Degas — Ausgewählte Werke

Spartanische Mädchen fordern Jungen heraus

Edgar Degas — 1855

1859 kehrte Edgar Degas nach einem längeren Aufenthalt in Italien nach Paris zurück, wo er Verwandte in Neapel und Florenz besuchte und an Aktklassen an der Académie Française in Rom teilnahm. Dieses um 1860 entstandene Gemälde zeugt von seinem Ehrgeiz, Leinwände mit Szenen aus der Bibel sowie der antiken und neueren Geschichte zu schaffen. Degas wählte sein Sujet aus dem Leben des sagenhaften spartanischen Gesetzgebers Lykurg, der im neunten Jahrhundert v. Chr. lebte. Lykurgs soziale Reformen enthielten eine ungewöhnliche Methode des körperlichen Trainings, bei der heranwachsende Mädchen auf gleicher Augenhöhe mit Jungen wetteiferten und nackt in der Öffentlichkeit übten. Degas hätte diese monochrome Skizze mit Farbschichten versehen, wenn er sie vollendet hätte, aber er ließ sie unvollendet, als er eine zweite Version des Themas begann (National Gallery of Art, London). Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

Sammlung: The Art Institute of Chicago · CC0 · Originalbild ↗

Selbstporträt

Edgar Degas — 1857

In den 1850er Jahren nutzte Degas häufig sich selbst als Modell, aber er fertigte nur ein gedrucktes Selbstporträt an. Durch aufeinanderfolgende Phasen des Ätzens der Platte und Schichten von Kreuzschraffuren baute Degas allmählich Bereiche dunkler Tönung auf. In diesem Druck fügte Degas geätzte Linien im Gesicht, Hut und Mantel hinzu und wischte seine Kupferplatte sorgfältig ab, um atmosphärische Effekte zu erzeugen. Seine klar gezeichneten Augen treten in direkten Kontakt mit dem Betrachter und führen zu einem psychologisch kraftvollen und intensiven Porträt des jungen Künstlers im Alter von 23 Jahren. Dieser Druck wurde seinem Freund, dem Maler und Bildhauer Paul Albert Bartholomé, gewidmet.

Sammlung: The Cleveland Museum of Art · CC0 · Originalbild ↗

Porträt von Frau Lisle und Frau Loubens

Edgar Degas — 1862

Edgar Degas nahm nur selten Porträtaufträge an; seine Modelle waren fast immer Familienmitglieder oder Personen aus seinem sozialen Umfeld. Die beiden Frauen in diesem düsteren, unvollendeten Gemälde wurden durch vorbereitende Zeichnungen identifiziert, die sie als „Mme Lisle“ (links) und „Mme Loubens“ (rechts) kennzeichnen. Beide waren Freunde der Familie des Künstlers Édouard Manet; sie trafen Degas wahrscheinlich bei einem Treffen im Haus von Manet. In einem Brief von 1869 beklagte sich die Künstlerin Berthe Morisot darüber, dass Degas sie bei einer solchen Soirée für die Gesellschaft von Madame Lisle und Madame Loubens verlassen habe, was die Nähe der Gruppe bezeugt. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Stefanina Primicile Carafa, Markgräfin von Cicerale und Herzogin von Montejasi

Edgar Degas — 1870

Obwohl Degas vor allem für seine Darstellungen von Balletttänzern und Rennpferden in Erinnerung bleibt, malte er viele Porträts von Familienmitgliedern. Dieses Porträt seiner Tante, Stefania Carafa (1819–1901), entstand wahrscheinlich während eines längeren Aufenthalts in Neapel, wo viele seiner Verwandten lebten. In Familienpapieren wird sie als sehr verwöhntes, lebenslustiges Kind beschrieben, doch ihre Entwicklung führte zu der stoischen, weltmüden Frau, die hier dargestellt wird. Keine kostbare Kleidung offenbart ihren hohen sozialen Rang; tatsächlich trägt sie ein Trauerkleid, möglicherweise aus Anlass des kürzlichen Todes ihres Bruders Achille.

