Manet — Ausgewählte Werke

Junge mit Krug (La Régalade)

Édouard Manet — 1862

Röntgenaufnahmen haben gezeigt, dass dieses Gemälde ein Fragment von Les Gitanos ist, einem großen Porträt einer wandernden Familie, das Édouard Manet 1863 und 1867 ausstellte. Offenbar unzufrieden mit der Komposition, zerteilte er das Gemälde in Abschnitte, die er als eigenständige Kunstwerke neu konzipierte. Zwei dieser Abschnitte, Bohémien und Stillleben mit Tasche und Knoblauch, befinden sich in der Sammlung des Louvre Abu Dhabi; der letzte Abschnitt, Bohémienne, ist verschollen. Um dieses Fragment als eigenständiges Werk zu gestalten, übermalte Manet den Kopf der Frau, der ursprünglich unter der Schulter des Jungen war, und ersetzte den blauen Himmel durch einen dunklen Hintergrund. Anschließend benannte er das Gemälde in La Régalade um, was bedeutet, Flüssigkeit aus einer Flasche in den Hals zu gießen, ohne die Lippen zu berühren. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Sammlung: The Art Institute of Chicago · CC0 · Originalbild ↗

Stillleben mit Fischen

Édouard Manet — 1864

Obwohl Stilllebenensembles ein wichtiges Element in vielen der bedeutenden Gemälde des avantgardistischen Künstlers Édouard Manet waren, lag sein nachhaltigstes Interesse an diesem Genre selbst in den Jahren 1864 bis 1865, als "Fische" gemalt wurde. Manets Fokus auf Stillleben fiel mit der allmählichen Wiederakzeptanz des Genres im 19. Jahrhundert zusammen, bedingt durch das Wachstum der Mittelschicht, deren Geschmack sich auf intime, mäßig bepreiste Werke richtete. Dieses Gemälde, wie viele von Manets Stilllebenkompositionen, erinnert an niederländische Vorbilder des 17. Jahrhunderts. Die Direktheit der Ausführung, die kühne Pinselarbeit und die Unmittelbarkeit der Vision, die auf der Leinwand zu sehen sind, erklären jedoch, warum das Publikum Manets Werke als unorthodox und konfrontativ empfand. Während "Fische" tatsächlich ein Bild der "toten Natur" (im Französischen nature morte für Stillleben) ist, gibt es nichts Stillstehendes an dem Werk: Die Erzeugnisse wirken frisch und der Umgang mit der Farbe ist kraftvoll. Die Komposition wird weiter belebt durch die Platzierung des Karpfens, der die starke Diagonale der anderen Elemente ausgleicht. Manet reichte seine Stillleben niemals beim offiziellen Pariser Salon ein, sondern verkaufte sie über das aufblühende Netzwerk von Kunstgalerien in Paris und schenkte sie Freunden. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Sammlung: The Art Institute of Chicago · CC0 · Originalbild ↗

Meeresblick bei ruhigem Wetter

Édouard Manet — 1864

Obwohl gewagt gepinselt und fast kalligrafisch in der Form, bleiben die Schiffe in dieser Komposition als spezifische Typen erkennbar. Rechts von der Mitte fährt ein Seitenraddampfer den Ärmelkanal aufwärts und lässt langsamere Segelboote in seinem Kielwasser zurück. Dies ist eines der frühesten Meeresgemälde von Édouard Manet, einem Thema, dem er sich immer wieder widmete. Er malte es in Paris zusammen mit zwei oder drei anderen Werken, die auf Skizzen basieren, die er im Urlaub mit seiner Familie im nordfranzösischen Hafen Boulogne-sur-Mer angefertigt hatte. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Jesus von den Soldaten verspottet

