Gauguin — Œuvres choisies

Tête de Tahitienne

Paul Gauguin — 1891

Ce dessin fait partie d'un groupe de portraits dessinés très aboutis de Tahitiens réalisés par Paul Gauguin peu après son arrivée dans les mers du Sud. En s'adaptant à ce nouvel environnement, Gauguin a d'abord évité la peinture, préférant se familiariser avec le paysage et les gens à travers l'observation et le dessin. La qualité méticuleuse de cette étude au graphite suggère qu'elle a été réalisée sur le vif. Le visage noble de la femme et son expression énigmatique évoquent la spiritualité et la mélancolie que Gauguin cherchait à susciter dans son œuvre polynésienne.

Collection : The Cleveland Museum of Art · CC0 · Image source ↗

Te raau rahi (Le Grand Arbre)

Paul Gauguin — 1891

Dégoûté par le matérialisme de la société européenne, Gauguin abandonna sa famille et sa carrière de courtier en bourse pour partir à Tahiti en 1891. Cette toile est parmi les premières œuvres qu'il réalisa sur l'île. Ses couleurs riches et ses figures stylisées étaient conçues pour être à la fois symboliques et mystérieuses, évoquant des pensées et des émotions intérieures. « J'obtiens des symphonies, » écrivit-il, « des harmonies qui ne représentent rien de réel au sens absolu du terme. »

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Arlésiennes (Mistral)

Paul Gauguin — 1888

Durant l'hiver 1888, Paul Gauguin a passé deux mois difficiles avec Vincent van Gogh dans la ville méridionale d'Arles. C'est à cette époque qu'il a peint les énigmatiques Arlésiennes (Mistral). Leur cohabitation était supposée marquer le début d'une colonie d'artistes, mais leur relation est devenue de plus en plus tendue, et la santé mentale de Van Gogh s'est dégradée. Le tableau, situé directement en face de la maison qu'ils partageaient, représente quatre femmes traversant sombrement un jardin public. L'espace est basculé radicalement vers le haut, et des formes complexes tridimensionnelles sont réduites à des formes simples et plates. Par exemple, deux cônes orange-jaune—probablement des protections en paille pour protéger les plantes du gel—s'élèvent à droite comme des figures humaines abstraites. Enveloppées dans des châles sombres, les deux femmes les plus proches couvrent leur bouche contre l'air glacial. Leurs gestes sont retenus et introspectifs, et leur passage semble être bloqué par une clôture rouge vif et un grand buisson vert. Peut-être l'élément le plus étrange de la composition est-il l'apparition d'un visage dans le buisson. Ce visage—une inclusion intentionnelle de l'artiste—ajoute une présence étrange et vigilante à la scène. Il illustre l'exploration par Gauguin des mystères qu'il croyait imprégner la vie quotidienne. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Nave Nave Fenua (Terre délicieuse)

Paul Gauguin — 1893

En 1891, Paul Gauguin s'est rendu à Tahiti, à la recherche d'un style artistique plus authentique que le conservatisme qu'il rejetait dans la culture occidentale. De retour à Paris en 1893, il commence à travailler sur Noa Noa, un livre illustré qui décrit et illustre ses expériences à l'étranger. Bien que le projet n'ait jamais été achevé, cette estampe est l'une de ses illustrations. Gauguin a représenté un paysage luxuriant en taillant grossièrement dans une planche de bois, une technique destinée à évoquer la sculpture en relief qu'il a observée à Tahiti.

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Dans les vagues

Paul Gauguin — 1889

Peint à Pont-Aven dans le nord-ouest de la France, cette représentation d'une figure nue se jetant à la mer suggère une métaphore pour une femme européenne moderne renonçant à la civilisation et s'abandonnant à ses instincts naturels et primitifs. Les lignes simplifiées et les couleurs exagérées, notamment le contraste entre le vert et l'orange, semblent inventées plutôt qu'observées de la réalité. En exposant le tableau au Café Volpini à Paris en 1889, Gauguin s'est affirmé comme un chef de file du mouvement symboliste dans l'art.

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Femme devant une nature morte de Cézanne

Paul Gauguin — 1890

La femme assise ici reste non identifiée, mais le tableau de nature morte qui domine l'arrière-plan est bien connu : la Nature morte au plat de fruits de Paul Cézanne (1879-80 ; Museum of Modern Art, New York). La version de Gauguin est à peu près à la même échelle que l'original. Dans certains aspects de la composition, Gauguin a émulé le style de Cézanne, comme la façon dont il a aplati le plan de l'image pour que la femme semble se pencher en avant, sortant de sa chaise. Avant de devenir artiste, Gauguin était collectionneur d'art. La Nature morte de Cézanne — l'une des cinq ou six œuvres de l'artiste dans la collection de Gauguin — a été une pierre angulaire de son éducation artistique. Il est possible que Cézanne fasse référence à cette œuvre lorsqu'il a accusé Gauguin de lui avoir volé son style, qu'il appelait sa "petite sensation". Ceci est l'une des trente-cinq œuvres qui composent la Collection Winterbotham. Cliquez ici pour en savoir plus sur la collection. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Te raau rahi (Le Grand Arbre)

Paul Gauguin — 1891

« Tout dans le paysage m'aveuglait et m'éblouissait », écrivit Paul Gauguin lors de ses premiers mois à Tahiti. Ici, il met en avant la variété des arbres fruitiers abondants de l'île, y compris un hotu au tronc épais et violet à gauche, des manguiers et cocotiers élancés, et trois petits bananiers aux feuilles luxuriantes et évasées. Au premier plan, un homme utilise un bâton pour ouvrir une noix de coco et une famille se repose dans l'herbe avec un chien endormi à leurs côtés. La toile grossièrement tissée de la peinture, faite d'une matière fibreuse (jute), est visible à travers la couche de peinture. Moins chère et plus facilement disponible que la toile traditionnelle, ce matériau de support confère à l'œuvre une texture rustique et organique. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Te burao (L'Hibiscus)

