Degas — Œuvres choisies

Jeunes Filles spartiates provoquant des garçons

Edgar Degas — 1855

En 1859, Edgar Degas retourna à Paris après un long séjour en Italie, où il visita des proches à Naples et Florence et suivit des cours de dessin d'après modèle vivant à l'Académie Française de Rome. Cette oeuvre, réalisée autour de 1860, témoigne de son ambition de créer des toiles mettant en scène des scènes de la Bible, ainsi que de l'histoire ancienne et plus récente. Degas tire son sujet de la vie de Lycurgue, un législateur spartiate légendaire du IXe siècle av. J.-C. Les réformes sociales de Lycurgue comprenaient une méthode de formation physique inhabituelle dans laquelle les jeunes filles concouraient sur un pied d'égalité avec les garçons, s'exerçant nues en public. Degas aurait élaboré cette esquisse monochromatique avec des couches de couleur s'il l'avait complétée, mais il l'a laissée inachevée lorsqu'il a commencé une deuxième version du sujet (National Gallery of Art, Londres). Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Autoportrait

Edgar Degas — 1857

Dans les années 1850, Degas s'est fréquemment utilisé comme modèle, mais il n’a réalisé qu’un seul autoportrait imprimé. Grâce à des étapes successives de morsure de la plaque et de couches de hachures croisées, Degas a progressivement construit des zones de tonalité sombre. Dans cette épreuve, Degas a ajouté des lignes gravées sur le visage, le chapeau et le manteau et a soigneusement essuyé sa plaque de cuivre pour créer des effets atmosphériques. Ses yeux nettement dessinés engagent directement le spectateur, résultant en un portrait psychologiquement puissant et intense du jeune artiste à l'âge de 23 ans. Cette épreuve a été dédiée à son ami, le peintre et sculpteur Paul Albert Bartholomé.

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Portrait de Mme Lisle et Mme Loubens

Edgar Degas — 1862

Edgar Degas acceptait rarement des commandes de portraits; ses sujets étaient presque toujours des membres de sa famille ou des personnes de son cercle social. Les deux femmes dans ce tableau sombre et inachevé ont été identifiées grâce à des dessins préparatoires les désignant comme « Mme Lisle » (à gauche) et « Mme Loubens » (à droite). Toutes deux étaient des amies de la famille de l'artiste Édouard Manet; elles ont probablement rencontré Degas lors d'une réunion chez Manet. Dans une lettre de 1869, l'artiste Berthe Morisot déplorait que Degas l'ait abandonnée lors d'une de ces soirées pour la compagnie de Mme Lisle et de Mme Loubens, témoignant de la proximité du groupe. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Stefanina Primicile Carafa, marquise de Cicerale et duchesse de Montejasi

Edgar Degas — 1870

Bien que Degas soit surtout connu pour ses représentations de danseurs de ballet et de chevaux de course, il a aussi peint de nombreux portraits de membres de sa famille. Il a probablement réalisé ce portrait de sa tante, Stefania Carafa (1819–1901), lors d'une visite prolongée à Naples, où vivaient de nombreux membres de sa famille. Décrite dans les papiers de famille comme une enfant très choyée et enjouée, la duchesse est devenue la femme stoïque et lasse du monde que l'on voit ici. Aucun ornement coûteux ne révèle son haut rang social ; en effet, elle porte une robe de deuil, peut-être pour observer le décès récent de son frère Achille.

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Danseuses jaunes (dans les coulisses)

Edgar Degas — 1874

Edgar Degas a commencé à peindre les danseuses comme sujet indépendant en 1871. Il allait consacrer presque la moitié de sa production artistique à ce thème, en observant d'innombrables spectacles et répétitions à l'Opéra de Paris. Ici, il a placé le spectateur dans les coulisses, comme s'il faisait partie de l'élite des abonnés de l'Opéra qui se promenaient et socialisaient en coulisse. Les sujets de la danse ont permis à Degas de moderniser son intérêt de toujours pour représenter le corps humain en mouvement complexe, déplaçant la scène de l'histoire ancienne au Paris moderne. Il a achevé et signé cette toile à temps pour la deuxième exposition impressionniste en avril 1876. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Henri Degas et sa nièce Lucie Degas

Edgar Degas — 1875

Edgar Degas acceptait rarement les commandes. Ses sujets de portrait étaient généralement des amis proches et des membres de sa famille — notamment ceux du côté italien de sa famille, à Florence et à Naples, où il se rendait fréquemment. Il est très probable qu'il ait peint ce double portrait en 1875 lors d'un séjour de quatre mois à Naples. Il représente sa cousine germaine orpheline, Lucie, et leur oncle Henri, chez qui la jeune fille venait d'être placée. Dans cette peinture, Degas montre deux personnes, séparées par de nombreuses années d'âge, acceptant timidement les circonstances de leur nouvelle relation. Ayant récemment perdu son propre père, l'artiste aborde des sujets comme celui-ci avec candeur et sensibilité. Les zones de peinture fine et les détails non résolus suggèrent que l'œuvre n'a jamais été achevée. Néanmoins, le traitement dépouillé de l'arrière-plan met efficacement en valeur les têtes et les parties supérieures des corps des personnages. Degas exprime leur connexion à travers l'inclinaison similaire de leurs têtes et leurs vêtements de deuil noirs. En même temps, le rebord d'une porte-fenêtre en arrière-plan et le dossier de la chaise d'Henri divisent les personnages en sections séparées de la toile, créant une subtile allusion à leur inconfort psychologique. À la fois intime et distant, décontracté et réservé, le portrait exprime la fragilité et la nécessité des liens familiaux, non seulement entre les deux personnes représentées mais aussi avec le troisième parent qui les a peints de l'autre côté de la table chargée de papiers. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Sur la scène

