Rembrandt — Ausgewählte Werke

Ein junger Mann mit einer Kette

Rembrandt van Rijn — 1625

Dieses Gemälde ist ein Beispiel für eine Tronie, ein niederländisches Wort, das „Kopf“ oder „Gesichtsausdruck“ bedeutet. Tronies waren nicht als identifizierbare Porträts gedacht, sondern als künstlerische Untersuchungen von Gesichtsmerkmalen und fantasievollen Kostümen. Besonders in den Jahren um 1630 nutzte Rembrandt dieses beliebte Format, um verschiedene Lichteffekte und Gesichtsausdrücke zu erforschen. Hier formen der starke Kontrast von Licht und Schatten die Konturen des Gesichts des jungen Mannes; ungewöhnliches Zubehör wie der gestreifte Schal und das funkelnde Anhänger an einer juwelenbesetzten Kette verleihen einen exotischen Touch. Obwohl dieses Gemälde Rembrandts Monogramm trägt, ist die Urheberschaft nicht sicher. Einige Gelehrte haben es Isaac de Joudreville (1613–1648) zugeschrieben, einem Schüler und Mitarbeiter von Rembrandt, der vergleichbare Tronies in einem ähnlich glatten und eleganten Stil malte.

Sammlung: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Originalbild ↗

Porträt einer Frau

Rembrandt van Rijn — 1630

Im Alter von 25 Jahren zog Rembrandt von seiner Heimatstadt Leiden in die pulsierende Stadt Amsterdam. Innerhalb weniger Jahre wurde er zu einem der erfolgreichsten Portraitmaler der Stadt und schuf bemerkenswert lebendige Abbilder, die die Persönlichkeit und Seele der Dargestellten zum Ausdruck brachten. Hier verwendete Rembrandt glatte, fließende Pinselstriche, um die weiche Textur der Haut der Frau nachzubilden. Im Kontrast dazu lenken dickere, strukturiertere Striche die Aufmerksamkeit auf das verschwenderische Display ihrer Spitzenkrause und ihres Goldschmucks – Details, die einen wohlhabenden Kunden sicherlich erfreuen würden. Die außerordentliche Nachfrage nach einem Porträt von Rembrandt zu jener Zeit bedeutete, dass er in vielen Fällen (wahrscheinlich auch bei diesem Gemälde) Assistenten heranzog, um die Arbeit zu vollenden.

Sammlung: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Originalbild ↗

Alter Mann mit einer Goldkette

Rembrandt van Rijn — 1631

Diese eindrucksvolle Figur, fantasievoll geschmückt mit einem Stahlhalskragen (eine Panzerung, die Hals und obere Brust schützt), goldener Kette und mit Federhut, repräsentiert eine neue Ware auf dem Kunstmarkt Nordeuropas: ein Tronie oder Charakterstudie. Während Künstler solche Studien bereits seit den 1500er Jahren geschaffen hatten, machten Rembrandt und sein Kollege Jan Lievens diese Bilder zu erschwinglicheren Alternativen zu Porträts. Sie erhöhten deren Reiz durch die Einführung gewagter visueller Elemente wie dramatischer Beleuchtung, eigenwilliger Kostüme und dynamischer Posen. Rembrandt und seine Kollegen malten dieses Modell häufig; obwohl er als „Rembrandts Vater“ bezeichnet wurde, deutet neuere Forschung darauf hin, dass der „Alte Mann“ möglicherweise der Verwalter eines Armenhauses in Leiden, Niederlande, war. Obwohl „Tronies“ weniger kostspielig als Auftragsbilder waren, investierte Rembrandt genauso viel Können in sie. Die Aufmerksamkeit, die den Falten der Haut unter den Augen, dem stacheligen, sorgfältig gestutzten Bart und den Glanzlichtern im Halskragen und der Goldkette gewidmet wird, zeigt einen talentierten Maler, der die Freude am Malen auslebt. Die auffällige Goldkette erscheint in mehreren Werken aus Rembrandts Leidener und Amsterdamer Perioden: Er muss eine in seinem Atelier gehabt haben. Im Gegensatz zu seinen gefeierten Kollegen Peter Paul Rubens und Anthony van Dyck erhielt Rembrandt jedoch nie eine als Geschenk von einem königlichen Gönner. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Jan Uytenbogaert, "Der Goldwäger"

Rembrandt van Rijn — 1639

Dieser Druck des Steuereintreibers Jan Uytenbogaert markiert einen der ersten Einsätze der Kaltnadelradierung durch Rembrandt van Rijn, nicht als Korrekturwerkzeug, sondern als Ergänzung zur Radierung. Hier unterstreicht die Technik die samtige Qualität des reichen Pelzgewands des Dargestellten. Rembrandt präsentiert den Mann als edlen und gewissenhaften Fachmann, während er gleichzeitig auf seine wahre Natur hindeutet: Uytenbogaert, in der Mitte eines Büros mit einem feinen Ölgemälde und einer reichhaltigen Tischdecke sitzend, streckt sich nach dem ihm dargebotenen Goldsäckchen aus, seine Hand greift es in nahezu lüsternem Verhalten. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Der Mönch im Kornfeld

