Rembrandt — Obras selectas

Un joven con una cadena

Rembrandt van Rijn — 1625

Esta pintura es un ejemplo de un tronie, una palabra neerlandesa que significa “cabeza” o “expresión facial”. Los tronies no estaban destinados a ser retratos identificables, sino investigaciones artísticas de la apariencia facial y el vestuario fantástico. Especialmente en los años alrededor de 1630, Rembrandt utilizó este formato popular para explorar diferentes efectos de iluminación y expresiones faciales. Aquí, el fuerte contraste de luz y sombra modela los contornos del rostro del joven; accesorios inusuales como la bufanda a rayas y el colgante brillante en una cadena enjoyada añaden un toque exótico. Aunque esta pintura lleva el monograma de Rembrandt, la autoría no es segura. Algunos académicos la han atribuido a Isaac de Joudreville (1613–1648), un alumno y colaborador de Rembrandt que pintó tronies comparables con un estilo igualmente suave y elegante.

Colección: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Imagen original ↗

Retrato de una mujer

Rembrandt van Rijn — 1630

A la edad de 25 años, Rembrandt se mudó de su ciudad natal de Leiden a la bulliciosa ciudad de Ámsterdam. En pocos años se convirtió en uno de los pintores de retratos más exitosos de la ciudad, creando semejanzas notablemente vívidas que parecían expresar la personalidad y el alma del retratado. Aquí, Rembrandt utilizó pinceladas suaves y fluidas para recrear la textura suave de la piel de la mujer. En contraste, pinceladas más gruesas y texturizadas resaltan la lujosa exhibición de su collar de encaje y las joyas de oro, detalles que seguramente complacerían a un cliente adinerado. La extraordinaria demanda en ese momento por un retrato de Rembrandt significaba que en muchos casos (incluido, probablemente, este cuadro) recurría a asistentes para ayudar a completar la obra.

Colección: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Imagen original ↗

Viejo con cadena de oro

Rembrandt van Rijn — 1631

Esta figura cautivadora, adornada de manera fantaseosa con un gorguera de acero (una armadura que protege la garganta y el pecho superior), una cadena de oro y una boina con pluma, representa una nueva mercancía en el mercado de arte del norte de Europa: un tronie, o estudio de personajes. Aunque los artistas habían creado tales estudios desde el siglo XVI, Rembrandt y su colega Jan Lievens convirtieron estas imágenes en alternativas más asequibles a los retratos, incrementando su atractivo al introducir elementos visuales audaces como iluminación dramática, vestuarios caprichosos y poses dinámicas. Rembrandt y sus colegas pintaron a este modelo con frecuencia; aunque se le ha llamado "el padre de Rembrandt", investigaciones recientes sugieren que el "Viejo" podría haber sido el encargado de un hospicio en Leiden, Países Bajos. Aunque los tronies eran menos costosos que los retratos por encargo, Rembrandt invertía en ellos tanto talento como en los primeros. La atención prestada a los pliegues de carne bajo los ojos, la barba picante y bien recortada, y los reflejos en la gorguera y la cadena de oro revelan a un pintor talentoso disfrutando de los placeres de la pintura. La prominente cadena de oro aparece en varias obras de los períodos de Leiden y Ámsterdam de Rembrandt: Debe haber tenido una en su estudio. Pero a diferencia de sus aclamados contemporáneos Peter Paul Rubens y Anthony van Dyck, Rembrandt nunca recibió una como regalo de un patrono real. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

Jan Uytenbogaert, “El Pesador de Oro”

Rembrandt van Rijn — 1639

Este grabado del recaudador de impuestos Jan Uytenbogaert marca una de las primeras veces que Rembrandt van Rijn utiliza la técnica de punta seca, no solo como herramienta correctiva, sino como complemento a un aguafuerte. Aquí, la técnica resalta la calidad aterciopelada de la rica prenda de piel del retratado. Rembrandt presenta al hombre como un profesional noble y meticuloso, mientras insinúa simultáneamente su verdadera naturaleza: Uytenbogaert, sentado en medio de una oficina completa con una fina pintura al óleo y un lujoso mantel, extiende la mano hacia la bolsa de oro que se le presenta, agarrándola de una manera casi lasciva. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

