Gauguin — Ausgewählte Werke

Kopf einer Tahitierin

Paul Gauguin — 1891

Diese Zeichnung gehört zu einer Gruppe von hochdetaillierten Porträtzeichnungen von Tahitiern, die Paul Gauguin kurz nach seiner Ankunft in der Südsee anfertigte. Während er sich an diesen neuen Ort gewöhnte, vermied Gauguin zunächst das Malen und zog es vor, sich zuerst durch Beobachtung und Zeichnung mit der Landschaft und den Menschen vertraut zu machen. Die akribische Qualität dieser Graphitstudie legt nahe, dass sie nach dem Leben entstanden ist. Das edle Gesicht der Frau und ihr rätselhafter Ausdruck verweisen auf die Spiritualität und Melancholie, die Gauguin in seinen polynesischen Arbeiten heraufzubeschwören suchte.

Sammlung: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Originalbild ↗

Te raau rahi (Der große Baum)

Paul Gauguin — 1891

Abgestoßen vom Materialismus der europäischen Gesellschaft, verließ Gauguin seine Familie und seine Karriere als Börsenmakler und brach 1891 nach Tahiti auf. Diese Leinwand gehört zu den ersten Gemälden, die er auf der Insel vollendete. Die reichen Farben und stilisierten Figuren sollten sowohl symbolisch als auch geheimnisvoll wirken und private Gedanken und Emotionen hervorrufen. „Ich erreiche Symphonien“, schrieb er, „Harmonien, die im absoluten Sinne des Wortes nichts Reales darstellen.“

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Arlesierinnen (Mistral)

Paul Gauguin — 1888

Im Winter 1888 verbrachte Paul Gauguin zwei schwierige Monate mit Vincent van Gogh in der südfranzösischen Stadt Arles. Während dieses Aufenthalts malte er das rätselhafte Werk Arlésiennes (Mistral). Die gemeinsame Zeit der Maler sollte den Anfang einer Künstlerkolonie markieren, doch das Verhältnis zwischen ihnen wurde zunehmend angespannt und Van Goghs psychische Verfassung verschlechterte sich. Das Gemälde zeigt vier Frauen, die ernst durch einen öffentlichen Garten ziehen, direkt gegenüber dem Haus, das die beiden teilten. Der Raum ist stark nach oben geneigt, und komplexe, dreidimensionale Formen werden zu einfachen, flachen Gebilden reduziert. Zum Beispiel ragen zwei orange-gelbe Kegel – wahrscheinlich schützende Strohabdeckungen, um Pflanzen vor Frost zu bewahren – rechts auf wie abstrahierte menschliche Figuren. In dunkle Tücher gehüllt, bedecken die zwei nächsten Frauen ihre Münder vor der eisigen Luft. Ihre Gesten sind zurückgezogen und introspektiv, und ihr Weg scheint durch einen leuchtend roten Zaun und einen großen grünen Busch versperrt. Vielleicht ist das seltsamste Element der Komposition das Erscheinung eines Gesichts im Busch. Dieses Gesicht – eine bewusste Ergänzung des Künstlers – verleiht der Szene eine unheimliche, wachende Präsenz. Es exemplifiziert Gauguins Erforschung dessen, was er als die Geheimnisse des Alltagslebens ansah. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Sammlung: The Art Institute of Chicago · CC0 · Originalbild ↗

Nave Nave Fenua (Duftende Insel)

Paul Gauguin — 1893

Im Jahr 1891 reiste Paul Gauguin nach Tahiti, um einen authentischeren Kunststil zu suchen, als den Konservatismus, den er in der westlichen Kultur ablehnte. Nach seiner Rückkehr nach Paris im Jahr 1893 begann er mit der Arbeit an Noa Noa, einem illustrierten Buch, das seine Erfahrungen im Ausland erklärte und darstellte. Obwohl das Projekt nie fertiggestellt wurde, ist dieser Druck eine der Illustrationen daraus. Gauguin stellte eine üppige Landschaft dar, indem er grob in einen Holzblock meißelte, eine Technik, die an die Reliefskulpturen erinnern sollte, die er in Tahiti gesehen hatte.

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In den Wellen (Dans les Vagues)

Paul Gauguin — 1889

Gemalt in Pont-Aven im Nordwesten Frankreichs, zeigt dieses Bild eine nackte Figur, die sich ins Meer stürzt und eine Metapher für eine moderne europäische Frau darstellt, die die Zivilisation aufgibt und sich ihren natürlichen, ursprünglichen Instinkten hingibt. Die vereinfachten Linien und übertriebenen Farben, besonders das kontrastierende Grün und Orange, scheinen eher erfunden als aus dem Leben beobachtet zu sein. Mit der Ausstellung des Gemäldes im Café Volpini in Paris im Jahr 1889 etablierte sich Gauguin als führender Vertreter der symbolistischen Bewegung in der Kunst.