Édouard Manet — 1865

Édouard Manet schaffte es während seiner gesamten Karriere, die Öffentlichkeit mit seiner kühnen Technik und seinem unorthodoxen Ansatz gegenüber Themen zu schockieren und zu verwirren. Das Erstaunlichste an diesem Gemälde ist, dass er es überhaupt malte. Nach dem Aufkommen der realistischen Bewegung, die die Kunst im Hier und Jetzt verankerte, verfolgten avantgardistische Künstler in Frankreich keine religiösen Themen mehr. Obwohl Manet hauptsächlich ein Maler weltlicher Motive war, interessierte er sich auch für Kunstgeschichte, was ihn mindestens zweimal dazu veranlasste, die biblischen Erzählungen darzustellen, die Künstler über viele Jahrhunderte hinweg fasziniert hatten. Dieses Werk könnte auch von der populären Biografie „Vie de Jésus“ (Das Leben Jesu) aus dem Jahr 1863 des französischen Philosophen und Historikers Joseph-Ernest Renan inspiriert worden sein, einer kontroversen Schrift, die die Menschlichkeit Christi betonte. Hier zeigte Manet Jesus am Ende seines Lebens, geschlagen und auf die Kreuzigung wartend. Die römischen Soldaten zwangen ihn, eine Dornenkrone zu tragen und ein „Zepter“ aus Schilfrohr und einen purpurnen Umhang anzunehmen, um ihn als „König der Juden“ zu verspotten, einen Titel, den ihm seine Peiniger ironisch verliehen. Manet verwandelte dieses sakrale Narrativ in ein packendes Drama, das Realismus mit Theatralik vereint. Er präsentierte Jesus frontal und betonte dessen Verletzlichkeit und menschliche Körperlichkeit. Jesus wirkt erschöpft und schlaff. Die sichtbaren Pinselstriche der Leinwand und die Farbpalette schaffen ein Gefühl von Materialität, das einen fühlbaren, unidealisierten Christus hervorruft, der auffallend ohne Heiligenschein bleibt. Ist er ein heiliges Wesen, das göttliches Licht ausstrahlt, oder ein echter Mann, der unter dem Studiolicht posiert? Das Gemälde sorgte in seiner eigenen Zeit genau wegen dieser Mehrdeutigkeit für einen Skandal. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Der Philosoph (Bettler im Caban)

Édouard Manet — 1865

Dieses Gemälde und „Bettler mit Austern“ wurden als Pendants konzipiert. Édouard Manet stellte sie 1872 gemeinsam mit Gemälden eines Absinthe-Trinkers und eines Lumpensammlers (einem Sammler und Wiederverkäufer von weggeworfenen Stoffen und anderem Abfall) unter dem übergreifenden Titel „Die Philosophen“ aus. Als Manet die Gemälde schuf, wurden diese „Bettler“, wie sie damals genannt wurden, an die physischen und sozialen Ränder von Paris gedrängt, da die Stadt sich rasch weiterentwickelte, um Platz für bürgerlichere Stadtteile zu schaffen. Obwohl Manet in eine wohlhabende Familie hineingeboren wurde, war er ein Außenseiter in den etablierten französischen Kunstkreisen und fühlte sich wahrscheinlich mit diesen entfremdeten Subjekten verbunden. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Stierkampf

Édouard Manet — 1865

Im Herbst 1865 reiste Édouard Manet für etwa zehn Tage nach Spanien. Diese kurze Reise hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf seine Kunst jener Zeit. In einem Brief an den Dichter Charles Baudelaire beschrieb er einen Stierkampf, den er in Madrid besucht hatte, als „eine der feinsten, merkwürdigsten und furchterregendsten Vorstellungen, die man sehen kann.“ Die schnellen Skizzen, die er während der Kämpfe anfertigte, beeinflussten mehrere seiner späteren Gemälde, darunter auch dieses. Hier betonte er die Spannung des Moments: Die Menge im Hintergrund verschwimmt zu einer Unschärfe, während der Stierkämpfer und der Stier im scharfen Fokus stehen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Der Philosoph (Bettler mit Austern)

Édouard Manet — 1865

Zusammen mit Bettler mit Mantel bildete Bettler mit Austern einen Teil einer Serie von vier Gemälden, die zusammen Die Philosophen genannt wurden. Der Titel bezieht sich auf traditionelle Darstellungen der antiken stoischen Philosophen, deren Armut mit Weisheit assoziiert wurde. Die anonymen Männer in diesen Gemälden wären für das zeitgenössische Publikum von Édouard Manet als städtische Typen erkennbar gewesen—soziale Außenseiter, die die Straßen von Paris bevölkern. Indem er sie in solch großem Maßstab und vor leeren, dunklen Hintergründen darstellte, unterwanderte Manet die Erwartungen an die Malerei seiner Zeit und verlieh seinen Figuren eine porträtartige, ja sogar heroische Präsenz, die typischerweise edlen, historischen oder religiösen Themen vorbehalten war. Durch sein Format und den Serientitel ermutigte der Künstler die Betrachter, diese oft übersehenen Menschen als Träger seltener Einsichten zu sehen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Sammlung: The Art Institute of Chicago · CC0 · Originalbild ↗