Edgar Degas — 1876

Edgar Degas représente sept danseuses exécutant un ballet. Les gestes des bras levés et des pieds des femmes saisissent les actions, les formes et les poses du corps de ballet (l'ensemble ou le chœur d'une compagnie de ballet qui se produit en groupe). Pour accentuer le sens du mouvement et du spectacle, Degas a estompé les contours des formes là où les robes des danseuses rencontrent la scène. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Ballet à l'Opéra de Paris

Edgar Degas — 1877

Edgar Degas, l'un des artistes les plus novateurs du XIXe siècle, a souvent combiné des techniques traditionnelles de manière peu orthodoxe. Dans "Ballet à l'Opéra de Paris", l'artiste a ingénieusement associé la technique du monotype, rarement utilisée à son époque, avec le médium fragile du pastel. Décrit comme "la poudre d'ailes de papillon", le pastel était le médium idéal pour illustrer la métamorphose sur scène de jeunes danseuses grêles en visions de beauté aussi parfaites et éphémères que des papillons. Cette œuvre, réalisée sur l'une des plaques de monotype les plus larges jamais utilisées par l'artiste, porte les formes typiquement recadrées et les points de vue inhabituels de Degas, qui transmettent efficacement l'immédiateté de la scène. La vue est prise depuis la fosse d'orchestre, avec les manches des contrebasses s'immisçant dans le domaine des danseuses. La danseuse centrale est en cinquième position, en pointe, mais le placement aléatoire du corps de ballet, avec les cheveux libres des danseuses, suggère une répétition plutôt qu'une représentation. L'Opéra de Paris était l'école officielle du premier ballet soutenu par l'État, l'Académie Royale de Danse, créée en 1661. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Chez la modiste

Edgar Degas — 1879

Le modiste est la plus grande des peintures d'Edgar Degas consacrées aux modistes, ou chapeliers. Il a soigneusement arrangé la composition, réalisant de nombreux dessins et pastels de la figure solitaire, perfectionnant la pose de la femme et expérimentant avec sa tenue. La composition finale met en lumière les ambiguïtés visuelles de l'identité de classe qui ont émergé en France à la fin du XIXe siècle. La femme est assise dans une boutique de chapeaux examinant un chapeau à larges bords. Elle porte une robe en laine verte à la mode avec de longs gants élégants, qui auraient tout aussi bien pu être portés par des clientes riches que par les employées de la boutique. À cette époque, le métier de modiste était considéré comme un commerce prestigieux nécessitant compétence et goût, élevant progressivement les jeunes femmes qui réussissaient dans ce domaine. Degas a abordé ce subtil retournement de la hiérarchie sociale à travers la mode du sujet : Bien que sa robe soit suffisamment belle pour être portée par une femme aisée, elle ne porte pas de chapeau, ce qui aurait été attendu d'une jeune femme de haute classe. L'artiste a présenté cette nouvelle incertitude de manière ludique en positionnant le chapeau avec des ornements verts de manière à ce qu'il semble être posé sur la tête de la femme. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Portrait après un bal costumé (Portrait de Madame Dietz-Monnin)

Edgar Degas — 1879

Ceci est l'une des trente-cinq œuvres qui composent la Collection Winterbotham. Cliquez ici pour en savoir plus sur la collection. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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L'Étoile

Edgar Degas — 1879

La danseuse étoile représentée dans le pastel d'Edgar Degas a été identifiée comme la danseuse espagnole Rosita Mauri, qui a quitté la Catalogne pour Paris et a acquis une renommée à l'Opéra de Paris à la fin des années 1870. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Trois études d'une danseuse en quatrième position

Edgar Degas — 1879

Réalisé en préparation de la sculpture Petite danseuse de quatorze ans, ce dessin remarquable représente le modèle Marie van Goethem sous trois perspectives différentes : profil gauche, profil droit et face au spectateur. Edgar Degas souhaitait comprendre la figure sous tous ses angles, en deux dimensions, avant d'aborder la sculpture en trois dimensions. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Village de l'Estérel

Edgar Degas — 1885

Ce paysage fait partie des nombreux monotypes qu'Edgar Degas a produits tout au long de sa carrière. L'œuvre appartient à une série réalisée par Degas lors d'une visite chez un ami dans la campagne française. Son flou rappelle la vue qu'il avait par la fenêtre des trains et des carrosses pendant ses voyages. Pour traduire les effets du temps et du terrain naturel, il a créé des couches de couleur et de texture qui frôlent l'abstraction dans la composition finale.

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Frise de danseuses

Edgar Degas — 1890

Cette peinture pourrait représenter une seule danseuse vue sous quatre angles différents. La jeune femme est placée dans un cadre indéfini, entourée de légers voiles de couleur appliqués si spontanément que la peinture a coulé et dégouliné. Degas a même ajouté les cercles au premier plan avec son pouce. Une telle audace, bien que tolérée dans une petite esquisse, a dû choquer les contemporains de l'artiste lorsqu'elle a été présentée sur une toile de six pieds. L'idée de combiner plusieurs vues d'une même figure est tout aussi radicale. La présentation inhabituelle de Degas a pu être inspirée par les photographies d'Eadweard Muybridge (1830-1904).

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Deux Danseuses

Edgar Degas — 1893

Edgar Degas a immortalisé les danseuses de ballet au repos et en mouvement dans une variété de médias, produisant de nombreux dessins, peintures, estampes et sculptures. Ce sujet a permis à Degas d'étudier le mouvement du corps humain et les contorsions du corps. Dans ce pastel, les artistes attendent derrière les rideaux, dans les coulisses de la scène, et se penchent à la taille, les bras écartés, en préparation pour leur prochaine entrée en scène. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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