Goya — Ausgewählte Werke

Winterszene

Francisco Goya — 1780

Zwei Gruppen von Reisenden aus der Arbeiterklasse, von denen eine ein geschlachtetes Schwein mit sich führt, begegnen sich auf einer vereisten Straße während eines Schneesturms. Francisco de Goya hat die winterliche Atmosphäre der Szene mit kahlen Bäumen, großen Flächen aus kühlen Grautönen und Weiß sowie diagonalen Pinselstrichen eingefangen, die den schnellen Schneefall vermitteln. Dieses kleine Gemälde ist eine von mehreren Studien, die Goya für monumentale Wandteppiche schuf, die die vier Jahreszeiten darstellen und für einen Speisesaal im Königspalast von El Pardo in Spanien in Auftrag gegeben wurden. Das Bild wäre auf Lebensgröße skaliert und dann von Webern in der Königlichen Teppichmanufaktur Spaniens hergestellt worden. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Sammlung: The Art Institute of Chicago · CC0 · Originalbild ↗

Junge auf einem Widder

Francisco Goya — 1786

Als Hofmaler des Königs von Spanien entwarf Francisco de Goya auch Wandteppiche für die königlichen Residenzen. Der Künstler fertigte kleine Ölskizzen an, um die Entwürfe auszuarbeiten, gefolgt von großformatigen gemalten Kartons, die den Webern in den königlichen Werkstätten als Vorlage dienten. Dieser Karton wurde für einen Wandteppich in einer Serie angefertigt, die das Esszimmer im Palast von El Pardo außerhalb von Madrid schmückt. Die großen Wandpaneele des Raumes illustrieren ein traditionelles dekoratives Thema, die vier Jahreszeiten, aber Goya ließ seiner Fantasie in den kleineren Paneelen über den Türen freien Lauf und schuf Szenen von Kindern und Tieren wie diese hier. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Junge Frau (möglicherweise eine Sexarbeiterin) mit einem Mann (recto); Junge Frau, wie sie ihre Hände über einem nackten Männerkörper ringt (verso)

Francisco Goya — 1796

Unter den großen Figuren der bildenden Kunst im Westen ist Francisco de Goya einer der wenigen, bei denen die Arbeiten als Grafikkünstler möglicherweise noch wichtiger sind als seine Gemälde. Neben einem erstaunlichen Output an Drucken schuf er im Laufe von 30 Jahren acht Skizzenbücher mit Zeichnungen. Dieses doppelseitige Blatt stammt aus dem sogenannten Album B oder Madrider Album, das wie alle seine Alben nach seinem Tod weltweit in öffentliche und private Sammlungen verstreut wurde. Die Zeichnungen zeigen Goyas Erfindungsreichtum und seine scharfsinnige Beobachtungsgabe sowie seine beißende Satire. Auf der recto-Seite des Blattes offenbart ein vulgärer Kontakt zwischen einer Prostituierten und einem beleibten Lustmolch die Direktheit von Goyas Sozialkritik. Die verso-Zeichnung lässt sich weniger eindeutig bestimmen, folgt jedoch der traditionellen Ikonographie der Darstellung der Heiligen Margarete von Cortona, einer Geliebten eines Edelmannes, die Buße tat und in ein Kloster eintrat, nachdem der Hund ihres Liebhabers sie zu seinem ermordeten Körper geführt hatte.

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Sankt Ambrosius

Francisco Goya — 1796

Dieses Werk gehört zu einer Serie, die Ambrosius, Hieronymus, Augustinus und Gregor darstellt, wichtige Figuren des frühen Katholizismus. Der heilige Ambrosius (ca. 340–391 n. Chr.), Bischof von Mailand, löste bedeutende theologische Konflikte innerhalb der Kirche und arbeitete effektiv mit Vertretern des römischen Heidentums zusammen. Der niedrige Blickwinkel und das große Format suggerieren, dass dieses Gemälde hoch oben an der Wand einer religiösen Institution hing, doch der ursprüngliche Standort bleibt unbekannt. In den späten 1700er Jahren vertrieb Spanien alle Jesuiten und löste eine Umgestaltung der Kirche aus. Viele dieser Reformer wandten sich zur Inspiration der frühen Kirchengeschichte zu, und dieses Gemälde wurde wahrscheinlich von einer dieser neuen Organisationen in Auftrag gegeben.

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Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer, Blatt 43 aus Los Caprichos

Francisco Goya — 1797

Zwischen Groteske und Komik schwebend, besteht Francisco de Goyas Serie Los Caprichos (Launen oder Fantasien) aus 80 Radierungen, die die spanische Gesellschaft des späten 18. Jahrhunderts satirisch darstellen. Für dieses ikonische Bild, das möglicherweise als Titelblatt der Serie gedacht war, stellt Goya sich selbst als Künstler dar, der am Zeichentisch eingeschlafen ist. Im Hintergrund befinden sich seine Albträume, die makabren Peiniger, die den Rest dieser Drucke durchdringen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Der Koko kommt, Blatt drei aus Los Caprichos