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Frau vor einem Stillleben von Cézanne

Paul Gauguin — 1890

Die hier sitzende Frau bleibt unbekannt, aber das Stillleben, das im Hintergrund dominiert, ist wohlbekannt: Paul Cézannes "Stillleben mit Fruchtschale" (1879–80; Museum of Modern Art, New York). Gauguins Version hat nahezu das gleiche Format wie das Original. In bestimmten Aspekten der Komposition ahmte Gauguin den Stil von Cézanne nach, zum Beispiel indem er die Bildebene so abflachte, dass es scheint, als würde die Frau aus ihrem Stuhl nach vorne kippen. Bevor Gauguin Künstler wurde, war er Kunstsammler. Cézannes Stillleben —eines von fünf oder sechs Werken des Künstlers in Gauguins Sammlung—war ein Meilenstein in seiner künstlerischen Ausbildung. Es ist möglich, dass Cézanne auf dieses Werk anspielte, als er Gauguin vorwarf, seinen Stil zu stehlen, den er als seine „petite sensation“ bezeichnete. Dies ist eines von fünfunddreißig Werken, die die Winterbotham Collection umfassen. Klicken Sie hier, um mehr über die Sammlung zu erfahren. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Te raau rahi (Der große Baum)

Paul Gauguin — 1891

„Alles in der Landschaft blendete und verblüffte mich“, schrieb Paul Gauguin über seine ersten Monate in Tahiti. Hier zeigt er die Vielfalt der fruchttragenden Bäume der Insel, darunter einen dickstämmigen, violetten Hotu links; spindeldürre Mango- und Kokosnusspalmen; und drei kurze Bananenpflanzen mit üppigen, gespreizten Blättern. Im Vordergrund benutzt ein Mann einen Stock, um eine Kokosnuss zu knacken, und eine Familie ruht im Gras, neben ihnen ein schlafender Hund. Die grob gewebte Leinwand des Gemäldes, gemacht aus faserigem Pflanzenmaterial (Jute), ist durch die Farbschicht sichtbar. Günstiger und leichter verfügbar als traditionelle Leinwand, verleiht dieses Trägermaterial dem Werk eine robuste, organische Textur. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Te burao (Der Hibiskusbaum)

Paul Gauguin — 1892

Dieses Landschaftsbild entstand zu Beginn von Paul Gauguins erstem Aufenthalt in Tahiti und zeigt den Künstler bei dem Versuch, eine ihm unbekannte Umgebung darzustellen. Anstatt botanische Arten wissenschaftlich zu dokumentieren, konzentrierte sich Gauguin auf das künstlerische Potenzial ihrer vielfältigen Farben, Texturen und Formen. Die menschliche Figur in der Ferne und der Hund, der durch die heruntergefallenen Äste streift, beleben die Landschaft und schaffen ein Gefühl der Größenordnung. Dies ist eines der fünfunddreißig Werke, die die Winterbotham Collection umfassen. Klicken Sie hier, um mehr über die Sammlung zu erfahren. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Merahi metua no Tehamana (Die Ahnen von Tehamana)

Paul Gauguin — 1893

In diesem Porträt erscheint das 13-jährige tahitianische Mädchen namens Tehamana stoisch, mit geraden Schultern und einem unverwandten Blick. Sie trägt ein Missionarskleid und hält einen samoanischen Fächer, während weiße Blumen aus ihrem Haar fallen. Die reife Mango neben ihr deutet auf Fruchtbarkeit hin. Im Hintergrund kombinierte Gauguin verschiedene nicht-europäische Symbole – Glyphen, die von einer Tafel der Osterinsel abgeleitet sind, und eine weibliche Gottheit, inspiriert von polynesischen und hinduistischen Quellen –, um ein allgemeines Gefühl von Fremdheit und Geheimnis zu erzeugen und Tehamana in die Verkörperung seines eigenen Begehrens zu verwandeln. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Mahana no atua (Der Tag des Gottes)