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Gelbe Tänzerinnen (im Abseits)

Edgar Degas — 1874

Edgar Degas malte Tänzerinnen erstmals 1871 als eigenständiges Thema. Fast die Hälfte seines künstlerischen Schaffens widmete er diesem Sujet und beobachtete unzählige Aufführungen und Proben an der Pariser Oper. Hier platzierte er den Betrachter in den Kulissen, als ob er sich unter den Eliteabonnenten der Oper befände, die backstage umherstreifen und sich unterhalten. Die Tanzthemen ermöglichten Degas, sein lebenslanges Interesse an der Darstellung des menschlichen Körpers in komplexer Bewegung zu modernisieren, indem er die Szene von der Antike ins moderne Paris verlagerte. Er vollendete und signierte die vorliegende Leinwand rechtzeitig für die zweite Impressionistenausstellung im April 1876. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Henri Degas und seine Nichte Lucie Degas (Der Onkel und die Cousine des Künstlers)

Edgar Degas — 1875

Edgar Degas nahm selten Aufträge an. Seine Porträtmotive waren in der Regel enge Freunde und Familienmitglieder, insbesondere diejenigen aus der italienischen Seite seiner Familie in Florenz und Neapel, wo er häufig zu Besuch war. Wahrscheinlich malte er dieses Doppelporträt 1875 während eines viermonatigen Aufenthalts in Neapel. Es zeigt seine verwaiste Cousine ersten Grades, Lucie, und ihren Onkel Henri, in dessen Obhut das Mädchen kürzlich gegeben wurde. In diesem Gemälde zeigte Degas zwei Menschen, die durch viele Altersjahre getrennt sind und vorsichtig die Umstände ihrer neuen Beziehung akzeptieren. Nachdem er kürzlich seinen eigenen Vater verloren hatte, behandelte der Künstler Themen wie dieses mit Offenheit und Sensibilität. Bereiche mit dünner Farbe und unvollendete Details deuten darauf hin, dass das Werk nie vollendet wurde. Dennoch betont die sparsame Gestaltung des Hintergrunds wirkungsvoll die Köpfe und Oberkörper der Figuren. Degas drückte ihre Verbindung durch die ähnliche Neigung ihrer Köpfe und ihre schwarze Trauerkleidung aus. Gleichzeitig teilt der Rand einer französischen Tür im Hintergrund und die Rückenlehne von Henris Stuhl die Charaktere in separate Bereiche der Leinwand, was eine subtile Anspielung auf ihr psychologisches Unbehagen schafft. Auf einmal intim und distanziert, zwanglos und zurückhaltend, drückt das Porträt die Zerbrechlichkeit und Notwendigkeit familiärer Bindungen aus, nicht nur zwischen den beiden dargestellten Personen, sondern auch mit dem dritten Verwandten, der sie von der anderen Seite des mit Papieren beladenen Tisches malte. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Auf der Bühne

Edgar Degas — 1876

Edgar Degas stellt sieben Tänzerinnen dar, die in einem Ballett auftreten. Die Gesten der erhobenen Arme und Füße der Frauen fangen die Bewegungen, Formen und Posen des Corps de ballet ein (dem Ensemble oder Chor einer Ballettkompanie, das in Gruppen auftritt). Um das Gefühl von Bewegung und Spektakel zu verstärken, verwischte Degas die Ränder der Formen dort, wo die Kleider der Tänzerinnen die Bühne berühren. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Ballett in der Pariser Oper

Edgar Degas — 1877

Einer der innovativsten Künstler des neunzehnten Jahrhunderts, Edgar Degas, kombinierte oft traditionelle Techniken auf unkonventionelle Weise. In "Ballett in der Pariser Oper" verband der Künstler kreativ die Monotypie-Technik, die zu seiner Zeit selten genutzt wurde, mit dem fragilen Medium des Pastells. Pastell, als „das Pulver der Schmetterlingsflügel“ beschrieben, war das perfekte Medium, um die Verwandlung der spindeldürren jungen Tänzerinnen auf der Bühne in Schönheitsvisionen zu veranschaulichen, die so perfekt und kurzlebig wie Schmetterlinge sind. Dieses Werk, ausgeführt auf einer der breitesten Monotypieplatten, die der Künstler je verwendet hat, zeigt Degas' charakteristisch beschnittene Formen und ungewöhnliche Blickwinkel, die die Unmittelbarkeit der Szene effektiv vermitteln. Der Blick stammt aus dem Orchestergraben, wobei die Hälse der Kontrabässe in die Zone der Tänzerinnen hineinragen. Die zentrale Tänzerin steht in der fünften Position, en pointe, doch die zufällige Platzierung des Corps de Ballet, mit dem frei fließenden Haar der Tänzerinnen, deutet eher auf eine Probe als auf eine Aufführung hin. Die Pariser Oper war die offizielle Schule des ersten staatlich unterstützten Balletts, der Académie Royale de Danse, die 1661 gegründet wurde. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Beim Modesalon