Das Pferderennen

Édouard Manet — 1865

Die Rennen basiert auf Manets Gemälde "Das Rennen in Longchamp". Die Lithografie vermittelt jedoch die Aufregung des Pferderennens sogar noch mehr als das Gemälde. Energie und Bewegung werden durch kühne, schnell gezeichnete Linien und durch rasche, geschwungene Verwischungen angedeutet. Der ungezügelte, spontane Einsatz des lithografischen Stifts kündigt die Ausdruckskraft des Druckgrafikschaffens des 20. Jahrhunderts an.

Sammlung: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Originalbild ↗

Die Rennen von Longchamp

Édouard Manet — 1866

Dieses frei ausgeführte Gemälde fängt den spannenden Abschluss eines Pferderennens in Longchamp ein, das sich im Bois de Boulogne am westlichen Rand von Paris befindet. Hier weicht Édouard Manet radikal von den konventionellen Darstellungen des Sports ab, bei denen Rennen von der Seite gezeigt werden und die Pferde im Profil zu sehen sind. Stattdessen galoppieren die Konkurrenten donnernd auf den Betrachter zu und wirbeln dabei eine Wolke aus Grasstücken auf, wobei ihr Tempo durch die schwungvollen Diagonalen der Rennbahnzäune unterstrichen wird. In Frankreich entwickelte sich das Pferderennen im 19. Jahrhundert zu einer bedeutenden Form der populären Unterhaltung. Aus England importiert, war die Rennbahn – mit ihrer Geschwindigkeit, ihrem Spektakel und Luxus – ein Inbegriff des modernen Raums. In Manets Gemälde drängt eine Menge modisch gekleideter Männer und Frauen gegen die Zäune, um das Ereignis zu sehen – ein Mann links oben benutzt ein Fernglas, um das Rennen besser zu beobachten. Im Gegensatz zu seinem Freund Edgar Degas, für den die Rennbahn eine konstante Inspirationsquelle war, schuf Manet nur zwei Gemälde zu diesem Thema. Ursprünglich eine viel größere Komposition, wurde diese Leinwand vom Künstler auf ihre heutige Größe reduziert. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Frauenporträt mit schwarzem Tuch

Édouard Manet — 1873

Mit nur wenigen Pinselstrichen vermittelte Manet das volle Wesen der unbekannten Sitzenden und ihre heitere Persönlichkeit. Ihr amüsiertes Halblächeln könnte auf einen angenehmen Austausch zwischen Künstler und Modell hinweisen. Dieses Gemälde bietet wertvolle Einblicke in Manets Arbeitsweise. Er begann damit, die Figur mit dunklen, gemalten Linien zu skizzieren, und ging dann zu kurzen, präzisen Strichen in Kostüm und Gesicht über. Schließlich trug er eine verdünnte grüne Lasur auf, die wahrscheinlich der erste Schritt zu einem gemusterten Hintergrund war, der unvollendet blieb. Die Frisur der Frau, eine Ansammlung von blau-schwarzem Haar mit lockigen Ponys, hilft, dieses Werk in die späten 1870er Jahre zu datieren. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Im Café

Édouard Manet — 1874

Dieser Druck von Édouard Manet zeigt das Café Guerbois, einen Treffpunkt für impressionistische Künstler im Paris des 19. Jahrhunderts. Obwohl Manet vor allem für seine Gemälde bekannt ist, war er während seiner gesamten Karriere ein begeisterter Druckgrafiker. Hier experimentierte er mit der Gillotage, einer damals neuen Technik, um die schnellen, skizzenhaften Linien einer Zeichnung nachzuahmen und dem Bild das Aussehen zu verleihen, als sei es schnell und spontan entstanden.