Rembrandt van Rijn — 1641

Rembrandt scheute niemals davor zurück, nackte Körper oder erotische Themen auf realistische Weise darzustellen. In den 1640er Jahren schuf er mehrere Szenen von sich im Freien umwerbenden Paaren, und "Der Mönch im Kornfeld" gehört zu den erotisch aufgeladensten dieser Drucke. Trotz der winzigen Größe des Drucks macht die grafische Darstellung eines unkeuschen Mönchs und einer begeisterten Milchmagd, die sich heimlich vereinen, einen starken Eindruck als skulpturale Gruppe. Die geätzte Andeutung eines Bauern mit Sense im Hintergrund verstärkt die vergängliche Natur ihres Zufluchtsorts im Weizenfeld und betont den Voyeurismus des Betrachters. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Die drei Bäume

Rembrandt van Rijn — 1643

Rembrandts meisterhafte "Die drei Bäume" ist der größte Landschaftsdruck des Künstlers, eine atmosphärische Radierung und Kaltnadelarbeit, die das ständig wechselnde Drama der Natur verkörpert. Angesichts der Natur wird das menschliche Element auf eine Gruppe winziger Figuren reduziert, darunter ein Fischer und seine desinteressierte Begleiterin auf der linken Seite, verschiedene Kuhhirten und zwei entfernte Figuren auf den Hügeln jenseits. Ein elegantes Paar umarmt sich zärtlich in einer privaten Laube unten rechts, auf der Suche nach Gesellschaft und Schutz vor dem herannahenden Sturm. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Das verfallene Schloss Kostverloren

Rembrandt van Rijn — 1647

Rembrandt und seine Zeitgenossen faszinierte das Anwesen von Kostverloren, teilweise wegen der aufeinanderfolgenden Unglücke, die die Besitzer zu erleiden schienen. Schon zu Rembrandts Zeit trug es seinen Namen, der sich als „verlorene Ausgaben“ oder umgangssprachlich „Geldgrube“ übersetzen lässt. Ein weiteres Unglück ereilte den Ort, als ein Großteil des Schlosses bei einem Brand zerstört wurde. Nach diesem Schaden—und bevor es schließlich wieder instand gesetzt wurde—betrat Rembrandt die Schlossanlage und hielt ihren verminderten Zustand fest. Sein Fokus auf den Verfall wird durch den gefällten Baum im Vordergrund deutlich; dessen markante Horizontalität hebt die verblasste Majestät der einst prächtigen Schlossstrukturen hervor. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Die Muschel

Rembrandt van Rijn — 1650

Im 17. Jahrhundert wurden Muscheln zu beliebten Sammlerobjekten, da sie als selten und exotisch galten. Sie wurden auch zu häufigen Motiven von Stillleben, die als Vanitas bekannt sind und symbolisch die Vergänglichkeit des Lebens darstellen. Die Radierungen sowohl von Wenceslaus Hollar als auch von Rembrandt van Rijn könnten die gleichzeitige Schönheit und Fragilität der Existenz repräsentieren. Während Stillleben im Allgemeinen in Rembrandts Werk außerordentlich selten sind, stammt Hollars Radierung (1996.609) aus einer Serie von Muscheln, die aus 38 Platten besteht. Rembrandts Muschel könnte von Hollars Arbeit inspiriert worden sein, obwohl Rembrandts Entscheidung, die Muschel in einem dreidimensionalen Raum darzustellen, einen deutlichen Unterschied zwischen den beiden Radierungen zeigt. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Landschaft mit drei giebelständigen Hütten an einer Straße

Rembrandt van Rijn — 1650

Rembrandt van Rijn, vielleicht der produktivste Radierer in der Geschichte, schuf fast 300 Radierungen. Die meisten seiner Landschaftsradierungen entstanden in den 1640er Jahren, einige, wie diese hier, wurden jedoch in den frühen 1650er Jahren ausgeführt. Rembrandt nutzte seine experimentellen Radier- und Kupferstichlinien, um Tonalitäten zu erzeugen. Die Art und Weise, wie die Bäume die Straße und die Hütten beschatten, verleiht dem Bild eine beruhigende Helligkeit. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Landschaft mit einem quadratischen Turm

Rembrandt van Rijn — 1650

Im Verlauf seiner langen Karriere ging Rembrandt mit seinen Drucken sehr kalkuliert um, um einen rentablen Markt dafür zu schaffen. Die populären Genres seiner Zeit beeinflussten seine Wahl der Druckmotive, und er schuf zahlreiche Landschaftsansichten seiner Umgebung in Amsterdam und darüber hinaus. Der Künstler hat wahrscheinlich "Landschaft mit einem quadratischen Turm" nach Skizzen erstellt, die er vor Ort angefertigt hat, und vollendete das Werk im Studio mit weichen Trockenpunkt-Nachbearbeitungen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Der heilige Franziskus betet unter einem Baum