Paul Gauguin — 1894

In diesem tropischen Paradies, einer Erfindung des Künstlers, thront eine Gottheit über Figuren, die auf einem Damm wandern und ruhen. Rhythmisch in Gruppen von zwei und drei arrangiert, erscheinen die Figuren eher als symbolische Formen denn als Porträts einzelner Personen. Wasserbecken in ineinandergreifenden, abstrakten Zonen von greller Farbe umgeben die Füße eines Badenden, der von zwei liegenden Figuren flankiert wird — oder vielleicht der gleichen Person aus zwei Perspektiven. Anders als seine anderen tahitianisch inspirierten Landschaften wurde dieses Gemälde in Paris kurz nach Paul Gauguins erster Reise auf die Insel geschaffen. Aus Fantasie und Erinnerung geschöpft, gehört die psychedelische Komposition zu den abstraktesten und avantgardistischsten Werken in Gauguins Karriere. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Die Frau mit Feigen

Paul Gauguin — 1894

"Die Frau mit Feigen" ist eine von nur zwei Radierungen, die von Gauguin geschaffen wurden. Sie entstand in Zusammenarbeit mit seinem Freund Armand Séguin, dessen Adresse in der oberen linken Ecke des Drucks eingetragen ist. Da Gauguin mit dem Medium der Radierung unerfahren war, hat er wahrscheinlich die Komposition selbst gezeichnet, sich aber auf seinen Freund verlassen, um ihm bei den technisch anspruchsvolleren Aspekten des Prozesses, wie dem Aufbringen der Grundierung und dem Ätzen der Platte, zu helfen.

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No te aha oe riri (Warum bist du wütend?)

Paul Gauguin — 1896

Auf dieser großformatigen Leinwand, eine von mehreren, die Paul Gauguin 1897 nach Frankreich schickte, erscheinen Frauen verschiedenen Alters, die ihr tägliches Leben in einer farbenfrohen, stilisierten Außenwelt ausleben. Wie viele Werke des Künstlers kombiniert auch diese Malerei beobachtete Details mit künstlerischer Fantasie, um eine traumartige Szene zu schaffen, deren Erzählung sich einer einfachen Interpretation entzieht. Der bewusst provokante Titel des Werks verstärkt diesen Effekt und lässt uns darüber nachdenken, ob das „du” sich auf jemanden im Gemälde oder auf den Betrachter bezieht. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Polynesische Frau mit Kindern

Paul Gauguin — 1901

Die drei Figuren in diesem Werk wurden nie identifiziert. Ihre familiäre Pose und andere Details, wie der goldene Ring der Frau und das rote Zeichen auf der Hand des Mädchens, laden zu Spekulationen über ihre Beziehung zueinander und zum Künstler ein. Eine technische Analyse hat gezeigt, dass Paul Gauguin die Position der Hände der Frau überarbeitet hat, um sie diagonal mit denen des jungen Mädchens, das hinter ihr steht, in Einklang zu bringen. Gemeinsam bilden sie eine nach oben gerichtete Achse, die durch die Katze, ebenfalls eine spätere Ergänzung, verstärkt wird. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Der Ruf

Paul Gauguin — 1902

Ein Jahr vor dem Tod des Künstlers auf einer abgelegenen Insel in Polynesien gemalt, gehört "Der Ruf" zu einer Serie von späten Werken, die die Mysterien des Lebens und des Todes erforschen. Zwei Frauen stehen barfuß, als ob sie sich auf heiligem Boden befinden. Eine der Frauen gestikuliert zu jemandem außerhalb des Bildes, vielleicht als Antwort auf einen "Ruf" des Schicksals oder der Bestimmung. Gauguin verwirklichte seinen Ehrgeiz, aus Erinnerung und Vorstellungskraft zu malen, durch solch geheimnisvolle, traumähnliche Bilder.

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Noa Noa: Der Teufel spricht (Mahna No Varua Ino) (recto)

Paul Gauguin — 1893

1893 kehrte Paul Gauguin nach einem Aufenthalt in Tahiti nach Paris zurück. Er begann mit der Idee eines Buches, das sein Leben außerhalb Europas beschreiben und Kontext für die avantgardistischen Werke bieten sollte, die er während seiner Abwesenheit schuf. Dieser Druck ist einer von einer Serie von zehn, die zur Illustration dieses Buches bestimmt waren, das Gauguin Noa Noa nannte. Er schnitt jedes Bild grob in einen Holzblock und druckte sie selbst, wodurch die Drucke eine raue Qualität erhielten, die er hoffte, würde das Thema unterstreichen. Aufgrund dieses Prozesses, kombiniert mit der Praxis des Künstlers, seine Tinten und Papiere beim Arbeiten zu variieren, sind Drucke wie dieser nahezu einzigartig.

Sammlung: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Originalbild ↗