Monet — Ausgewählte Werke

Der Strand von Sainte-Adresse

Claude Monet — 1867

Im Sommer 1867 hielt sich Claude Monet bei seiner Tante in Sainte-Adresse auf, einem wohlhabenden Vorort der Hafenstadt Le Havre im Norden Frankreichs. Der Künstler war mit der Landschaft vertraut, da er in der Gegend aufgewachsen war, doch die Region veränderte sich während seines Lebens erheblich. Der Ausbau des landesweiten Eisenbahnnetzes verwandelte dieses kleine, ländliche Fischerdorf in ein Seebad für Touristen. Hier deutet Monet auf diese Transformation hin. Der Betrachter wird sofort von den sichtbaren Aspekten des lokalen Lebens angezogen – dunkel besegelte Fischerboote treiben im Wasser, mit Gruppen von Fischern, deren Ausrüstung und anderen Booten am Ufer. Die gestrandeten Boote rahmen zwei Figuren ein, die am Ufer sitzen, hervorgehoben durch einige Pinselstriche in Rot und Gelb: ein Mann mit einem dunklen Hut und Anzug schaut durch ein Fernrohr, begleitet von einer Frau mit Strohhut und scharlachrotem Band. Die Anwesenheit dieses Paares – zweifellos Urlauber, angesichts ihrer modischen Kleidung – verwandelt, was eine traditionelle Küstenszene hätte sein können, in ein Gemälde des modernen Lebens, eine der ersten Erkundungen des Tourismus durch den Künstler. Monet begann dieses Gemälde im Freien und überarbeitete es später in seinem Atelier. Konservierungsforschung hat ergeben, dass er während der Arbeit seine Meinung über die Komposition änderte: Er hatte zunächst weitere Touristenfiguren und Yachten in die Szene aufgenommen, diese Details später jedoch übermalt, um seinen Fokus auf die Fischer zu lenken, den Aspekt des Lebens in Sainte-Adresse, den er am besten kannte. Monets Meeresansichten aus diesem Sommer unterscheiden sich deutlich von denen, die nur wenige Jahre zuvor gemalt wurden, und 'Der Strand von Sainte-Adresse' veranschaulicht seine sich entwickelnde Maltechnik. Es kündigt auch einige der Merkmale an, die charakteristisch für die impressionistische Bewegung werden sollten, weshalb Monet es vielleicht ausgewählt hat, es bei der zweiten impressionistischen Ausstellung 1876, fast zehn Jahre nach seiner Entstehung, zu zeigen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Sammlung: The Art Institute of Chicago · CC0 · Originalbild ↗

Das rote Tuch, Porträt von Madame Monet

Claude Monet — 1868

Dieses Gemälde zeigt Monets erste Frau Camille an einem verschneiten Tag vor den französischen Fenstern ihres Hauses in Argenteuil. Ihr Gesicht ist in einer radikal kühnen impressionistischen Technik dargestellt, bei der zügig aufgetragene Farbtupfer verwendet werden, ähnlich wie der Schnee und die Bäume durch breite, gebrochene Striche aus reinem Weiß und Grün definiert sind.

Sammlung: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Originalbild ↗

Am Ufer der Seine, Bennecourt

Claude Monet — 1868

Hier sitzt Claude Monets zukünftige Frau, Camille Doncieux, auf einer Insel in der Seine und blickt in Richtung des Weilers Gloton, neben der Stadt Bennecourt, von der sie und Monet offenbar mit dem Ruderboot übersetzten. Dies ist das einzige Gemälde, das aus der kurzen Zeit, die das Paar in Gloton verbrachte, überlebt hat, das der Schriftsteller Émile Zola Monet als kostengünstigen ländlichen Rückzugsort empfahl, der leicht von Paris aus zugänglich war. Pentimenti (sichtbare Spuren früherer Malerei unter einer oder mehreren Farbschichten) lassen vermuten, dass Camille in einer frühen Phase des Gemäldes ein Kind mit Haube hielt, vermutlich das gemeinsame Baby des Paares, Jean. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Das Haus des Künstlers in Argenteuil

Claude Monet — 1873

Claude Monet und seine Familie lebten von 1871 bis 1878 in Argenteuil, einer Vorstadt von Paris. Hier stellte er seinen fünf- oder sechsjährigen Sohn Jean dar, der mit einem Reifen spielt, und seine Frau Camille, die in der Tür ihres von Weinranken umgebenen Hauses steht. Das angenehme Wetter und der gepflegte Garten, ein Vorläufer des berühmten Gartens in Giverny, verleihen diesem Gemälde eine Atmosphäre der Ruhe und des Wohlbefindens. Diese Zeit war für Monet finanziell sicher, dank der jüngsten Verkäufe seiner Werke an den Pariser Kunsthändler Paul Durand-Ruel. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Ankunft des Normandiezuges, Bahnhof Saint-Lazare