Paul Gauguin — 1892

Réalisé au début du premier séjour de Paul Gauguin à Tahiti, ce paysage montre l'artiste s'efforçant de représenter un environnement qui lui est étranger. Plutôt que de documenter les espèces botaniques de manière scientifique, Gauguin s'est concentré sur le potentiel artistique de leurs couleurs, textures et formes variées. La figure humaine au loin et le chien errant à travers les branches tombées animent le paysage et établissent une échelle. C'est l'une des trente-cinq œuvres qui composent la collection Winterbotham. Cliquez ici pour en savoir plus sur la collection. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Merahi metua no Tehamana (Les Ancêtres de Tehamana)

Paul Gauguin — 1893

Dans ce portrait, la jeune Tahitienne de 13 ans nommée Tehamana apparaît stoïque, les épaules droites et le regard inébranlable. Elle porte une robe missionnaire et tient un éventail samoan tandis que des fleurs blanches dégringolent de ses cheveux. La mangue mûre à ses côtés fait allusion à la fertilité. À l'arrière-plan, Gauguin a combiné divers emblèmes non européens — des glyphes dérivés d'une tablette de l'île de Pâques et une déité féminine inspirée de sources polynésiennes et hindoues — pour créer un sentiment générique d'étrangeté et de mystère, transformant Tehamana en l'incarnation de son propre désir. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Mahana no atua (Le Jour de Dieu)

Paul Gauguin — 1894

Dans ce paradis tropical inventé par l'artiste, une divinité préside sur des figures marchant et se reposant sur un talus. Disposées en rythme par groupes de deux et trois, les figures apparaissent davantage comme des formes symboliques que comme des portraits d'individus. Des bassins d'eau dans des zones abstraites et imbriquées de couleurs acides entourent les pieds d'un baigneur, flanqué de deux figures allongées — ou peut-être la même personne vue sous deux angles. Contrairement à d'autres paysages inspirés de Tahiti, cette peinture a été réalisée à Paris peu après le premier voyage de Paul Gauguin sur l'île. Tirée de la fantaisie et de la mémoire, la composition psychédélique est l'une des œuvres les plus abstraites et avant-gardistes de la carrière de l'artiste. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La Femme aux figues

Paul Gauguin — 1894

« La Femme aux figues » est l'une des deux seules eaux-fortes réalisées par Gauguin, en collaboration avec son ami Armand Séguin, dont l'adresse est inscrite en haut à gauche de l'estampe. Peu expérimenté avec la technique de l'eau-forte, Gauguin a probablement dessiné lui-même la composition mais a compté sur son ami pour l'aider avec les aspects plus techniques du procédé, tels que le couchage du vernis et la morsure de la plaque.

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No te aha oe riri (Pourquoi es-tu fâchée ?)

Paul Gauguin — 1896

Sur cette grande toile, l'une des nombreuses que Paul Gauguin a envoyées en France en 1897, des femmes de tous âges semblent vaquer à leurs occupations quotidiennes dans un environnement extérieur coloré et stylisé. Comme dans beaucoup de ses œuvres, ce tableau mêle détails observés et fantaisie artistique pour créer une scène onirique dont le récit résiste à une interprétation simple. Le titre délibérément provocateur de l'œuvre accentue cet effet, nous laissant nous demander si le « tu » s'adresse à quelqu'un dans le tableau ou au spectateur. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Femme polynésienne et enfants

Paul Gauguin — 1901

Les trois figures dans cette œuvre n'ont jamais été identifiées. Leur pose familiale et d'autres détails, tels que la bague en or de la femme et la marque rouge sur la main de la fille, suscitent des spéculations quant à leurs liens entre elles et avec l'artiste. Une analyse technique a révélé que Paul Gauguin a retravaillé la position des mains de la femme pour les aligner en diagonale avec celles de la jeune fille se tenant derrière elle. Ensemble, elles forment un axe ascendant renforcé par le chat, également une addition ultérieure. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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L'Appel

Paul Gauguin — 1902

Peinte sur une île isolée de Polynésie un an avant la mort de l'artiste, L'Appel appartient à une série d'œuvres tardives qui explorent les mystères de la vie et de la mort. Deux femmes se tiennent pieds nus, comme si elles se trouvaient sur un sol sacré. L'une d'elles fait un geste vers quelqu'un en dehors du tableau, répondant peut-être à un "appel" du destin. Gauguin a réalisé son ambition de peindre de mémoire et d'imagination à travers des images aussi mystérieuses et oniriques.

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Noa Noa : Mahna no varua ino (Le Diable parle)

Paul Gauguin — 1893

En 1893, Paul Gauguin est revenu à Paris après avoir passé du temps à Tahiti. Il a commencé à concevoir un livre qui décrirait sa vie hors d'Europe et fournirait un contexte pour les œuvres avant-gardistes qu'il a créées pendant son absence. Cette estampe fait partie d'une série de dix destinées à illustrer ce livre, que Gauguin a intitulé Noa Noa. Il a gravé chaque image directement dans un bloc de bois et les a imprimées lui-même, conférant aux estampes une qualité brute qu'il espérait améliorerait leur sujet. En raison de ce processus, combiné avec la pratique de l'artiste de varier ses encres et ses papiers pendant son travail, des estampes telles que celle-ci sont pratiquement uniques.

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