ses amis. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Vue de mer, temps calme

Édouard Manet — 1864

Bien que sa touche soit audacieuse et presque calligraphique, les navires dans cette composition restent identifiables en tant que types spécifiques. À droite du centre, un vapeur à roue latérale remonte la Manche, laissant dans son sillage des bateaux à voile plus lents. Il s'agit de l'une des premières peintures de la mer d'Édouard Manet, un sujet qu'il a abordé à plusieurs reprises. Il l'a peinte à Paris, accompagnée de deux ou trois autres œuvres basées sur des esquisses réalisées lors de vacances en famille dans le port de Boulogne-sur-Mer, au nord de la France. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Jésus insulté par les soldats

Édouard Manet — 1865

Tout au long de sa carrière, Édouard Manet a su choquer et déconcerter le public par sa technique audacieuse et son approche non conventionnelle des sujets. La caractéristique la plus surprenante de ce tableau est qu'il l'ait peint du tout. Après l'avènement du mouvement réaliste, qui ancre l'art dans l'ici et maintenant, les artistes d'avant-garde en France ne poursuivaient pas de thèmes religieux. Bien que Manet fût principalement un peintre de sujets séculiers, il s'intéressait également à l'histoire de l'art, ce qui l'a conduit au moins à deux reprises à représenter des récits bibliques qui avaient fasciné les artistes pendant de nombreux siècles. Cette œuvre a peut-être aussi été inspirée par la biographie populaire de 1863, "Vie de Jésus", de Joseph-Ernest Renan, philosophe et historien français, une œuvre controversée qui mettait l'accent sur l'humanité du Christ. Ici, Manet a représenté Jésus à la fin de sa vie, battu et attendant sa crucifixion. Les soldats romains le forcent à porter une couronne d'épines et lui tendent un sceptre de roseau et un manteau pourpre, le tout destiné à le ridiculiser en tant que "Roi des Juifs", un titre ironiquement donné par ses bourreaux. Manet a transformé ce récit sacré en un drame réaliste qui marie réalisme et théâtralité. Il a présenté Jésus de manière frontale, soulignant sa vulnérabilité et sa physicalité humaine. Jésus semble épuisé et inerte. Les coups de pinceau visibles de la toile et la palette de couleurs créent une sensation de matérialité qui évoque encore plus un Christ palpable et non idéalisé, qui manque notablement d'une auréole. Est-il un être saint émanant une lumière divine ou un homme réel posant sous un projecteur de studio ? Le tableau a provoqué un scandale à son époque précisément pour cette ambiguïté. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Le Philosophe (mendiant au caban)

Édouard Manet — 1865

Cette peinture et Mendiant avec des huîtres ont été conçues comme des pièces complémentaires. Édouard Manet les a exposées ensemble en 1872, aux côtés de tableaux représentant un buveur d'absinthe et un chiffonnier (un collecteur et revendeur de tissus usagés et autres rebuts) sous le titre collectif Les Philosophes. Au moment où Manet réalisa ces peintures, ces « mendiants », comme on les appelait alors, étaient repoussés aux marges physiques et sociales de Paris, alors que la ville se transformait rapidement pour faire place à des quartiers plus bourgeois. Bien qu'il soit né dans une famille de la haute société, Manet était un outsider des cercles artistiques établis en France et s'identifiait probablement à ces sujets aliénés. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Combat de taureaux

Édouard Manet — 1865

À l'automne 1865, Édouard Manet s'est rendu en Espagne pendant une dizaine de jours. Ce bref voyage a eu un impact profond sur son art de cette période. Dans une lettre au poète Charles Baudelaire, il décrivit une corrida à laquelle il assista à Madrid comme « l'un des spectacles les plus beaux, les plus curieux et les plus terrifiants qui soient ». Les croquis rapides qu'il réalisa en observant les combats ont inspiré plusieurs toiles ultérieures, dont celle-ci. Ici, il souligne la tension du moment : la foule à l'arrière-plan se fond dans un flou, tandis que le torero et le taureau se détachent avec une netteté accrue. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Le Philosophe (mendiant aux huîtres)