Claude Monet — 1877

Einer der avantgardistischsten Aspekte der Impressionisten war ihre Wahl der Themen, die häufig Szenen aus dem modernen, industriellen Paris umfassten, von eisernen Brücken über Ausstellungshallen bis hin zu Bahnbauten. Der Bahnhof Saint-Lazare wäre in den 1870er Jahren für Claude Monet ein vertrauter, bedeutungsvoller Anblick gewesen. Der Endbahnhof verband Paris mit der Normandie, wo der Künstler in den 1860er Jahren seine Technik des Freilichtmalens entwickelte. Es war auch der Ausgangspunkt für die Städte und Dörfer westlich und nördlich von Paris, die die Impressionisten häufig besuchten. Monet vollendete acht seiner zwölf bekannten Gemälde des Gare Saint-Lazare rechtzeitig zur dritten Impressionistenausstellung im Jahr 1877 und stellte sie wahrscheinlich in derselben Galerie aus. Monet konzentrierte sich hier auf die Glas-und-Eisen-Konstruktion des Bahnhofs, wo er eine ansprechende Kombination aus künstlichen und natürlichen Effekten fand – wie das aufsteigende Dampf der Lokomotiven, die innerhalb der Struktur gefangen sind, und das Tageslicht, das durch die großen, verglasten Abschnitte des Daches fällt. Monets Darstellungen des Bahnhofs leiteten ein etabliertes Muster für ihn ein, ein spezifisches Motiv wiederholt zu malen, um subtile und vorübergehende atmosphärische Veränderungen einzufangen, wie in seinen berühmten Serien von Heuhaufen. Doch die Saint-Lazare-Gemälde repräsentierten auch seinen letzten Versuch, das Stadtleben einzufangen: Von diesem Punkt an in seiner Karriere widmete sich Monet weitgehend den Landschaften. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Äpfel und Trauben

Claude Monet — 1880

Claude Monet malte dieses und andere Stillleben wahrscheinlich 1879–80, in dem Wissen, dass sie leichter verkäuflich sein würden als seine Landschaften. In "Äpfel und Trauben" nutzte er jedoch die Komplexität von Farbe, Licht und Textur, die in seinen impressionistischsten Landschaften zu finden ist. Dies zeigt sich besonders deutlich auf der ausgedehnten Stoffoberfläche – das Spiel des Lichts auf den horizontalen Pinselstrichen (die die Falten im Tischtuch anzeigen) erinnert an frühere Leinwände, auf denen Monet ähnliche kurze horizontale Striche in unterschiedlichen Farben verwendete, um schimmerndes Wasser im Sonnenlicht darzustellen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Spaziergang auf den Klippen von Pourville

Claude Monet — 1882

Im Februar 1882 reiste Claude Monet nach Normandie, um dort zu malen. Dies war eine von vielen solchen Expeditionen, die er in den 1880er Jahren unternahm. Gleichzeitig war es ein Rückzug von persönlichen und beruflichen Belastungen. Seine Frau Camille war drei Jahre zuvor gestorben, und Monet lebte nun in einer häuslichen Gemeinschaft mit Alice Hoschedé (die er 1892 nach dem Tod ihres Ehemannes heiratete). Frankreich befand sich mitten in einer langen wirtschaftlichen Rezession, die Monets Verkäufe beeinträchtigte. Zudem war der Künstler wenig begeistert von der bevorstehenden siebten Impressionistenausstellung—die Spannungen innerhalb der Gruppe waren zu diesem Zeitpunkt stark ausgeprägt—und gab die Verantwortlichkeit für seinen Beitrag an seinen Händler Paul Durand-Ruel ab. Enttäuscht von der Gegend um die Hafenstadt Dieppe, die er als zu städtisch empfand, ließ sich Monet in Pourville nieder und blieb in diesem Fischerdorf bis Mitte April. Er verliebte sich zunehmend in seine Umgebung und schrieb an Hoschedé und ihre Kinder: "Wie schön wird die Landschaft, und welch Freude wäre es für mich, euch all ihre reizvollen Winkel zu zeigen!" Im Juni konnte er dies tun, als sie sich ihm in Pourville anschlossen. Die beiden jungen Frauen, die am Klippenweg in Pourville spazieren, sind vermutlich Marthe und Blanche, die ältesten Töchter Hoschedés. In diesem Werk befasste sich Monet mit dem Problem, Figuren in eine Landschaft zu integrieren, ohne die Einheit ihrer malerischen Oberfläche zu stören. Er verband diese Elemente durch Textur und Farbe miteinander. Das Gras—bestehend aus kurzen, lebhaften, geschwungenen Pinselstrichen—scheint im Wind zu zittern, und subtil modifizierte Versionen dieser Striche und Farben deuten die vom Wind gepeitschten Kleider und Schals der Frauen sowie das Wogen des Meeres an. Röntgenaufnahmen zeigen, dass Monet das felsige Vorgebirge ganz rechts reduzierte, um die Proportionen von Meer und Himmel auszugleichen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Bordighera

