Gauguin — Obras selectas

Cabeza de una Mujer de Tahití

Paul Gauguin — 1891

Este dibujo pertenece a un grupo de retratos de tahitianos altamente terminados realizados por Paul Gauguin poco después de su llegada a los Mares del Sur. Mientras se acostumbraba a este nuevo lugar, Gauguin inicialmente evitó pintar, prefiriendo primero familiarizarse con el paisaje y las personas a través de la observación y el dibujo. La calidad meticulosa de este estudio en grafito sugiere que fue realizado del natural. El rostro noble de la mujer y su enigmática expresión aluden a la espiritualidad y la melancolía que Gauguin buscaba evocar en su obra polinesia.

Colección: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Imagen original ↗

Te raau rahi (El Gran Árbol)

Paul Gauguin — 1891

Asqueado por el materialismo de la sociedad europea, Gauguin abandonó a su familia y su carrera como corredor de bolsa, y partió hacia Tahití en 1891. Este lienzo es una de las primeras pinturas que completó en la isla. Sus colores ricos y figuras estilizadas estaban destinados a ser tanto simbólicos como misteriosos, evocando pensamientos y emociones privadas. "Obtengo sinfonías", escribió, "armonías que no representan nada real en el sentido absoluto de la palabra."

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Arlesianas (Mistral)

Paul Gauguin — 1888

Durante el invierno de 1888, Paul Gauguin pasó dos problemáticos meses con Vincent van Gogh en la ciudad sureña de Arles, en Francia. Pintó la enigmática obra Arlesianas (Mistral) durante esta estancia. El tiempo que los pintores compartieron juntos estaba destinado a ser el inicio de una colonia de artistas, pero su relación se volvió cada vez más tensa y la salud mental de Van Gogh se deterioró. Frente a la casa que compartían, el cuadro representa a cuatro mujeres procesionando sombríamente a través de un jardín público. El espacio tiene una inclinación radical hacia arriba, y las formas tridimensionales complejas se reducen a formas simples y planas. Por ejemplo, dos conos gemelos de color naranja-amarillo—probablemente cubiertas de heno para proteger las plantas de la escarcha—se alzan a la derecha como figuras humanas abstractas. Envuelven en oscuros chales a las dos mujeres más cercanas, que cubren sus bocas contra el aire helado. Sus gestos son retraídos e introspectivos, y su paso parece estar bloqueado por una brillante valla roja y un gran arbusto verde. Quizás el elemento más extraño de la composición sea la aparición de un rostro dentro del arbusto. Este rostro—una inclusión intencional del artista—añade una presencia inquietante y vigilante a la escena. Ejemplifica la exploración de Gauguin de lo que él creía eran los misterios que impregnan la vida cotidiana. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Nave Nave Fenua (Isla Fragante)

Paul Gauguin — 1893

En 1891, Paul Gauguin viajó a Tahití, buscando un estilo de creación artística más auténtico que el conservadurismo que rechazaba en la cultura occidental. Tras regresar a París en 1893, comenzó a trabajar en Noa Noa, un libro ilustrado que explicaba e ilustraba sus experiencias en el extranjero. Aunque el proyecto nunca se completó, esta estampa es una de sus ilustraciones. Gauguin representó un paisaje exuberante tallando ásperamente en un bloque de madera, una técnica destinada a evocar la escultura en relieve que observó en Tahití.

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En las olas

Paul Gauguin — 1889

Pintada en Pont-Aven, en el noroeste de Francia, esta representación de una figura desnuda lanzándose al mar sugiere una metáfora de una mujer europea moderna que abandona la civilización para entregarse a sus instintos naturales y primitivos. Las líneas simplificadas y los colores exagerados, especialmente el contraste entre el verde y el naranja, parecen inventados más que observados de la realidad. Al exhibir la pintura en el Café Volpini de París en 1889, Gauguin se consolidó como líder del movimiento simbolista en el arte.

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Mujer frente a una naturaleza muerta de Cézanne

Paul Gauguin — 1890

La mujer sentada aquí sigue siendo no identificada, pero el bodegón que domina el fondo es bien conocido: Bodegón con plato de frutas de Paul Cézanne (1879–80; Museo de Arte Moderno, Nueva York). La versión de Gauguin es casi del mismo tamaño que el original. En ciertos aspectos de la composición, Gauguin emuló el estilo de Cézanne, como la forma en que aplanó el plano de la imagen para que la mujer parezca inclinarse hacia adelante y salirse de su silla. Antes de convertirse en artista, Gauguin fue un coleccionista de arte. El bodegón de Cézanne —una de las cinco o seis obras del artista en la colección de Gauguin—fue una referencia en su formación artística. Es posible que Cézanne se refiriera a esta obra cuando acusó a Gauguin de robar su estilo, al que llamaba su “pequeña sensación”. Esta es una de las treinta y cinco obras que conforman la Colección Winterbotham. Haga clic aquí para obtener más información sobre la colección. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Te raau rahi (El Gran Árbol)

Paul Gauguin — 1891

“Todo en el paisaje me deslumbró y cegó”, escribió Paul Gauguin sobre sus primeros meses en Tahití. Aquí, mostró la variedad de frondosos árboles frutales de la isla, incluyendo un hotu de tronco grueso y color violeta a la izquierda; delgados árboles de mango y cocoteros; y tres plantas de banano cortas con hojas exuberantes y desplegadas. En primer plano, un hombre utiliza un palo para partir un coco y una familia descansa en el pasto con un perro durmiendo a su lado. La tela de la pintura, toscamente tejida y hecha de materia fibrosa (yute), es visible a través de la capa de pintura. Más barata y más fácil de conseguir que la tela tradicional, este material de soporte ofrece a la obra una textura rústica y orgánica. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Te burao (El árbol de hibisco)

