Manet — Obras selectas

El niño con el cántaro (La Régalade)

Édouard Manet — 1862

Radiografías han revelado que esta pintura es un fragmento de Les Gitanos, un gran retrato de una familia itinerante que Édouard Manet exhibió en 1863 y 1867. Al parecer, insatisfecho con la composición, cortó la pintura en secciones, que reconvirtió en obras de arte individuales. Dos de estas secciones, Bohémien y Bodegón con bolsa y ajo, están en la colección del Louvre Abu Dhabi; la sección final, Bohémienne, está perdida. Para convertir esta porción en una obra independiente, Manet pintó sobre la cabeza de la mujer, que originalmente estaba bajo el hombro del niño, y reemplazó el cielo azul con un fondo oscuro. Luego renombró la pintura como La Régalade, que significa verter líquido de una botella por la garganta sin tocar los labios. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Naturaleza muerta con peces

Édouard Manet — 1864

Aunque los conjuntos de naturalezas muertas fueron un elemento importante en muchas de las grandes pinturas del artista de vanguardia Édouard Manet, su interés más sostenido en el género en sí ocurrió entre 1864 y 1865, cuando pintó Peces. El enfoque de Manet en las naturalezas muertas coincidió con la aceptación gradual del género durante el siglo XIX, debido en parte al crecimiento de la clase media, cuyos gustos se inclinaban hacia obras íntimas y de precio moderado. Esta pintura, al igual que muchas de las composiciones de naturalezas muertas de Manet, recuerda a los modelos holandeses del siglo XVII. Sin embargo, la ejecución directa, el audaz uso del pincel y la inmediatez de visión mostrada en el lienzo sugieren por qué el público consideraba las obras de Manet tan poco convencionales y provocativas. Aunque Peces es realmente una imagen de "naturaleza muerta" (nature morte es el término en francés para naturaleza muerta), no hay nada inmóvil en la obra: los productos parecen frescos y el tratamiento de la pintura es vigoroso. El dinamismo de la composición se ve acentuado por la colocación del carpa, que contrasta con la fuerte diagonal de los otros elementos. Manet nunca presentó sus naturalezas muertas al Salón oficial francés; en su lugar, las vendió a través de la creciente red de galerías de arte en París y las regaló a amigos. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Vista del mar, tiempo calmado

Édouard Manet — 1864

Aunque está pintado con pinceladas audaces y casi de forma caligráfica, los barcos en esta composición siguen siendo identificables como tipos específicos. A la derecha del centro, un vapor de ruedas laterales se dirige por el Canal de la Mancha, dejando detrás a los botes de vela más lentos. Esta es una de las primeras pinturas de Édouard Manet sobre el mar, un tema al que regresó repetidamente. La pintó en París junto con dos o tres obras más basadas en bocetos que realizó durante unas vacaciones con su familia en el puerto del norte de Francia de Boulogne-sur-Mer. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Jesús insultado por los soldados

Édouard Manet — 1865

céptico” de caña y una capa púrpura, todo destinado a ridiculizarlo como "Rey de los Judíos", un título otorgado irónicamente por sus torturadores. Manet transformó esta narrativa sagrada en un drama crudo que fusiona el realismo con la teatralidad. Presentó a Jesús de frente, enfatizando su vulnerabilidad y fisicalidad humana. Jesús parece exhausto y débil. Las pinceladas visibles del lienzo y la paleta de colores crean una sensación de materialidad que evoca aún más a un Cristo palpable y no idealizado, que notablemente carece de halo. ¿Es un ser sagrado emanando luz divina o un hombre real posando bajo un foco de estudio? En su tiempo, la pintura causó un escándalo precisamente por esta ambigüedad. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Filósofo (mendigo con chaqueta de abrigo)

Édouard Manet — 1865

Esta pintura y El mendigo con ostras fueron concebidas como piezas complementarias. Édouard Manet las expuso juntas en 1872 junto con pinturas de un bebedor de absenta y un recogedor de trapos (recolector y revendedor de telares desechados y otros desperdicios) bajo el título colectivo Los filósofos. Cuando Manet realizó las pinturas, estos “mendigos”, como se les refería en esa época, estaban siendo empujados a los márgenes físicos y sociales de París mientras la ciudad se redecoraba rápidamente para dar paso a vecindarios más burgueses. Aunque nació en una familia de clase alta, Manet era un forastero en los círculos artísticos establecidos de Francia y probablemente se identificaba con estos sujetos alienados. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Corrida de toros