Claude Monet — 1884

Anfang 1884 reiste Claude Monet nach Bordighera, einer Stadt an der italienischen Riviera nahe der Grenze zwischen Italien und Frankreich, für einen Arbeitsbesuch von drei Wochen, der sich in nahezu drei Monate verwandelte. In einem Brief an den Bildhauer Auguste Rodin, in dem er seine Bemühungen beschrieb, das strahlende Mittelmeerlicht einzufangen, erklärte Monet, dass er "mit der Sonne fechte und ringe." In anderen Briefen beklagte er die Unmöglichkeit, ein geeignetes Motiv in der üppigen Vegetation der Region zu finden. In dieser sonnenverwöhnten Komposition, die von einem Aussichtspunkt auf einem Hügel gemalt wurde, ist das Meer kaum sichtbar durch die verschlungenen Baumstämme der einheimischen Pinienbäume. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Getreideschober (Ende des Sommers)

Claude Monet — 1890

Die monumentalen Getreideschober, die Claude Monet in seiner Serie "Getreideschober" darstellte, erhoben sich fünfzehn bis zwanzig Fuß hoch und standen direkt vor dem Bauernhaus des Künstlers in Giverny. Zwischen 1890 und 1891 arbeitete Monet an dieser Serie sowohl im Freien, wo er gleichzeitig an mehreren Staffeleien malte, als auch im Atelier, um die Bildharmonien zu verfeinern. Im Mai 1891 hängte Monet fünfzehn dieser Leinwände nebeneinander in einem kleinen Raum der Galerie Durand-Ruel in Paris. Die Ausstellung war ein beispielloser kritischer und finanzieller Erfolg und markierte einen Durchbruch in Monets Karriere sowie in der Geschichte der französischen Kunst. In dieser Ansicht und in fast allen Herbstansichten der Serie durchbrechen die kegelförmigen Spitzen der Schober den Horizont und ragen in den Himmel hinein. In den meisten Winteransichten, die den Kern der Serie bilden, scheinen die Schober jedoch von Hügel- und Feldbändern umschlossen zu sein, als ob sie für die Saison eingebettet wären. Für Monet war der Schober ein resonantes Symbol für Nahrung und Überleben. Diese Gruppe führte er mit weiteren Serien fort, in denen er Pappeln, die Fassade der Kathedrale von Rouen und später seinen eigenen Garten in Giverny darstellte. Das Art Institute besitzt die größte Gruppe von Monets "Getreideschober" weltweit. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Mohnfeld (Giverny)

Claude Monet — 1890

Im Juli 1890 begann Claude Monet mit der Arbeit an vier nahezu gleich großformatigen Leinwänden, die Mohnfelder in der Nähe seines Hauses in Giverny zeigen. Obwohl er diese nicht als Serie betrachtete, wie die 25 Gemälde von Getreideschobern, die er kurz nach der Ernte im selben Sommer begann, zeigen die Werke eindeutig sein wachsendes Interesse daran, mehrere Leinwände gleichzeitig zu entwickeln. Sie demonstrieren auch eine viel homogenere Ausführung als die frei gebürsteten Landschaften seiner früheren Karriere, mit Oberflächen, die eine wandteppichartige Materialität besitzen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Arm der Seine bei Giverny (Nebel)

Claude Monet — 1897

Diese ruhige Landschaft ist das Ergebnis eines energischen kreativen Prozesses. Claude Monet erhob sich monatelang noch vor der Morgendämmerung, um mit einem Ruderboot an dieselbe Stelle am Fluss Seine zu gelangen, wo er 14 Leinwände gleichzeitig malte und sie überarbeitete, während sich das Licht veränderte. Obwohl dieses Gemälde neblig und vage erscheint, traf Monet bewusste technische Entscheidungen - zum Beispiel, indem er eine einst klare Horizontlinie durch kräftig gemischte Pinselstriche verwischte, die lockerer werden, je weiter sie sich ausbreiten. Monet ließ die fast quadratische Leinwand eigens anfertigen, eine ungewöhnliche Form, die zur desorientierenden Natur der Szene beiträgt, von der die Hälfte eine Spiegelung auf dem Wasser darstellt. Durch die Diffusion der Landschaft mittels dieser Techniken versuchte Monet, die Vergänglichkeit von Licht und Nebel einzufangen, ein Thema, das er während seiner gesamten Karriere verfolgte. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Seerosenteich