Edgar Degas — 1879

"Das Modistengeschäft" ist das größte der Gemälde von Edgar Degas, die sich mit Modistinnen oder Hutmacherinnen befassen. Er arrangierte die Komposition sorgfältig und fertigte mehrere Zeichnungen und Pastelle der einzigen Figur an, perfektionierte die Pose der Frau und experimentierte mit ihrem Outfit. Die endgültige Komposition hebt die visuellen Mehrdeutigkeiten der Klassenidentität hervor, die in Frankreich im späten 19. Jahrhundert aufkamen. Die Frau sitzt in einem Hutladen und begutachtet einen breitkrempigen Hut. Sie trägt ein modisches grünes Wollkleid und lange, elegante Handschuhe, die ebenso wahrscheinlich von wohlhabenden Kundinnen als auch von den Angestellten des Geschäfts getragen wurden. Zu dieser Zeit galt die Arbeit in der Modistenbranche als prestigeträchtiges Handwerk, das Geschick und Geschmack erforderte und die jungen Frauen, die in diesem Geschäft erfolgreich waren, allmählich aufwertete. Degas griff diesen subtilen Wandel in der Klassenhierarchie durch die Mode des Subjekts auf: Während ihr Kleid schön genug ist, um von einer wohlhabenden Frau getragen zu werden, trägt sie keinen eigenen Hut, was von einer jungen Dame der gehobenen Klasse erwartet worden wäre. Der Künstler stellte diese neuartige Unsicherheit spielerisch dar, indem er den Hut mit grünen Verzierungen so positionierte, dass er scheinbar auf dem Kopf der Frau sitzt. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Porträt nach einem Kostümball (Porträt von Madame Dietz-Monnin)

Edgar Degas — 1879

Dies ist eines der fünfunddreißig Werke, die die Winterbotham-Sammlung ausmachen. Klicken Sie hier, um mehr über die Sammlung zu erfahren. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Der Stern

Edgar Degas — 1879

Die Primaballerina, die in Edgar Degas' Pastell dargestellt wird, wurde als die spanische Tänzerin Rosita Mauri identifiziert, die von Katalonien nach Paris zog und Ende der 1870er Jahre Ruhm an der Pariser Oper erlangte. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Drei Studien einer Tänzerin in vierter Position

Edgar Degas — 1879

Diese bemerkenswerte Zeichnung, die zur Vorbereitung der Skulptur "Kleine Tänzerin im Alter von Vierzehn Jahren" angefertigt wurde, zeigt das Modell Marie van Goethem aus drei verschiedenen Perspektiven: linkes Profil, rechtes Profil und frontal zur Betrachtung. Edgar Degas wollte die Figur vor der dreidimensionalen Annäherung an die Skulptur in zwei Dimensionen im Rundumverständnis erfassen. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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Dorf in Estérel

Edgar Degas — 1885

Diese Landschaft ist eines von vielen Monotypien, die Edgar Degas im Laufe seiner Karriere schuf. Das Werk gehört zu einer Serie, die Degas während eines Besuchs bei einem Freund auf dem französischen Land malte. Die Unschärfe erinnert an den Ausblick, den er während seiner Reisen aus den Fenstern von Zügen und Kutschen sah. Um die Effekte von Wetter und natürlichem Gelände zu übersetzen, schuf er Farbschichten und Texturen, die in der endgültigen Komposition an Abstraktion grenzen.

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Fries der Tänzerinnen

Edgar Degas — 1890

Dieses Gemälde zeigt möglicherweise eine einzelne Tänzerin aus vier verschiedenen Blickwinkeln. Die junge Frau befindet sich in einem undefinierten Umfeld, umgeben von bloßen Farbtupfern, die so spontan aufgetragen wurden, dass die Farbe verlaufen und getropft ist. Degas fügte die Kreise im Vordergrund sogar mit seinem Daumen hinzu. Solche Kühnheit, die in einer kleinen Skizze akzeptabel wäre, muss die Zeitgenossen des Künstlers schockiert haben, als sie auf einer sechs Fuß großen Leinwand präsentiert wurde. Ebenso radikal ist die Idee, mehrere Ansichten einer einzelnen Figur zu kombinieren. Degas' ungewöhnliche Darstellung könnte von den Fotografien von Eadweard Muybridge (1830-1904) inspiriert worden sein.

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Zwei Tänzerinnen

Edgar Degas — 1893

Edgar Degas hielt Balletttänzerinnen in Ruhe und Bewegung in einer Vielzahl von Medien fest und schuf zahlreiche Zeichnungen, Gemälde, Drucke und Skulpturen. Das Thema ermöglichte es Degas, die Bewegungen der menschlichen Form und die Verwindungen des Körpers zu studieren. In diesem Pastell warten die Künstlerinnen hinter den Kulissen, in den Flügeln der Bühne, und beugen sich in der Taille, die Arme in die Seite gestemmt, in Vorbereitung auf ihren nächsten Auftritt. Text: Art Institute of Chicago, CC BY 4.0 (translated)

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