Rembrandt van Rijn — 1657

Rembrandt durchtränkte den dunklen, tintenblauen Wald seines Bildes vom heiligen Franziskus, der unter einem Baum betet, mit samtigem Grat entlang der Kaltnadel-Linien und einem tiefen Ton, der selektiv auf der Platte abgewischt wurde. Anstelle der Niederländisch-reformierten Kirche spiegelt dieses Bild die Vision der Römisch-katholischen Kirche wider, mit ihrem Schwerpunkt auf dem Leben der Heiligen und könnte daher ein privater Auftrag gewesen sein. Der ungewöhnlich gealterte hl. Franziskus blickt auf ein großes Kruzifix, das real oder imaginär sein könnte, in der Waldlichtung und spricht direkt zu ihm. Mit geneigtem Kopf und offenem Mund ist Franziskus kaum passiv im Gebet, sondern vielmehr ein aktiver Fürsprecher des Christentums. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Liegender weiblicher Akt

Rembrandt van Rijn — 1658

Wissenschaftler haben lebhaft über Rembrandts Wahl eines hell- oder dunkelhäutigen Modells für diese hervorragend zweideutige Radierung debattiert. Im 18. Jahrhundert änderte sich der ursprüngliche Titel in Variationen von Liegende Negerin. Rembrandt hat um 1630 tatsächlich ein afrikanisches Modell dargestellt, aber es ist unklar, ob dieses viel später entstandene Blatt ein weiteres repräsentierte. Der starke Kontrast zwischen der tiefen Dunkelheit und der leuchtenden Bettwäsche deutet auf das Interesse des Künstlers hin, das Spiel von Licht auf der Haut zu zeigen. Rembrandts charakteristische Verwendung von japanischem Papier als Trägermaterial verstärkt zusätzlich die Wärme des sehr realen und sehr warmen, nackten Körpers. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Jupiter und Antiope: Die große Platte

Rembrandt van Rijn — 1659

Etwas später als Rembrandts al fresco Hofszenen aus den 1640er Jahren zeigt dieses mythologische Freiluftwerk eine der vielen sterblichen Eroberungen des Gottes Jupiter. Jupiter erscheint verkleidet als gehörnter und bekränzter Satyr, der auf die schlafende Nymphe Antiope in einer Waldlichtung trifft. Antiope bleibt im Schlaf, während er behutsam ihre Decke zurückzieht und ihren Körper anerkennend betrachtet. Die Beziehung zwischen der Perspektive des Betrachters und der Figuren ist eng; es scheint, als treten wir beinahe in die Lichtung ein und in Antiópes Bett, zusammen mit dem aufdringlichen Gott. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Sitzender weiblicher Akt

Rembrandt van Rijn — 1660

Für Rembrandt van Rijn waren die schlichte Ehrlichkeit des Sehens und die Sicherheit der Linie weitaus wichtiger als die klassizistische Verherrlichung des Aktes. Er widmete sich diesem Thema nur in bestimmten Phasen seiner Karriere, und nur sehr wenige der daraus resultierenden Studien, die er zur Vorbereitung biblischer oder mythologischer Darstellungen nutzte, sind heute noch erhalten. Diese kraftvolle Form ist ein spätes Werk und eine von nur vier existierenden Zeichnungen des weiblichen Aktes, die Rembrandt mit Sicherheit zugeschrieben werden. Anders als der fast wissenschaftliche Realismus seiner früheren Akte sind seine späten Studien weniger detailliert und malerischer. Er erreichte ein Maximum an Ausdruckskraft mit minimalen Mitteln. Mit einem schnellen Pinselstrich und dem stumpfen Rohrfederstift, den der Künstler in seinen späten Jahren bevorzugte, ausgeführt, projiziert diese üppige Figur eine kraftvolle Präsenz. Ihr Gesicht ist verallgemeinert, und ihre Gefühle werden durch ihre nachdenkliche Pose angedeutet. Ihre einfache Form und äußere Unbeweglichkeit scheinen das Gefühl ihrer inneren Vitalität für den Betrachter zu steigern. In 'Sitzender weiblicher Akt' sind Rembrandts Federstriche und Pinselarbeiten mit größter Leichtigkeit und Perfektion integriert; die Feder betont strukturelle Merkmale, während der Pinsel einen durchscheinenden, atmosphärischen Ton verleiht, der Figur und Raum verbindet. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Noahs Arche

Rembrandt van Rijn — 1660

Unter den ausdrucksvollsten Einsätzen des Rohrfeders ist diese Zeichnung eine vollständig realisierte Darstellung von Noahs Familie, die die Arche besteigt, bevor die große Flut einsetzt, wie sie im Alten Testament im Buch Genesis beschrieben wird. Das Schiff nimmt die gesamte Breite des Blattes ein und Rembrandt betont den Akt der Abreise, indem er Figuren in der linken unteren Ecke platziert, die nach innen gestikulieren, als ob sie anzeigen, wohin sie bald gehen werden. Rembrandt zog eine—wenn auch etwas nachlässige—Grenzlinie um den Umfang seiner Komposition, um seine Zufriedenheit mit seiner Interpretation des bekannten biblischen Themas anzuzeigen. Diese Art von Mehrfiguren-Szene mit literarischem Hintergrund stellte den Standard dar, den so viele seiner Schüler zu erreichen suchten. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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