Monet — Obras selectas

La Playa de Sainte-Adresse

Claude Monet — 1867

En el verano de 1867, Claude Monet se hospedó con su tía en Sainte-Adresse, un suburbio acomodado de la ciudad portuaria de Le Havre, en el norte de Francia. El artista estaba familiarizado con el paisaje, ya que creció en la zona, pero la región cambió significativamente durante su vida. La expansión de la red ferroviaria del país transformó este pequeño y rural pueblo pesquero en un balneario para turistas. Aquí, Monet insinuó esta transformación. El espectador es atraído inmediatamente por los aspectos visibles de la vida local: barcos pesqueros con velas oscuras se deslizan en el agua, con grupos de pescadores, su equipo y otras embarcaciones en la orilla. Los barcos varados enmarcan a dos figuras sentadas en la costa, resaltadas por unas pocas pinceladas de pintura roja y amarilla: un hombre con sombrero oscuro y traje mira a través de un telescopio, acompañado por una mujer con sombrero de paja adornado con una cinta escarlata. La presencia de esta pareja—sin duda veraneantes, dado su atuendo a la moda—cambia lo que podría haber sido una escena costera tradicional en una pintura de la vida moderna, una de las primeras exploraciones del turismo por parte del artista. Monet comenzó esta pintura al aire libre y la revisó más tarde en su estudio. La investigación de conservación ha revelado que cambió de opinión sobre la composición mientras trabajaba: inicialmente incluyó otras figuras de turistas y yates en la escena, pero más tarde pintó sobre estos detalles, centrando su atención en los pescadores, el aspecto de la vida en Sainte-Adresse que mejor conocía. Los paisajes marinos de Monet de ese verano son notablemente diferentes de los pintados solo unos pocos años antes, y La playa de Sainte-Adresse ejemplifica su técnica de pintura en evolución. También presagia algunas de las cualidades que se convertirían en características del movimiento impresionista, que quizás sea la razón por la que Monet eligió mostrarla en la segunda exposición impresionista en 1876, casi diez años después de haberla pintado. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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El pañuelo rojo, retrato de Madame Monet

Claude Monet — 1868

Esta pintura retrata a Camille, la primera esposa de Monet, en un día nevado, pasando por las puertas francesas de su casa en Argenteuil. Su rostro está representado con una técnica impresionista radicalmente audaz de simples pinceladas rápidas, al igual que la nieve y los árboles, definidos por amplios y fragmentados trazos de blanco puro y verde.

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A orillas del agua, Bennecourt

Claude Monet — 1868

Aquí la futura esposa de Claude Monet, Camille Doncieux, se sienta en una isla en el río Sena, mirando hacia la aldea de Gloton, junto al pueblo de Bennecourt, desde donde presumiblemente ella y Monet han remado. Esta es la única pintura que ha sobrevivido del breve período que la pareja pasó en Gloton, lugar que el novelista Émile Zola recomendó a Monet como un retiro rural económico y de fácil acceso desde París. Los pentimenti (huellas visibles de una pintura anterior bajo una capa o capas de pintura) sugieren que en una etapa temprana de la pintura, Camille sostenía un niño con sombrero, presumiblemente el bebé de la pareja, Jean. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La Casa del Artista en Argenteuil

Claude Monet — 1873

Claude Monet y su familia vivieron en Argenteuil, en las afueras de París, de 1871 a 1878. Aquí representó a su hijo, Jean, de cinco o seis años, jugando con un aro y a su esposa, Camille, de pie en la puerta de su casa cubierta de enredaderas. El clima agradable y el jardín cuidadosamente mantenido, precursor del célebre jardín del artista en Giverny, transmiten una sensación de tranquilidad y bienestar en esta pintura. Este fue un período de seguridad financiera para Monet, gracias a las ventas recientes de su obra al marchante de arte parisino Paul Durand-Ruel. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Llegada del tren de Normandía, estación Saint-Lazare

Claude Monet — 1877

Uno de los aspectos más vanguardistas de los impresionistas fue su elección de temas, que frecuentemente incluía escenas derivadas del París moderno e industrial, desde puentes de hierro hasta pabellones de exposiciones y cobertizos de trenes. La estación de tren de Saint-Lazare habría sido una vista familiar y significativa para Claude Monet en la década de 1870. La terminal conectaba París con Normandía, donde el artista desarrolló su técnica de pintura al aire libre en la década de 1860. También era el punto de partida para las ciudades y pueblos al oeste y norte de París que los impresionistas visitaban con frecuencia. Monet completó ocho de sus doce pinturas conocidas de la Gare Saint-Lazare a tiempo para la tercera exposición impresionista en 1877, probablemente exhibiéndolas en la misma galería. Monet eligió centrar su atención aquí en el cobertizo de trenes de vidrio y hierro, donde encontró una atractiva combinación de efectos artificiales y naturales—el vapor ascendente de las locomotoras atrapado dentro de la estructura y la luz del día penetrando grandes secciones acristaladas del techo, por ejemplo. Las representaciones de la estación por parte de Monet inauguraron lo que se convertiría en un patrón establecido para él de pintar un motivo específico repetidamente para capturar cambios sutiles y temporales del ambiente, como en su famosa serie de almiares. Pero las pinturas de Saint-Lazare también representaron su último intento de capturar la vida urbana: a partir de este punto en su carrera, Monet se dedicó en gran medida a los paisajes. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Manzanas y uvas