Édouard Manet — 1865

En el otoño de 1865, Édouard Manet viajó a España durante unos diez días. Este breve viaje impactó profundamente su arte de ese período. En una carta al poeta Charles Baudelaire, describió una corrida de toros a la que asistió en Madrid como “uno de los espectáculos más hermosos, curiosos y aterradores que se pueden ver”. Los bocetos rápidos que hizo mientras observaba las corridas influyeron en varios lienzos posteriores, incluido este. Aquí, enfatizó la tensión del momento: la multitud en el fondo se funde en un desenfoque mientras el torero y el toro se enfrentan en un enfoque más nítido. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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El Filósofo (mendigo con ostras)

Édouard Manet — 1865

Junto con Mendigo con abrigo de lona, Mendigo con ostras formaba parte de una serie de cuatro pinturas colectivamente llamadas Los filósofos. El título hace referencia a las representaciones tradicionales de los antiguos filósofos estoicos, cuya pobreza se asociaba con la sabiduría. Los hombres anónimos en estas pinturas habrían sido reconocibles para el público contemporáneo de Édouard Manet como tipos urbanos: marginados sociales que poblaban las calles de París. Al representarlos a gran escala y situarlos contra fondos vacíos y oscuros, Manet subvirtió las expectativas de la pintura de la época, otorgando a sus figuras una presencia de retrato, incluso heroica, típicamente reservada para sujetos nobles, históricos o religiosos. A través de su formato y el título de la serie, el artista animaba a los espectadores a ver a estas personas a menudo ignoradas como poseedoras de una visión rara. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Las Carreras

Édouard Manet — 1865

"Las carreras de caballos" está basada en la pintura de Manet "Las carreras en Longchamp". Sin embargo, la litografía transmite la emoción de las carreras de caballos incluso más que la pintura. La energía y el movimiento se sugieren mediante líneas audaces y rápidas, así como por manchas curvadas y rápidas. El uso desenfrenado y espontáneo del crayón litográfico anticipa la expresividad del grabado del siglo XX.

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Las Carreras en Longchamp

Édouard Manet — 1866

Esta pintura ejecutada con libertad captura el emocionante final de una carrera de caballos en Longchamp, ubicado en el Bois de Boulogne, en el extremo occidental de París. Aquí, Édouard Manet se aparta radicalmente de las representaciones convencionales del deporte, en las que las carreras se mostraban desde un lado con los caballos en perfil. En cambio, los competidores galopan estruendosamente hacia el espectador, levantando una nube de césped, su ritmo subrayado por las diagonales barridas de las vallas del hipódromo. En Francia, las carreras de caballos se convirtieron en una forma importante de entretenimiento popular durante el siglo XIX. Importado de Inglaterra, el hipódromo—con su velocidad, espectáculo y lujo—era un espacio esencialmente moderno. En la pintura de Manet, una multitud de hombres y mujeres elegantemente vestidos se agolpa contra las vallas para presenciar el evento; un hombre, en la parte superior izquierda, utiliza binoculares para observar mejor la carrera. A diferencia de su amigo Edgar Degas, para quien el hipódromo fue una constante fuente de inspiración, Manet realizó solo dos pinturas sobre el tema. Originalmente una composición mucho más grande, este lienzo fue recortado por el artista hasta su escala actual. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Retrato de una mujer con un fichú negro

Édouard Manet — 1873

Con solo unas pocas pinceladas, Manet capturó por completo la alegre personalidad de esta modelo no identificada. Su media sonrisa divertida puede reflejar un intercambio agradable entre el artista y la modelo. Esta pintura ofrece una valiosa perspectiva sobre el proceso de trabajo de Manet. Inicialmente delineó la figura con líneas oscuras pintadas y luego pasó a aplicar pinceladas cortas y precisas en el traje y el rostro. Finalmente, aplicó un lavado verde diluido que probablemente fue el primer paso hacia un fondo con patrones, que quedó sin terminar. El peinado de la mujer, un recogido de cabello azul-negro con rizos en la frente, ayuda a fechar esta obra a finales de la década de 1870. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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En el café

Édouard Manet — 1874

Esta estampa de Édouard Manet representa el Café Guerbois, un punto de encuentro para los artistas impresionistas en el París del siglo XIX. Aunque es más conocido por sus pinturas, el artista fue un entusiasta grabador a lo largo de toda su carrera. Aquí, experimentó con el gillotage —una técnica nueva en esa época— para sugerir las líneas rápidas y esbozadas del dibujo, haciendo que la imagen parezca haber sido creada de manera rápida y espontánea.