Édouard Manet — 1865

Avec "Le Gueux au manteau" , "Le Gueux aux huîtres" faisait partie d'une série de quatre tableaux collectivement appelés "Les Philosophes". Le titre fait référence aux représentations traditionnelles des anciens philosophes stoïciens, dont la pauvreté était associée à la sagesse. Les hommes anonymes dans ces peintures auraient été reconnaissables pour le public contemporain d'Édouard Manet comme des types urbains—des marginaux peuplant les rues de Paris. En les représentant à une si grande échelle et sur fond vide et sombre, Manet a subverti les attentes de la peinture de l'époque, conférant à ses figures une présence quasi-portrait, voire héroïque, habituellement réservée aux sujets nobles, historiques ou religieux. À travers son format et le titre de la série, l'artiste encourageait les spectateurs à voir ces personnes souvent négligées comme possédant une perspicacité rare. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Les Courses

Édouard Manet — 1865

Les Courses est basé sur le tableau de Manet, Les Courses à Longchamp. Cependant, la lithographie transmet encore plus l'excitation des courses hippiques que le tableau. L'énergie et le mouvement sont suggérés par des traits audacieux et rapidement tracés ainsi que par des frottis rapides et courbes. L'utilisation spontanée et sans restriction du crayon lithographique préfigure l'expressivité de l'estampe du XXe siècle.

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Les Courses à Longchamp

Édouard Manet — 1866

Cette peinture exécutée avec liberté saisit le dénouement palpitant d'une course de chevaux à Longchamp, situé au Bois de Boulogne, à l'ouest de Paris. Ici, Édouard Manet s'écarte radicalement des représentations conventionnelles du sport, où les courses étaient montrées de côté avec les chevaux de profil. Au lieu de cela, les concurrents galopent bruyamment vers le spectateur, soulevant un nuage de gazon, leur allure soulignée par les diagonales balayantes des barrières de la piste. En France, les courses de chevaux sont devenues une forme importante de divertissement populaire au XIXe siècle. Importé d'Angleterre, l'hippodrome — avec sa vitesse, son spectacle et son luxe — était un espace résolument moderne. Dans la peinture de Manet, une foule d'hommes et de femmes vêtus à la dernière mode s'appuie contre les barrières pour assister à l'événement — un homme, en haut à gauche, utilise des jumelles pour mieux observer la course. Contrairement à son ami Edgar Degas, pour qui l'hippodrome était une source constante d'inspiration, Manet n'a produit que deux peintures sur ce thème. Initialement une composition beaucoup plus grande, cette toile a été réduite à son échelle actuelle par l'artiste. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Portrait de femme au fichu noir

Édouard Manet — 1873

Avec seulement quelques coups de pinceau, Manet a réussi à rendre pleinement la personnalité joviale de ce modèle non identifié. Son demi-sourire amusé pourrait témoigner d'un échange agréable entre l'artiste et le modèle. Ce tableau offre un aperçu précieux du processus de travail de Manet. Il a d'abord esquissé la silhouette avec des lignes sombres peintes, puis a utilisé des coups courts et précis pour représenter le costume et le visage. Enfin, il a appliqué un lavis vert dilué, probablement premier pas vers un fond orné, resté inachevé. La coiffure de la femme, une pile de cheveux bleu-noir avec des franges bouclées, aide à dater cette œuvre à la fin des années 1870. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Au café

Édouard Manet — 1874

Cette estampe par Édouard Manet représente le Café Guerbois, un lieu de rencontre pour les artistes impressionnistes dans le Paris du XIXe siècle. Bien qu'il soit surtout connu pour ses peintures, l'artiste fut un graveur passionné tout au long de sa carrière. Ici, il a expérimenté la gillotage — une technique nouvelle à l'époque — pour suggérer les lignes rapides et esquissées du dessin, donnant à l'image une apparence de création rapide et spontanée.