El monje en el campo de trigo

Rembrandt van Rijn — 1641

Rembrandt nunca tuvo reparos en mostrar cuerpos desnudos o temas eróticos de manera realista. En la década de 1640 creó varias escenas de parejas cortejándose al aire libre, y "El monje en el campo de trigo" es una de las más cargadas de erotismo de estas estampas. A pesar del tamaño diminuto de la estampa, la representación gráfica de un monje impúdico y una lechera entusiasta acoplándose furtivamente crea un poderoso grupo escultórico. La sugerente figura de un campesino con una guadaña en el fondo refuerza la naturaleza temporal de su refugio en el campo de trigo y acentúa el voyeurismo del espectador. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

Los tres árboles

Rembrandt van Rijn — 1643

Los magistrales 'Tres árboles' de Rembrandt son la mayor estampa paisajística del artista, una creación atmosférica en aguafuerte y punta seca que ejemplifica el drama siempre cambiante de la naturaleza. Frente a la naturaleza, el elemento humano se reduce a un grupo de diminutas figuras, entre ellas un pescador y su desinteresada acompañante a la izquierda, varios vaqueros y dos figuras distantes en las colinas más allá. Una pareja elegantemente vestida se abraza con ternura en un refugio privado en la parte inferior derecha, buscando tanto compañía como refugio contra la tormenta que se avecina. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

Castillo de Kostverloren en Ruinas

Rembrandt van Rijn — 1647

Rembrandt y sus contemporáneos compartían una fascinación por la finca Kostverloren, en parte debido a las sucesivas desgracias que parecían sufrir sus propietarios. Ya en tiempos de Rembrandt, había adquirido su nombre, que se traduce como “gastos perdidos” o, más coloquialmente, “pozo sin fondo”. El sitio enfrentó otro revés cuando gran parte del castillo fue destruida por un incendio. Después de este daño –y antes de su eventual reparación– Rembrandt entró en los terrenos del castillo y registró su estado disminuido. Su énfasis en la decadencia se hace evidente por el árbol caído en primer plano; su marcada horizontalidad contrasta con la majestad desvanecida de las estructuras que alguna vez fueron grandiosas del castillo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

La Concha

Rembrandt van Rijn — 1650

En el siglo XVII, las conchas marinas se convirtieron en objetos de colección populares porque se consideraban raras y exóticas. También se convirtieron en temas comunes para las pinturas de bodegones conocidas como Vanitas, que simbolizan de manera simbólica la transitoriedad de la vida. Los grabados de Wenceslaus Hollar y Rembrandt van Rijn podrían representar la belleza y fragilidad simultáneas de la existencia. Aunque los bodegones son extremadamente raros en la obra de Rembrandt, el grabado de Hollar (1996.609) pertenece a una serie de conchas marinas, compuesta por 38 láminas. La concha de Rembrandt podría haber sido inspirada por el trabajo de Hollar, aunque la decisión de Rembrandt de representar la concha en un espacio tridimensional representa una diferencia marcada entre los dos grabados. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

Paisaje con Tres Casas de Techo a Dos Aguas junto a un Camino

Rembrandt van Rijn — 1650

Quizás el grabador más prolífico de la historia, Rembrandt van Rijn creó cerca de 300 grabados. La mayoría de sus grabados de paisajes fueron realizados en la década de 1640, con algunos, como este, ejecutados a principios de la década de 1650. Rembrandt utilizó sus líneas experimentales de aguafuerte y punta seca para crear efectos tonales. La forma en que los árboles parecen dar sombra al camino y a las casas añade una luminosidad calmante a la imagen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

Paisaje con una torre cuadrada

Rembrandt van Rijn — 1650

A lo largo de su extensa carrera, Rembrandt distribuyó cuidadosamente sus grabados para crear un mercado rentable para ellos. Los géneros populares de la época influenciaron sus elecciones en el grabado, y produjo numerosas vistas de paisajes de sus alrededores en Ámsterdam y más allá. Probablemente, el artista creó 'Paisaje con una torre cuadrada' después de realizar bocetos del natural, grabando y terminando la obra con toques más suaves de punta seca en el estudio. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