Paul Gauguin — 1892

Completado al inicio de la primera estancia de Paul Gauguin en Tahití, este paisaje muestra al artista enfrentándose a la representación de un entorno desconocido. En lugar de documentar especies botánicas científicamente, Gauguin se centró en el potencial artístico de sus variaciones de colores, texturas y formas. La figura humana en la distancia y el perro vagando entre las ramas caídas activan el paisaje y establecen una sensación de escala. Esta es una de las treinta y cinco obras que componen la Colección Winterbotham. Haga clic aquí para obtener más información sobre la colección. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Merahi metua no Tehamana (Los Ancestros de Tehamana)

Paul Gauguin — 1893

En este retrato, la joven tahitiana de 13 años llamada Tehamana aparece estoica, con los hombros cuadrados y la mirada firme. Lleva un vestido misionero y sostiene un abanico samoano mientras flores blancas caen de su cabello. El mango maduro a su lado alude a la fertilidad. En el fondo, Gauguin combinó varios emblemas no europeos: glifos derivados de una tablilla de la Isla de Pascua y una deidad femenina inspirada en fuentes polinesias e hindúes, para construir una sensación genérica de extranjería y misterio, transformando a Tehamana en la encarnación de su propio deseo. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Mahana no atua (El Día de Dios)

Paul Gauguin — 1894

En este paraíso tropical de invención del artista, una deidad preside sobre figuras que caminan y descansan en un terraplén. Arregladas rítmicamente en grupos de dos y tres, las figuras aparecen más como formas simbólicas que como retratos de individuos. Pozas de agua en zonas abstractas e interconectadas de color ácido rodean los pies de un bañista, flanqueado por dos figuras en decúbito—o tal vez la misma persona vista desde dos ángulos. A diferencia de sus otros paisajes inspirados en Tahití, esta pintura fue realizada en París poco después del primer viaje de Paul Gauguin a la isla. Extraída de la fantasía y la memoria, la composición psicodélica es una de las obras más abstractas y vanguardistas de la carrera del artista. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La Mujer con higos

Paul Gauguin — 1894

La mujer con higos es una de las dos únicas aguafuertes creadas por Gauguin y fue realizada en colaboración con su amigo Armand Séguin, cuyo domicilio está inscrito en la parte superior izquierda de la impresión. Sin experiencia en la técnica del grabado, Gauguin probablemente dibujó la composición por sí mismo, pero dependió de su amigo para ayudarlo con los aspectos técnicamente más complejos del proceso, como aplicar la base y atacar la placa.

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No te aha oe riri (¿Por qué estás enojada?)

Paul Gauguin — 1896

En este lienzo de gran tamaño, uno de los varios que Paul Gauguin envió de regreso a Francia en 1897, mujeres de diferentes edades parecen llevar su vida diaria dentro de un entorno al aire libre colorido y estilizado. Al igual que gran parte de la obra del artista, esta pintura combina el detalle observado con la fantasía artística para crear una escena onírica cuya narrativa desafía una interpretación simple. El título deliberadamente provocativo de la obra realza este efecto, dejándonos preguntarnos si el “tú” se refiere a alguien en la pintura o al espectador. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Mujer polinesia con niños

Paul Gauguin — 1901

Las tres figuras en esta obra nunca han sido identificadas. Su pose familiar y otros detalles, como el anillo de oro de la mujer y la marca roja en la mano de la niña, invitan a la especulación sobre su relación entre ellas y con el artista. Un análisis técnico ha revelado que Paul Gauguin modificó la posición de las manos de la mujer para alinearlas diagonalmente con las de la joven que está detrás de ella. Juntas, forman un eje ascendente reforzado por el gato, también una adición posterior. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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La Llamada

Paul Gauguin — 1902

Pintada en una isla remota de la Polinesia un año antes de la muerte del artista, La llamada pertenece a una serie de obras tardías que exploran los misterios de la vida y la muerte. Dos mujeres están de pie, con los pies descalzos, como si estuvieran en tierra sagrada. Una de las mujeres hace un gesto hacia alguien fuera de la imagen, tal vez respondiendo a una "llamada" del destino. Gauguin logró su ambición de pintar desde la memoria y la imaginación a través de tales imágenes misteriosas y oníricas.

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Noa Noa: Mahna no varua ino (El diablo habla) (recto)

Paul Gauguin — 1893

En 1893, Paul Gauguin regresó a París tras pasar un tiempo en Tahití. Comenzó a concebir un libro que describiría su vida fuera de Europa y proporcionaría contexto para las obras vanguardistas que creó mientras estuvo fuera. Esta estampa es parte de una serie de diez destinadas a ilustrar este libro, al que Gauguin tituló Noa Noa. Talló cada imagen de forma burda en un bloque de madera y las imprimió él mismo, dándole a las impresiones una calidad tosca que esperaba realzaría su temática. Debido a este proceso, combinado con la práctica del artista de variar sus tintas y papeles mientras trabajaba, las impresiones como esta son prácticamente únicas.

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