Claude Monet — 1880

Claude Monet probablemente pintó este y otros bodegones en 1879-80, sabiendo que serían más comercializables que sus paisajes. En "Manzanas y uvas", sin embargo, empleó la complejidad de color, luz y textura que se encuentra en sus paisajes más impresionistas. Esto es particularmente evidente en la extensa superficie del mantel: el juego de luz sobre las pinceladas horizontales (indicando los pliegues en el mantel) recuerda lienzos anteriores en los que Monet utilizó horizontales cortos de colores variados para sugerir el agua ondulando bajo el sol. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Paseo por el acantilado, Pourville

Claude Monet — 1882

En febrero de 1882, Claude Monet fue a Normandía a pintar, en una de las muchas expediciones que realizó durante la década de 1880. Este viaje también fue una retirada de las presiones personales y profesionales. Su esposa, Camille, había muerto tres años antes, y Monet había iniciado una convivencia con Alice Hoschedé (a quien se casaría en 1892, después de la muerte de su esposo). Francia se encontraba en medio de una larga recesión económica que afectaba las ventas de Monet. Además, el artista no estaba entusiasmado con la próxima séptima exposición impresionista—las divisiones dentro del grupo se habían vuelto pronunciadas en ese momento—y delegó la responsabilidad de su contribución a su comerciante, Paul Durand-Ruel. Decepcionado con el área alrededor de la ciudad portuaria de Dieppe, que encontró demasiado urbana, Monet se estableció en Pourville y permaneció en este pueblo pesquero hasta mediados de abril. Se enamoró cada vez más de los alrededores, escribiendo a Hoschedé y sus hijos: "¡Qué hermoso está convirtiéndose el campo, y qué alegría sería para mí mostrarles todos sus encantadores rincones y recovecos!" Pudo hacerlo en junio, cuando se unieron a él en Pourville. Las dos jóvenes que pasean en Camino por el acantilado en Pourville son probablemente Marthe y Blanche, las hijas mayores de Hoschedé. En esta obra, Monet abordó el problema de insertar figuras en un paisaje sin alterar la unidad de su superficie pictórica. Integró estos elementos entre sí a través de la textura y el color. La hierba—compuesta por pinceladas cortas, enérgicas y curvas—parece temblar con la brisa, y versiones sutilmente modificadas de las mismas pinceladas y tonos sugieren los vestidos y chales de las mujeres azotados por el viento y la ondulación del mar. Radiografías X muestran que Monet redujo el saliente rocoso a la derecha para equilibrar las proporciones de mar y cielo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Bordighera

Claude Monet — 1884

A principios de 1884, Claude Monet viajó a Bordighera, una localidad en la Riviera Italiana cerca de la frontera entre Italia y Francia, para una visita de trabajo de tres semanas que se convirtió en casi tres meses. En una carta al escultor Auguste Rodin describiendo sus esfuerzos por captar la brillante luz del Mediterráneo, Monet declaró que estaba “lidiando y luchando con el sol”. En otras cartas se quejaba de la imposibilidad de encontrar un tema adecuado entre la abundante vegetación de la región. En esta composición bañada por el sol pintada desde un punto de vista en lo alto de una colina, el mar es apenas visible a través de los entrelazados troncos de los pinos locales. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Almiares, fin del verano

Claude Monet — 1890

Los monumentales almiares que Claude Monet representó en su serie Los almiares se elevaban de quince a veinte pies y estaban justo afuera de la casa del artista en Giverny. Durante 1890 y 1891, trabajó en esta serie tanto en el campo, pintando simultáneamente en varios caballetes, como en el estudio, refinando las armonías pictóricas. En mayo de 1891, Monet colgó quince de estos lienzos uno junto al otro en una pequeña sala de la Galerie Durand-Ruel en París. Un éxito crítico y financiero sin precedentes, la exposición marcó un avance en la carrera de Monet, así como en la historia del arte francés. En esta vista, y en casi todas las vistas de otoño de la serie, las cimas cónicas de los almiares rompen el horizonte e irrumpen en el cielo. Pero en la mayoría de las vistas de invierno, que constituyen el núcleo de la serie, los almiares parecen envueltos por bandas de colina y campo, como si estuvieran arropados para la temporada. Para Monet, el almiar era un símbolo resonante de sustento y supervivencia. Siguió este grupo con otras series que representaban álamos, la fachada de la catedral de Rouen, y más tarde, su propio jardín en Giverny. El Art Institute posee el grupo más grande de Los almiares de Monet en el mundo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Campo de amapolas (Giverny)