Francisco Goya — 1797

Blatt 3 der Los Caprichos zeigt eine Mutter mit ihren zwei Kindern, die von einer verhüllten Gestalt des „El Coco“ (der Kuckucksmann) im Vordergrund erschreckt werden. Der Ausdruck der Mutter steht im Kontrast zu dem ihrer Kinder: Sie lächelt dankbar und anerkennend. Goya kritisiert die gängige Praxis, Angst zu nutzen, um Kinder dazu zu bringen sich gut zu benehmen. Der Druck enthält auch einen Rechtschreibfehler, da Goya "viene", das spanische Verb für "kommen", falsch schreibt. Dies ist ein häufiger Fehler aufgrund der Ähnlichkeit im Klang zwischen dem spanischen b und v. In späteren Ausgaben des Drucks korrigierte er diesen Fehler. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Da sind sie gerupft (d.h. ausgeplündert), Blatt 20 aus Los Caprichos

Francisco Goya — 1797

In Los Caprichos, einer Serie von Radierungen von Francisco de Goya, präsentierte der Künstler seine verschleierte Kritik an der spanischen Gesellschaft des späten 18. Jahrhunderts. Hier stellte er Taugenichtse in Form von gerupften Hühner-Männern dar, die von Prostituierten betrogen werden. Goya betonte die beabsichtigte Moral des Titels der Arbeit und kommentierte über die Hühnermänner: „Wenn sie schon gerupft sind, schafft sie hinaus: Es werden andere kommen.“ Er ging so weit, seine antiklerikale Haltung auszudrücken – gefährlich für einen Mann, der während der spanischen Inquisition lebte – indem er zwei Mönche hinzufügte, die hinter den Prostituierten stehen und die Szene vor ihnen dulden, wenn nicht sogar billigen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Sie spinnen fein, Blatt 44

Francisco Goya — 1799

Francisco de Goya beschäftigte sich kreativ mit der Druckgrafik und schuf dabei kühne und innovative Kompositionen. Dieser Abdruck ist ein seltener Probeabzug, der vor der Veröffentlichung der Serie Los Caprichos in Sepia-Tinte gedruckt wurde, deren Titel als „Launen“ oder „künstlerische Fantasien“ übersetzt werden kann. Als eines der frühesten Blätter, die von der Platte gedruckt wurden, bewahrt es Goyas subtile Schichten von Tonal-Aquatinta, die in späteren Abzügen fehlen. Beachten Sie zum Beispiel den leichten Tonunterschied zwischen der blassen Haut und der weißen Bluse der Frau im Vordergrund, deren Spinnen, ein gebräuchlicher Euphemismus für Prostitution, vermutlich das Thema der ausführlichen Kritik des Künstlers ist.

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Fray Pedro erschießt den Maragato, während sein Pferd davonläuft

Francisco Goya — 1801

Im Sommer 1806 in Spanien, nach einer Flucht aus dem Gefängnis auf der Flucht, überfiel der gefürchtete Bandit El Maragato eine Familie in ihrem Haus und hielt sie als Geiseln. Unter den Familienmitgliedern war Pedro de Zaldivia, ein laienfranziskanischer Bruder, der das Haus aufsuchte, um Almosen zu erbitten. Der bescheidene Mönch stellte seinen Entführer auf den Kopf, indem er das Gewehr von El Maragato ergriff und ihm in den Oberschenkel schoss, um ihn zu überwältigen, bevor er eine andere Waffe von seinem Pferd holen konnte. Die Geschichte des heldenhaften Bruders verbreitete sich schnell durch Spanien, nicht nur in Zeitungsberichten und Broschüren, sondern auch in Balladen und Drucken. Obwohl Francisco Goya damals der Hofmaler des spanischen Königs war, interessierte er sich für die gesamte Bandbreite menschlicher Erfahrungen, einschließlich aktueller Ereignisse, und die Geschichte von Zaldivia und El Maragato schien seine Fantasie zu beflügeln. Dieses kleine, lebendige Gemälde gehört zu einer Serie von sechs Werken im Art Institute, die, ähnlich einem modernen Comic, die Geschichte dramatisch veranschaulichen. Die hier dargestellte Klimax zeigt den erniedrigenden und humorvollen Untergang des Banditen. Wie in allen Tafeln verzichtet Goyas breite, schnelle Pinselführung auf unnötige Details, um das wesentliche Drama des Moments festzuhalten. Diese erzählerische Serie steht in starkem Kontrast zu den Porträts von Königen und Adligen, die einen Großteil von Goyas Malereien ausmachen. Seine anderen Gemälde im kleinen Format behandeln ebenfalls traditionelle Freizeitbeschäftigungen, Aberglauben und Szenen aus dem täglichen Leben mit einem populären Realismus, der oft einen dunklen, humorvollen Ton anschlägt. Goya hat die El Maragato-Serie möglicherweise zu seinem eigenen Vergnügen geschaffen und nicht als Auftragswerk, da sie in einem Bestandsverzeichnis von 1812 immer noch unter seinen persönlichen Besitztümern aufgeführt waren. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Der Maragato bedroht Bruder Pedro de Zaldivia mit seiner Flinte