Claude Monet — 1900

Im Jahr 1893, drei Jahre nach dem Kauf eines Grundstücks in Giverny, begann Claude Monet, das sumpfige Gelände hinter seinem Haus in einen Teich zu verwandeln. Am schmalen Ende des Teiches errichtete er eine japanisch inspirierte Holzbrücke. Mit einer Mischung aus exotischen und einheimischen Pflanzen, darunter seine berühmten Seerosen, schuf der Künstler den Garten, der eines seiner Hauptmotive für den Rest seines Lebens sein würde. "Seerosenteich" gehört zu den 18 ähnlichen Versionen des Motivs, die er 1899–1900 malte; ihr gemeinsames Thema war das Zusammenspiel der Seerosen mit den Spiegelungen der anderen Vegetation auf der Wasseroberfläche. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Das Parlament, London

Claude Monet — 1900

Während seiner Londoner Aufenthalte malte Claude Monet die Häuser des Parlaments am späten Nachmittag und bei Sonnenuntergang von einer Terrasse des Saint Thomas’s Hospital aus. Dieser Aussichtspunkt war nahe dem des englischen Künstlers J. M. W. Turner in seinen visionären Gemälden des Feuers, das einen Großteil des alten Parlamentskomplexes im Jahr 1834 zerstört hatte. Monet ließ sich jedoch weniger von der Poesie der Dämmerung und des Nebels anregen als vielmehr von der Arbeit eines neueren Malers der Themse, des Amerikaners James McNeill Whistler. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Seerosen

Claude Monet — 1906

Claude Monet hätte kaum ahnen können, dass der Wassergarten, den er drei Jahre nach dem Kauf seines Anwesens in Giverny, Frankreich, im Jahr 1890 angelegt hatte, in den nächsten zweieinhalb Jahrzehnten zu seiner Hauptinspiration werden würde. Diese rund 250 Gemälde markieren Monets künstlerische Reise von eher direkten Darstellungen des Teiches, überspannt von der hölzernen japanischen Brücke, bis hin zu der monumentalen und nahezu abstrakten Serie zum Thema Seerosen, die er als Vorbereitung für seine Wandbilder im Musée de l’Orangerie in Paris zwischen 1914 und 1926 schuf. „Seerosen“, eines aus einer Gruppe von Gemälden zu diesem Thema, entstanden zwischen 1903 und 1908, steht am Wendepunkt von Monets sich entwickelndem Stil und räumlichen Experimenten. Das nahezu quadratische Format unterstreicht seinen Übergang weg vom Malen der konventionellen Zonen von Land, Himmel und Wasser hin zur ausschließlichen Konzentration auf die Wasseroberfläche. Ansammlungen von Seerosen unten links und oben rechts rahmen einen wasserigen Pfad ein, während die Wasseroberfläche Bäume und Wolken spiegelt. Obwohl die traumhafte Qualität der schwebenden Formen wie eine natürliche Entwicklung für den Künstler erscheinen mag, betrachtete er diese Werke als „eine Obsession“, ein Gefühl, das durch technische Untersuchungen auf der Leinwand des Kunstinstituts bestätigt wird, die viele bedeutende Änderungen aufzeigen, die während der Entstehung des Gemäldes vorgenommen wurden. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Seerosen (Agapanthus)

Claude Monet — 1915

Sowohl ein erfahrener Gärtner als auch ein Künstler, verbrachte Claude Monet die letzten 30 Jahre seines Lebens damit, den privaten Garten zu malen, den er an seinem Zuhause in Giverny im Norden Frankreichs entworfen und mitgepflegt hatte. Die daraus resultierenden Leinwände sind bemerkenswert für ihre vielfältigen Motive, Formate und Größen. Monumental in der Größe, konzentriert sich diese Darstellung seines Seerosenteichs auf die flüchtigen Effekte des Sonnenlichts, wie es sowohl durch die glänzende Oberfläche dringt als auch darauf reflektiert. Durch das Fokussieren auf das Wasser und das Weglassen des Horizonts und der umgebenden Ufer deutet Monet auf eine grenzenlose Weite hin—eine Wahrnehmung, die durch das weite horizontale Format des Gemäldes verstärkt wird, das das Blickfeld des Betrachters erfüllt.

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