Claude Monet — 1890

En julio de 1890, Claude Monet comenzó cuatro lienzos de dimensiones casi idénticas que muestran campos de amapolas cerca de su hogar en Giverny. Aunque no consideró estos como una serie, al contrario de las 25 pinturas de montones de trigo que comenzó poco después de la cosecha ese mismo verano, las obras ciertamente muestran su creciente interés en desarrollar varios lienzos a la vez. También demuestran un toque mucho más homogéneo que los paisajes de brochazo libre de su carrera anterior, con superficies que tienen una materialidad parecida a la de un tapiz. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Brazo del Sena cerca de Giverny (Niebla)

Claude Monet — 1897

Este paisaje plácido es el resultado de un proceso creativo enérgico. Durante meses, Claude Monet se levantaba antes del amanecer para viajar en bote de remos al mismo lugar en el río Sena, donde pintaba simultáneamente 14 lienzos, reeditándolos a medida que la luz cambiaba. Aunque esta pintura parece nebulosa y vaga, Monet tomó decisiones técnicas deliberadas; por ejemplo, difuminando una línea de horizonte que una vez fue distinta con pinceladas vigorosamente mezcladas que se vuelven más sueltas a medida que se expanden hacia afuera. Monet encargó de forma personalizada el lienzo casi cuadrado, una forma inusual que contribuye a la naturaleza desorientadora de la escena, la mitad de la cual representa un reflejo en el agua. Al difundir el paisaje mediante estas técnicas, Monet intentaba capturar la transitoriedad de la luz y la niebla, un tema que persiguió a lo largo de su carrera. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Estanque de nenúfares

Claude Monet — 1900

En 1893, tres años después de comprar su propiedad en Giverny, Claude Monet comenzó a transformar el terreno pantanoso detrás de su casa en un estanque, en cuyo extremo más estrecho construyó un puente de madera de estilo japonés. Añadiendo tanto plantas exóticas como domésticas, incluyendo sus famosos nenúfares, el artista creó el jardín que sería uno de sus principales temas durante el resto de su vida. "El estanque de los nenúfares" fue una de las 18 versiones similares de este motivo que realizó entre 1899 y 1900; su tema común era la mezcla de los nenúfares con los reflejos de otras vegetaciones en la superficie del agua. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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El Parlamento, Londres

Claude Monet — 1900

Durante sus campañas londinenses, Claude Monet pintó las Casas del Parlamento al atardecer y al anochecer desde una terraza en el Hospital de Saint Thomas. Este punto de vista era cercano al del artista inglés J. M. W. Turner en sus visionarias pinturas del incendio que destruyó gran parte del antiguo complejo del Parlamento en 1834. Sin embargo, en su respuesta a la poesía del crepúsculo y la niebla, Monet se inspiró realmente en el trabajo de un pintor más reciente del Támesis, el estadounidense James McNeill Whistler. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Nenúfares

Claude Monet — 1906

Claude Monet no podía imaginar que el jardín acuático que creó tres años después de comprar su propiedad en Giverny, Francia, en 1890 se convertiría en su principal fuente de inspiración durante los siguientes dos décadas y media. Estas pinturas, que suman alrededor de 250, marcan el viaje artístico de Monet desde representaciones más sencillas del estanque atravesado por el puente japonés de madera hasta la serie monumental y casi abstracta sobre el tema de los nenúfares que realizó en preparación para sus murales en el Musée de l'Orangerie en París entre 1914 y 1926. "Nenúfares", una de un grupo de pinturas sobre el tema realizadas entre 1903 y 1908, se sitúa en el punto medio del desarrollo estilístico de Monet y sus experimentaciones espaciales. El formato casi cuadrado subraya su alejamiento de pintar las zonas convencionales de tierra, cielo y agua para centrarse únicamente en la superficie del agua. Agrupaciones de nenúfares en la parte inferior izquierda y superior derecha enmarcan un camino acuático, mientras que la superficie del agua refleja árboles y nubes. Aunque la cualidad onírica de las formas flotantes podría parecer un desarrollo natural para el artista, él consideraba estas obras "una obsesión", un sentimiento corroborado por los exámenes técnicos realizados al lienzo del Art Institute, que revelan muchos cambios significativos realizados a la pintura en progreso. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Nenúfares (Agapantos)

Claude Monet — 1915

Un hábil horticultor además de artista, Claude Monet pasó los últimos 30 años de su vida pintando el jardín privado que diseñó y ayudó a cultivar en su hogar en Giverny, en el norte de Francia. Los lienzos resultantes son notables por sus variados motivos, formatos y tamaños. Monumental en escala, esta interpretación de su estanque de nenúfares se centra en los efectos momentáneos de la luz solar mientras penetra y se refleja en su superficie brillante. Al enfocarse en el agua y omitir su horizonte y las riberas circundantes, Monet sugiere una expanse ilimitada, una percepción amplificada por el formato horizontal vasto del cuadro que llena el campo visual del espectador.

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