Francisco Goya — 1801

In kleinen, lebhaften Gemälden, geschaffen zu seinem eigenen Vergnügen oder für wenige anspruchsvolle Gönner, erforschte Francisco de Goya satirische und populäre Aspekte des spanischen Lebens. Diese Serie wurde von einem zeitgenössischen Ereignis inspiriert: der Gefangennahme des berüchtigten Kriminellen El Maragato durch Bruder Pedro de Zaldivia im Jahr 1806. Nach seiner Flucht aus dem Gefängnis verbrachte El Maragato zwei Monate damit, Lebensmittel, Waffen und Geld zu stehlen, bevor er versuchte, Bruder Pedro und andere unschuldige Menschen als Geiseln zu nehmen. Dem Mönch gelang es jedoch, den Banditen zu überlisten, indem er ihm das Gewehr abnahm, ihm bei der Flucht in den Oberschenkel schoss und ihn schließlich fesselte. Diese Geschichte war im frühen 19. Jahrhundert äußerst beliebt, und spanische Künstler verewigten sie in Bildern, Gedichten und Liedern. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Porträt des Generals José Manuel Romero

Francisco Goya — 1805

Das frühe 19. Jahrhundert war eine unruhige Zeit in Spanien. Nachdem Napoleon 1808 seinen Bruder Joseph Bonaparte auf den spanischen Thron gesetzt hatte, erhob sich das Volk in einem Aufstand und vertrieb schließlich mit Hilfe der britischen Armee die Franzosen. Obwohl seine eigenen Ansichten patriotisch und liberal waren, erfüllte Francisco de Goya pflichtbewusst seine Verpflichtungen als erster Maler des Königs. Dies ist ein Porträt von José Manuel Romero, einem Minister unter Joseph Bonaparte. Die Tatsache, dass der Mann von seiner prächtigen Hofuniform und seinen Auszeichnungen überwältigt zu sein scheint, könnte auf einen gewissen Mangel an Sympathie seitens des Künstlers hinweisen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Eine heldenhafte Tat! Mit Toten!, Blatt 39 aus Die Schrecken des Krieges

Francisco Goya — 1812

Dieses erschütternde Bild verhöhnt jegliche Vorstellung von der Möglichkeit heroischer oder bewundernswerter Folgen des Krieges. Doch viel später verwandelte Vargi Aivazian aus dem TASS-Fensterstudio das Grauen in Humor, indem er eben dieses Bild als Inspiration für sein sardonisches TASS 634, Weihnachtsschmuck, verwendete. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Und sie sind wie wilde Bestien (Die Schrecken des Krieges, Blatt 5)

Francisco Goya — 1812

Selbst Mütter werden zur Gewalt getrieben, wie dieses Bild zeigt. Eine Frau hält ein Kind auf ihrer linken Hüfte, während sie mit ihrem rechten Arm einem französischen Soldaten einen Speer stößt. Im Hintergrund greifen andere Frauen den Feind mit verschiedenen Mitteln an oder leiden unter ihren Verwundungen. Der auffällige Kontrast zwischen der Mütterlichkeit und der gewalttätigen Aggression vermittelt die verzweifelten Bedingungen des Spanischen Unabhängigkeitskrieges. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Die Beweglichkeit und Kühnheit von Juanito Apinani in der Arena von Madrid, Blatt 20 aus Die Tauromachie

Francisco Goya — 1814

Von 1785 bis 1814 wurden die Gesetze zur Regelung des Stierkampfs in Spanien von aufeinanderfolgenden Regierungen viermal geändert. Diese Vorschriften variierten stark je nach politischer Ausrichtung der Regierung, von einem völligen Verbot bis hin zu freiem Eintritt für alle. Aufgrund seiner Politisierung wurde der Stierkampf zu einer nützlichen Metapher für gesellschaftliche Konflikte, die Francisco de Goya nutzte, um indirekt auf das spanische Staatswesen zu kommentieren. So stellte Goya beispielsweise die Zuschauer oft kompositorisch als geteilt dar—entweder zusammengekauert auf der rechten Seite des Drucks oder, wie in diesem Werk, nach links gedrängt—und erinnerte damit an die tiefen Spaltungen in der spanischen Gesellschaft. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Die Wahrheit ist gestorben, Blatt 79 aus Die Schrecken des Krieges

Francisco Goya — 1815

Obwohl dies nicht das letzte Blatt der Serie ist, fasst dieser Druck die zentralen Themen auf tiefgründige Weise zusammen und behauptet, dass die Wahrheit selbst gestorben sei. Hier, personifiziert durch eine leuchtende Leiche, die gerade beerdigt werden soll, konnotiert die Wahrheit die konstitutionelle Freiheit. Die Justitia befindet sich rechts im Bild, ihre Waage in der linken Hand haltend. Sie bedeckt ihr Gesicht, vielleicht weinend, als ob sie die Szene vor sich nicht ertragen kann. Indem er die Serie mit dieser Note der Verzweiflung beendet, gibt Francisco de Goya eine Antwort auf die Frage, was geschehen muss (Blatt eins) – der endgültige Schlag des Krieges ist, dass die Wahrheit tot und die Gerechtigkeit verzweifelt ist. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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