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Berthe Morisot à l'éventail

Édouard Manet — 1874

Édouard Manet a représenté son amie proche, l'artiste Berthe Morisot, douze fois entre 1868 et 1874 en eaux-fortes, lithographies, peintures à l'huile et aquarelles. Dans cette aquarelle, Manet a utilisé une palette limitée et une combinaison de techniques pour représenter Morisot sur un fond bleu-vert. Il a travaillé dans le frais pour sa robe, appliquant des pigments mouillés sur une surface déjà humide avant qu'elle ne sèche, ce qui a permis aux touches de se fondre et de se mélanger entre elles. Puis, Manet a utilisé une technique du pinceau sec pour souligner la texture du tissu de sa robe et du ruban dans ses cheveux. Ces textures contrastent avec la relative platitude du fond atténué, mettant ainsi en valeur le modèle. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Perché sur un buste de Pallas (Le Corbeau)

Édouard Manet — 1875

Édouard Manet a créé cette lithographie pour la traduction française de 1875 par son ami Stéphane Mallarmé du poème classique de l'écrivain américain Edgar Allan Poe, « Le Corbeau » (1845). Ce poème raconte l'histoire d'un homme en deuil de son amour défunt, visité par un corbeau qui répète sans cesse « Jamais plus ». L'édition de Mallarmé est considérée comme l'un des premiers livres d'artistes modernes — des livres créés spécifiquement comme œuvres d'art visuel. Manet a réalisé quatre illustrations pleine page, incluant la scène où le corbeau fixe le narrateur du sommet du buste de la déesse Athéna, ainsi qu'un motif de tête de corbeau utilisé sur la couverture du livre et sur son affiche publicitaire.

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Claire Campbell

Édouard Manet — 1876

À la fin des années 1870, Édouard Manet commença à rencontrer des problèmes de santé qui rendaient difficile son travail à l'huile. Il se tourna alors vers le pastel, un médium poudreux qui lui permettait de jouer avec les lignes et les couleurs à chaque coup de crayon. Cette œuvre fait partie des nombreux portraits que Manet réalisa à cette époque avec ce médium. Elle représente Claire Campbell, une jeune femme britannique à la mode, dont le père publiait The Daily Telegraph, un journal britannique. Manet utilisa la texture veloutée du pastel pour rendre la peau et les cheveux du sujet, limitant sa palette principalement à des tons neutres, tels le blanc, le gris et le noir.

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La Liseuse

Édouard Manet — 1880

À la fin du XIXe siècle, les cafés parisiens étaient des lieux de rencontre pour les artistes et les écrivains, constituant des endroits idéaux pour observer la scène urbaine. De nombreuses peintures impressionnistes représentent le Café Nouvelle-Athènes sur la rue Pigalle, où deux tables étaient réservées pour Édouard Manet et son cercle - un groupe incluant les peintres Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro et Pierre-Auguste Renoir, ainsi que les écrivains Charles Baudelaire et Émile Zola. À première vue, cette jeune femme élégamment vêtue semble avoir été saisie assise dans un café apprécié: la table en marbre, la chope de bière et le magazine attaché à une barre en bois suggèrent un tel lieu, et ses vêtements lourds et ses gants en chevreau indiquent qu'elle est à une table en plein air et que le temps est frais. Cependant, le fond floral est en réalité l’une des peintures de Manet et le café une reconstitution dans son atelier. "Femme lisant" est l'une des œuvres les plus impressionnistes de Manet; les coups de pinceau rapides et libres ainsi que les couleurs claires sont caractéristiques de sa technique à la fin de sa carrière. Peinte seulement quelques années avant sa mort, cette œuvre capte admirablement un moment éphémère, le sens de la vie moderne que Manet et ses contemporains cherchaient à représenter. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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