San Francisco bajo un árbol rezando

Rembrandt van Rijn — 1657

Rembrandt saturó el oscuro y tintado bosque de su obra San Francisco bajo un árbol rezando con un vello aterciopelado a lo largo de las líneas de punta seca y un tono profundo limpiado selectivamente en toda la plancha. En lugar de reflejar a la Iglesia Reformada Holandesa, esta imagen refleja la visión de la Iglesia Católica Romana en su énfasis en las vidas de los santos y, por lo tanto, puede haber sido un encargo privado. El inusualmente anciano San Francisco mira hacia un gran crucifijo, que podría ser real o imaginario, dentro del claro del bosque y le habla directamente. Con la cabeza inclinada y la boca abierta, Francisco no es pasivo en su oración, sino más bien un defensor activo del cristianismo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

Desnudo femenino reclinado

Rembrandt van Rijn — 1658

Los expertos han debatido ampliamente la elección de Rembrandt de un modelo de piel clara u oscura para este grabado magníficamente ambiguo. En el siglo XVIII, su título cambió a variaciones de Negra Reclinada. Rembrandt sí retrató a una modelo africana alrededor de 1630, pero no está claro si esta impresión, realizada mucho después, representaba a otra modelo. El fuerte contraste entre la oscuridad cavernosa y las luminosas sábanas sugiere el interés del artista por representar el juego de la luz sobre la piel. El uso característico de Rembrandt de un soporte de papel japonés realza aún más el calor del cuerpo desnudo, muy real y muy cálido. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

Júpiter y Antíope: La plancha mayor

Rembrandt van Rijn — 1659

Un poco más tarde que las escenas de cortejo al fresco de Rembrandt de la década de 1640, esta obra mitológica al aire libre representa una de las muchas conquistas mortales del dios Júpiter. Júpiter aparece disfrazado de sátiro con cuernos y coronado que encuentra a la ninfa Antíope durmiendo desnuda en un claro del bosque. Antíope permanece dormida mientras él delicadamente retira su sábana y examina su cuerpo con aprecio. La relación entre la perspectiva del espectador y la de las figuras es cercana; parece que casi entramos en el claro y en la cama de Antíope, junto con el intruso dios. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

Desnudo femenino sentado

Rembrandt van Rijn — 1660

Para Rembrandt van Rijn, la honestidad simple de la visión y la seguridad de la línea eran mucho más importantes que la glorificación clásica del desnudo. Se centró en este tema solo durante ciertas fases de su carrera, y muy pocos de los estudios resultantes, que utilizó para preparar representaciones bíblicas o mitológicas, sobreviven hoy en día. Esta forma fuerte es una obra tardía y uno de los únicos cuatro dibujos del desnudo femenino atribuidos a Rembrandt con certeza. A diferencia del realismo casi científico de sus desnudos anteriores, sus estudios tardíos son menos detallados y más pictóricos. Logró una expresión máxima con un mínimo de medios. Renderizada con un tratamiento rápido usando pincel y la caña de junco romo que el artista prefería en sus últimos años, esta figura amplia proyecta una presencia contundente. Su rostro es generalizado y sus sentimientos se sugieren a través de su pose contemplativa. Su forma simple y su inmovilidad externa parecen aumentar la sensación del espectador de su vitalidad interior. En Desnudo femenino sentado, las pinceladas y el trabajo de pincel de Rembrandt se integran con la máxima ligereza y perfección; la pluma enfatiza características estructurales, mientras que el pincel proporciona un tono transparente y atmosférico que vincula figura y espacio. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗

El Arca de Noé

Rembrandt van Rijn — 1660

Entre sus usos más expresivos del cálamo, este dibujo es una representación completamente realizada de la familia de Noé subiendo al arca antes del gran diluvio descrito en el Libro del Génesis del Antiguo Testamento. La embarcación ocupa todo el ancho de la hoja, y Rembrandt enfatizó el acto de partida colocando figuras en la esquina inferior izquierda que gesticulan hacia adentro, como indicando a dónde irán pronto. Rembrandt dibujó un borde—aunque algo desordenado—alrededor del perímetro de su composición, indicando su satisfacción con su interpretación del conocido tema bíblico. Este tipo de escena con múltiples figuras y una fuente literaria proporcionó el estándar que muchos de sus alumnos aspiraban a igualar. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Colección: The Art Institute of Chicago · CC0 · Imagen original ↗