Sammlung: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Originalbild ↗

Berthe Morisot mit einem Fächer

Édouard Manet — 1874

Édouard Manet porträtierte seine enge Freundin, die Künstlerin Berthe Morisot, zwischen 1868 und 1874 zwölf Mal in Radierungen, Lithografien, Ölgemälden und Aquarellen. In diesem Aquarell verwendete Manet eine begrenzte Farbpalette und eine Kombination von Techniken, um Morisot vor einem blau-grünen Hintergrund darzustellen. Er arbeitete nass-in-nass für ihr Kleid, indem er nasse Farbe auf eine bereits nasse Oberfläche auftrug, bevor diese Zeit hatte zu trocknen, was es den Pinselstrichen ermöglichte, zu verlaufen und ineinander zu fließen. Anschließend nutzte Manet eine Trockenpinseltechnik, um die Textur des Stoffes ihres Kleides und des Bandes in ihrem Haar hervorzuheben. Beide Texturen stehen im Kontrast zur relativen Flachheit des gedämpften Hintergrunds, wodurch die Dargestellte hervorgehoben wird. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Auf einer Büste der Pallas thronend

Édouard Manet — 1875

Édouard Manet schuf diese Lithografie für die französische Übersetzung des klassischen Gedichts „Der Rabe“ (1845) des amerikanischen Schriftstellers Edgar Allan Poe durch seinen Freund Stéphane Mallarmé im Jahr 1875. Das Gedicht handelt von einem Mann, der um seine verstorbene Geliebte trauert und von einem Raben besucht wird, der immer wieder „Niemalsmehr“ ruft. Mallarmés Ausgabe gilt als eines der ersten modernen "livres d'artistes" – Bücher, die speziell als Kunstwerke geschaffen wurden. Manet erschuf vier ganzseitige Illustrationen, darunter die Szene, in der der Rabe den Erzähler vom Kopf der Büste der Göttin Athene aus anstarrt, sowie ein Raben-Kopfmotiv, das auf dem Buchcover und dem Werbeplakat verwendet wurde.

Sammlung: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Originalbild ↗

Claire Campbell

Édouard Manet — 1876

Gegen Ende der 1870er Jahre begann Édouard Manet gesundheitliche Probleme zu bekommen, die es ihm erschwerten, mit Öl zu malen. Stattdessen begann er, Pastell zu verwenden, ein pudriges Medium, das ihm ermöglichte, mit jedem Strich Linie und Farbe darzustellen. Dieses Werk ist eines von zahlreichen Porträts, die Manet zu dieser Zeit mit diesem Medium schuf. Es zeigt Claire Campbell, eine modische junge Britin, deren Vater die britische Zeitung The Daily Telegraph veröffentlichte. Manet nutzte die samtige Textur der Pastellfarben, um die Haut und das Haar des Subjekts darzustellen und beschränkte seine Palette weitgehend auf neutrale Töne wie Weiß, Grau und Schwarz.

Sammlung: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Originalbild ↗

Die Leserin

Édouard Manet — 1880

Ende des 19. Jahrhunderts waren die Pariser Cafés Treffpunkte für Künstler und Schriftsteller und ideale Orte, um das urbane Leben zu beobachten. Viele impressionistische Gemälde zeigen das Café Nouvelle-Athènes in der Rue Pigalle, wo zwei Tische für Édouard Manet und seinen Kreis reserviert waren – eine Gruppe, zu der die Maler Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pissarro und Pierre-Auguste Renoir sowie die Schriftsteller Charles Baudelaire und Émile Zola gehörten. Auf den ersten Blick scheint diese modisch gekleidete junge Frau in einem Lieblingscafé in Pose festgehalten worden zu sein: Der Marmortisch, der Bierkrug und das an einer Holzstange befestigte Magazin deuten auf ein solches Ambiente hin, und ihre schwere Kleidung und die Handschuhe aus Ziegenleder zeigen, dass sie an einem Außentisch sitzt und die Witterung kühl ist. Der florale Hintergrund ist jedoch tatsächlich eines von Manets Gemälden, und das Café eine Nachbildung in seinem Atelier. Lesende Frau ist eines der impressionistischsten Bilder von Manet; die schnellen, freien Pinselstriche und die hellen Farben sind charakteristisch für seine Technik in seinen späten Jahren. Nur wenige Jahre vor seinem Tod gemalt, fängt dieses Werk bewundernswert einen flüchtigen Moment ein und vermittelt den Sinn für das moderne Leben, den Manet und seine Zeitgenossen darzustellen suchten. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Sammlung: The Art Institute of Chicago · CC0 · Originalbild ↗