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Retrato de Berthe Morisot con un Abanico

Édouard Manet — 1874

Édouard Manet representó a su amiga cercana, la artista Berthe Morisot, en doce ocasiones entre 1868 y 1874, utilizando grabado, litografía, óleo y acuarela. En esta acuarela, Manet empleó una paleta limitada y una combinación de técnicas para representar a Morisot contra un fondo azul verdoso. Trabajó con la técnica húmedo sobre húmedo para su vestido, aplicando pigmento mojado sobre una superficie ya húmeda antes de que tuviera tiempo de secarse, lo que permitió que las marcas se fusionaran y mezclaran entre sí. Luego, Manet utilizó la técnica del pincel seco para enfatizar la textura de la tela de su vestido y el lazo en su cabello. Ambas texturas contrastan con la relativa planitud del fondo apagado, haciendo que la figura destaque. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Posado sobre un Busto de Palas

Édouard Manet — 1875

Édouard Manet creó esta litografía para la traducción al francés de 1875 de su amigo Stéphane Mallarmé del poema clásico del escritor estadounidense Edgar Allan Poe, “El cuervo” (1845), que narra la historia de un hombre que llora la muerte de su amada y es visitado por un cuervo que repite constantemente “Nevermore” (Nunca más). La edición de Mallarmé es considerada uno de los primeros modernos livres d’artistes, libros creados específicamente como obras de arte visual. Manet realizó cuatro ilustraciones a página completa, incluyendo la escena en la que el cuervo observa al narrador desde la cima del busto de la diosa Atenea, y un diseño de cabeza de cuervo utilizado en la portada del libro y en el cartel publicitario.

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Claire Campbell

Édouard Manet — 1876

Durante finales de la década de 1870, Edouard Manet comenzó a experimentar problemas de salud que le dificultaron trabajar en la pintura al óleo. En su lugar, comenzó a dibujar usando pastel, un medio polvoriento que le permitía trazar líneas y color con cada trazo. Esta obra es uno de los numerosos retratos que Manet creó en esa época utilizando este medio. Representa a Claire Campbell, una joven británica de moda cuyo padre era el editor de The Daily Telegraph, un periódico británico. Manet utilizó la textura aterciopelada del pastel para representar la piel y el cabello del sujeto, limitando su paleta principalmente a tonos neutros como el blanco, gris y negro.

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La lectora

Édouard Manet — 1880

Durante el último tercio del siglo XIX, los cafés parisinos eran lugares de encuentro para artistas y escritores, y ubicaciones ideales para observar la escena urbana. Muchas pinturas impresionistas retratan el Café Nouvelle-Athènes en la rue Pigalle, donde dos mesas estaban reservadas para Édouard Manet y su círculo, un grupo que incluía a los pintores Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro y Pierre-Auguste Renoir, y a los escritores Charles Baudelaire y Émile Zola. A primera vista, esta joven vestida a la moda parece haber sido capturada sentada en un café favorito: la mesa de mármol, la jarra de cerveza y la revista pegada a una barra de madera sugieren tal escenario, y su ropa gruesa y guantes de cabritilla indican que está en una mesa al aire libre y que el clima es fresco. Sin embargo, el fondo floral es en realidad una de las pinturas de Manet y el café es una recreación en su estudio. Mujer leyendo es una de las imágenes más impresionistas de Manet; las pinceladas rápidas y libres y los colores claros son característicos de su técnica en la última etapa de su carrera. Pintada solo unos años antes de su muerte, esta obra captura admirablemente un momento fugaz, el sentido de la vida moderna que Manet y sus contemporáneos buscaban representar. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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